Les Trublions

INTERVIEW DE VAEROHN, MASTERMIND DE PENSEES NOCTURNES

2010-10-20T17:10:00.000+02:00

Bonsoir, très chers et aimables spectateurs du cabaret des Trve Blyon (ah je vois tout de même quelques spectatrices au fond). Soyez les bienvenus (et bienvenues donc) pour cette petite séquelle de spectacle que nous offre le grand prestidigitateur des mots et notes musicales, j'ai nommé le grand, l'incroyable, l'inénarrable Vaerohn, en après-première du fameux "Grotesque". Une petite représentation uniquement épistolaire, mais diablement épicée autant que riche de Pensées Nocturnes éclipsant l'astre s(t)olaire de leurs volutes ténébreuses. Pop-corn sur les genoux et sucette fermement plantée dans la cavité buccale, prenez confortablement place pour une pièce en cinq actes garantie sex-clusive et totalement gras-truite. Et c'est non pas sur la Truite de Schubert mais sur la Marche Nuptiale de Mendelssohn, accompagnée des applaudissements de la foule, que s'ouvre l'ensanglanté rideau …

1) Voilà environ deux années que fut célébrée l’union entre Pensées Nocturnes et Les Acteurs de l’Ombre. Comment en êtes-vous arrivés à vous jurer fidélité l’un l’autre et qui s’est décidé à faire le premier pas ?

Tout n’est ici qu’histoire de pluralité. Comme l’indique à bon droit le proverbe populaire : plus on est de vilains et plus il y a de mains, alors que Les Pensées Nocturnes, elles, ont besoin d’énormément d’attention vois-tu. Un Season Of Mist, Un Nuclear Blast ou Un Century Media n’auraient clairement pas suffi alors que LES Acteurs de l’Ombre, ça commence déjà à avoir de la gueule ! Cette petite bande de pervers corrompus avait déjà les pauvres petites poulettes en ligne de mire depuis un moment, patientant patiemment dans l’obscurité jusqu’à l’âge légal de consommation, comme on dit par chez nous.

2) Votre passion est-elle exclusive ou es-tu épris de pulsions adultères (de même que LADLO pourrait être tenté par l’abandon de son actuelle monogamie) ?

J’ai cru comprendre que ma coureuse avait commencé à tendre l’oreille vers d’autres horizons, avec une attention particulière pour les pays de l’Est parce que c’est pas trop mal, ça coûte moins cher et c’est même un peu malade : le panard. Mais il n’y a visiblement rien de très précis pour le moment, aussi si le cœur vous en dit je vous invite fortement à enfiler votre costume de roumaine enflammée (mais gaffe à Hortefeux) sur : prod@lesesacteursdelombre.com. Pour ma part, le côté jet-set bon marché, groupies à la pelle et torche-culs rampants commence à gravement me lourder mais plus de précisions viendront en temps voulu.

M'est subrepticement venu à l'idée de poser une question concernant précisément l'acte de consommation de ce conjungo, mais je me ravise à l'ultime moment, décidant pour l'instant de ne pas risquer d'aller plus loin en termes de détails scabreux. C'est que certains spectateurs ont peut-être amené avec eux leur tendre progéniture … Dans ce cas, réjouissez-vous (et n'oubliez pas d'applaudir au passage, comme le veulent ces fichus us et coutumes), car nous avons tout prévu pour ces doux chérubins qui pourront bénéficier du coffret "C’est Pas Sorcier : la Chimie Pharmaceutique au Quotidien" gracieusement offert par LADLO aux 666 premiers spectateurs qui lèveront le pied gauche. A vos marques ! … Prêts ? … Partez ! …

3) Parmi les milles et unes substances circulant et réagissant selon des réactions chimiques complexes en ton cortex cérébral, quelles sont celles qui conduisirent à la synthèse du Vacuum® ? Des prescriptions et/ou des contre-indications concernant cette toute première formulation ?

Que cela soit conceptuellement ou musicalement Vacuum est en fait l’œuvre d’un puceau du manche, d’un jouvenceau sans repère technique ou existentiel, persuadé qu’emprunter le rôle de la pleureuse perdue lui serait salvateur. C’est une sorte de brouillon d’album qui aurait dû rester dans mon tiroir à cachoteries, au milieu de mes déclarations d’amour sulfureuses à la Madame Spears et des cadavres de mes perruches préférées, celles que gamin je ne savais accepter de laisser reposer sous terre une fois le coucou passé. Ah la jeunesse… Aujourd’hui l’album est sold out, et le restera, histoire que l’on ne m’accuse d’abus de biens musicaux. (Désolé de ne pas avoir saisi ta grosse perche d’histoires nocturnes de marins mais perso je ne mange pas de ce pain là).

4) Une tel produit si expérimental a toutes les (mal)chances de laisser un certain arrière-goût d’imperfection voire de maladresse, et tu sembles aujourd’hui rejeter tous tes vieux flacons et autres béchers cérébraux. Ne t’apparais-ce pas injuste sachant que, sans la synthèse du Vacuum®, sans cette étape préparatrice, la nouvelle formulation Grotesque® n’aurait peut-être pas été aussi riche ni aussi profonde et aboutie ?

Un des plus vénérable religieux que la France n’ait jamais porté en son saint, le Sein Râblé, inventeur des « femmes folles à la messe » et par là-même des contrepèteries, mais surtout illustre buveur et amateur de jeune fille fraichement engrossée (préférable, au temps où les capotes ne courraient pas encore les tiroirs), affirma que, telle la cornemuse, l’homme se doit d’avoir le ventre plein s’il veut bien sonner – du cul – (avouons que le Sain Rabelais faisait tout de même de temps en temps des jeux de mots bien pourris du genre : « Le grand Dieu fit les planètes et nous faisons les plats nets »). Or voilà qu’à la composition de Vacuum, ce n’était pas mon ventre qui manquait de plein mais bien plutôt mon esprit, trop tristement simpliste. C’est que lorsque l’on parle philosophie en Black Métalleux, on pense de suite à Cioran, Schopenhauer, Kierkegaard ou autres pensées radicalement pessimistes qui avaient farouchement décidées de camper sur ma table de nuit en ces temps obscurs de crise puérilement existentielle. Mais voilà que le jeunot a muri, psychologiquement en tout cas, et qu’il préfère aujourd’hui l’impertinence de Diogène le cynique, la satire clownesque de Cyrano de Bergerac ou les grivoiseries d’Alcofribas Nasier, bref, le rire moqueur de Démocrite plutôt que la pleureuse Héraclite. Pour un courant qui se donne pour ambition de combattre l’austérité, le fanatisme, la haine de soi et du monde que cultive, en particulier, le catholicisme je dois avouer m’étonner que le Black Metal ait opté pour… exactement la même chose… Bien que les auteurs précédemment cités ne sont pas athées à proprement parler, je crois qu’il n’existe rien de plus efficace que la moquerie, la légèreté, l’autodérision et le cynisme face aux traditions plus ou moins ancestrales, en tout cas fort ridicules, qui font encore loi dans notre quotidien. Depuis presque 30 ans que le BM existe, le monde a quand même bien changé de gueule non ?
Ça c’est pour le fond conceptuel, et pour me raccrocher à ta question, Râblé étant médecin (galipette inattendue), il semble évident que tout laborantin passe inexorablement par des phases d’échec avant de trouver le nouvel opium qui révolutionnera le monde des junkies. Mais encore faut-il s’abstenir de partager ces décoctions malsaines sous peine d’altérer le jugement fragile de la masse métalleuse. Car à forcer les chiens à bouffer des croquettes industrielles toute leur vie, on les dispense de pouvoir apprécier comme il se doit un grand cru classé. Les cons ! Les métalleux sont de véritables mouches à vinaigre, de fiers bousiers qui se jettent allègrement sur la merde qu’on leur a toujours servie sans jamais être capable de prendre du recul. Et pourtant un simple reniflement suffit… Non il faut être honnête Vacuum n’a rien d’un album, c’est un véritable torchon, un semblant de brouillon tout au plus. Servez-vous de vos oreilles et cessez de boire les conneries qu’on vous sert. Les chroniques ne sont pas paroles d’évangiles, loin de là.

« Un homme de bien, un homme de bon sens, croit tousjours ce qu'on luy dict et qu'il trouve par escript »…

Tels de délicieux morceaux d'hostie sont délicatement distribuées à la foule les capsules du fameux Grotesque®. Ressentez, tandis qu'en l'organisme le Grotesque® s'absorbe et agit, ressentez comme il balaye, comme il explose, comme il pulvérise la retenue de l'entracte précédent. Détournez les yeux innocents, protégez les chastes oreilles, car de l'arrière-scène surgit tout à coup une orgiaque partouze. De rugueux éléments black metal violant de malicieuses harmonies classiques en des poses insolites, coïts imprévisiblement brutaux d'éléments jazzy et bluesy, noyés en des cris de névrosés et des beuglements de demeurés. Place à la communion impie ! …

5) Le Grotesque a-t-il vraiment un sens ? … Le supposé capharnaüm de compositions a priori décousues … Et au contraire le fort aspect narratif ressortant de multiples écoutes attentives, la trame allégorique où rien ne semble laissé au hasard, retenant ainsi de chuter dans le désordre au sens le plus bordélique du terme … Les parallélismes que je vois entre ton œuvre et cette citation de Gustave Flaubert adressée à Georges Sand me semblent particulièrement intéressants à étudier. Je te la propose en pâture (la citation … tout comme Georges Sand d'ailleurs … si tu la trouves à ton goût, bien sûr) …

Le Grotesque c’est foutre un doigt profond à cette société du toujours plus rapide, toujours plus divertissant et donc du toujours plus vide que le Black Metal d’aujourd’hui illustre à merveille ; c’est rire à gorge décharnée des codes et traditions pathétiques des genres musicaux alors que la plupart des « artistes », incapables de dépassement, sont contraints de faire de nécessité vertu ; c’est chier à la gueule des auditeurs qui chialent telles des vaches pleines lorsque les réponses aux interviews font plus de trois lignes et qu’ils n’en comprennent pas les références insinuées ; c’est perdre les clients dans un dédale de vibrations malgré le fait que la plupart n’ont pas les tripes d’en créer une sortie ; c’est se contrefoutre royalement de ce que l’on attend de toi et de ce que le projet peut devenir ; c’est, en bon fataliste, vomir sur les certitudes et les fanatismes autistes qui tirent les ficelles de ce monde ; c’est lâchement se tenir en retrait pour se glousser de la société et de la condition de tout un chacun en son sein ; c’est préférer les bottes et la boue au soleil et à la foule ; c’est chercher à ne pas être compris pour, pyrrhonisme oblige, avouer son incapacité à construire une vision cohérente et logique du monde ; c’est endosser l’espace d’un instant le rôle de créateur tout-puissant et jouir d’une liberté totale et absolue, seul et contre tous ; c’est, en un mot, comprendre que l’homme est la mesure de toute chose et que cet homme, ce n’est pas la société, l’histoire, la culture, le politiquement correct, les obligations, les on-dit et les lieux communs, mais c’est toi. Ainsi, quand bien même je n’ai jamais testé les thermes/bordel(-iques), le Grotesque, tel le petit chemin sinueux perdu en forêt, recèle bien des sentiers abandonnés et des sens cachés alors que l’autoroute, elle, est à sens unique. Les bolets ne se trouvent pas sous les pas de la foule, pas plus qu’ils ne tombent du ciel.

6) "Grotesque" : une complexité structurelle employée en tant que moyen ou finalité ?

Le moyen. Sans hésiter. Il faut jouer avec la musique, la faire parler, remuer ses émotions, y penser jour et nuit, en rêver même, et la combler de multiples petits détails et de délicates attentions sans jamais rechigner à l’innovation. Il faut y rajouter des couches, en enlever, la travailler fermement en prenant toujours les devants, la tourner dans tous les sens et la tirer de tous les côtés, jusqu’à essoufflement, jusqu’au point où l’inspiration ne vient plus : lorsque tu es intégralement vidé. Et à ce moment précis, rares sont ceux qui s’appesantissent éternellement sur le déroulement détaillé de leurs efforts. Ils préfèrent s’endormir avec leur musique que l’écouter parler. Les musiques ne sont qu’un moyen, elles sont faites pour nous servir.

7) Rahu, le serpent de la mythologie hindou, était annoncé sur le troisième morceau. Et patatrak, voilà que ce beau diable investit la scène au beau milieu de "Monosis", le cinquième, exécutant une hypnotique danse au détour du pont à l'atmosphère mystique, puis se retrouve charmé par un entêtant air d'accordéon accompagné d'un solo torturé. Caprice reptilien du créateur du spectacle ou de la bête en question ? Volonté délibérée de brouiller, sinon les œufs, du moins les pistes ? Acte provocateur de remise en question, voire de cassage, sinon de trois pattes à un canard, du moins de la règle "un élément ou une notion = une définition précise" ? … Ou signification encore plus tarabiscotée que les méandres d'un crotale ?

Pour revenir à la question précédente et l’illustrer par là-même avec le processus de réponse, le va-et-vient continuel et effréné d’images ou d’idées entre les différents actes doit être une sorte de mix entre malin plaisir d’emmêler les consommateurs tout en perdant les pinceaux et volonté de former une certaine unité au sein de l’opus. Un album de PN n’est pas une sorte de compilation de morceaux mis bout à bout jusqu’à obtenir une durée suffisante à sa commercialisation : c’est une entité pensée dans sa globalité depuis le départ et il ne me semble pas absurde que ses protagonistes puissent y faire plusieurs apparitions. Pour la petite histoire Rahu est, tel Sisyphe, condamné à éternellement effectuer une action vaine et répétitive et donc, sans rentrer dans les détails, Camus reste la clé pour comprendre la raison pour laquelle il laisse traîner sa fourchue langue par ici.

8) Conçois-tu que "Grotesque" puisse être qualifié, de par ses structures et manifestations particulièrement insolites, de divertissant voire d'amusant, alors que les complexes mécanismes artistiques qui l'animent recèlent milliers de sens plus profonds que le simple divertissement à la portée du vulgum pecus applaudissant mécaniquement lorsqu'on lui balance du spectaculaire (du moins est-ce ainsi que j'interprète le sens de l'ouverture) ? Où situerais-tu le curseur "Grotesque" sur l'échelle des deux extrémités, art et divertissement, qui peuvent revêtir des sens a priori antagonistes ? Et dans une optique plus personnelle, comment sens-tu chez toi la part entre artiste et amuseur public ?

Tu as raison : notre société tourne principalement autour du divertissement léger et sans profondeur mais toujours spectaculaire pour lequel le rire gras et grossier est un habitué de la maison. De la blague carambar made in Ruquier au reality show américain à deux balles, en passant par le cul de Mickael le Jeune, la notion d’humour a pas mal évolué depuis Desproges et Le Luron, suivant rigoureusement la pente en chute libre du niveau intellectuel de toute exhibition publique. L’unique possibilité de s’imposer dans ce monde d’une superficialité patente est de marquer la masse en partant du Mont Buzz et en descendant à vive allure, happé par le vide et la vitesse, le cerveau reposant bien sagement à la maison. Proposer un angle d’attaque trop élevé relève donc évidemment du suicide médiatique mais ça permet de rester à l’ombre d’une production durable et, comme dit précédemment, le soleil c’est pas mon truc. Ainsi, quand bien même ma prose n’en est pas le témoignage le plus flagrant, le rire dans PN a finalement plus vertu de sarcasme que d’amusement. Malheureusement il ne faut pas non plus jouer l’innocent et il est évident que l’exposition qu’a reçu le projet est principalement due à ses affinités avec le hors-norme et le sensationnel, plongé qu’il est dans ce revomi continuellement redigéré et réchauffé qu’est le BM depuis plus de vingt ans. Néanmoins je n’ai jamais cessé de pest-er contre ce genre d’approche au premier degré et de cette préférence pour la forme au détriment du fond qui privilégie la rapidité à la réflexion. Aussi aujourd’hui j’en arrive à une sorte de mépris face à ce système de consommation (aussi peu lucratif soit-il) qui attribue tous les pouvoirs au client-roi, réduisant par là-même le musicien à une simple marionnette : dont l’unique fonction reste de contenter le plaisir puéril d’un auditeur capricieux. Je suis un peu blasé de tenir le rôle de bouffon public, cet amuseur pour pleureuse gothopouffe qu’on croit contenter avec un généreux « merci pour l’add ». Le futur de PN ne sera clairement pas de franchir une marche supplémentaire vers le top 50 « Black-Metal, c’est trop d’la balle ». T’as vu.

9) Par ses multiples significations dissimulées autant qu’ambivalentes, "Grotesque" me semble s'adapter à la perception de tout un chacun qui pourra y trouver ses propres résonances, ses propres interprétations. N'aurait-on pas là un aperçu du Monosis, en une individualité recelant milles personnalités en fonction de qui s'y retrouve confronté ? En cela, peut-on aller jusqu'à dire que "Grotesque" est une œuvre universelle ?

Tu as parfaitement raison ! Grotesque la première étape de ma conquête secrète et tyrannique de l’Humanité ayant pour dessein de plonger le monde dans une déconfiture de valeurs, un chaos sans morale, un nihilisme rigoureusement cultivé et fleurissant. Je commence d’ailleurs à recenser un grand nombre d’adeptes fanatiques aux quatre coins de la sphère, allant de mes amis les Mongoles urbains aux tribus africaines pacifiques et libres, en passant par les fiers indiens américanisés made in China et mêmes, mes plus chers sympathisants, les chaleureux Inuits, maîtres des glaçons flottants. Le mécanisme infernal est en marche, bientôt le monde ne sera que capharnaüm et bazar décomposé dont je serais l’unique souverain !
Non franchement, je crois que la notion d’universalité est une des idées les plus incroyablement stupides que le bipède n’ait jamais eu la prétention d’inventer. Autolâtrie quand tu nous tiens… Même le grand Lévi-Strauss qui voyait en la prohibition de l’inceste une règle reliant tous les peuples civilisés fut dans le faux, puisqu’au sein de certaines tribus d’Egypte ancienne, le dépucelage des jeunes filles devait obligatoirement passer par le père sous-peine, à défaut, d’être traitées telles de véritables catins.
Qui, excepté les religieux et les moralistes du dimanche matin aurait la prétention de composer, d’écrire ou de penser pour la totalité de l’Humanité ? Dans un monde où l’information est immédiate, où les distances sont monstrueusement réduites et donc dans lequel la confrontation avec un cerveau formaté par un système d’exploitation non-occidental est plus qu’aisée, comment faire preuve d’assez d’orgueil pour formuler ne serait-ce qu’un soupçon de pensée universaliste ? Grotesque n’est pas une œuvre universelle et encore moins le moule musicale de tout un chacun. La musique n’est pas universelle : elle est temporelle puisque limitée aux moyens matériels de l’époque, culturelle car reflet de l’évolution artistique actuelle et sociétale puisque particulièrement liée à l’éducation et à l’entourage de tout un chacun. Tout individu ayant la prétention de considérer sa propre vision de l’art comme modèle absolu de Beauté ne peut-être qu’un misérable autiste incapable d’autocritique et de relativiser ses convictions. La psycho-acoustique nous prouve bien l’impossibilité de généraliser ne serait-ce que l’appréciation des décibels dans chaque zone de fréquence pour tous les individus. Personne n’entend jamais la même chose, c’est physiologique. Et pour les non-convaincus, je laisserais le soin à la grosse tête Devos de conclure : « il m’est arrivé de prêter l’oreille à un sourd. Il n’entendait pas mieux. ».
Grotesque n’est donc que l’unique reflet de ma propre subjectivité, diverse et avariée, mais sans accointance avec une quelconque notion d’universalité. En tant qu’occidental et plus particulièrement en tant que métalleux il t’est évidemment assez aisé de te plonger dans un tel album, mais cette affinité n’est certainement pas commune à tout le monde.
Le souci c’est que toute notre vision du monde est basée sur les notions manichéennes et binaires bien/mal, moche/beau, bon/mauvais, gauche/droite et que tout le système musical tourne autour. Il nous est donc peu évident de faire preuve de modestie à l’égard d’un morceau qui nous laisse indifférent, d’autant plus lorsqu’il est rattaché à une tranche de la population qui nous répugne. Tu es un des seuls chroniqueurs à avoir capté tout l’intérêt de se détacher du mécanisme attribuant le statut d’autorité objective à la subjectivité versatile du chroniqueur-roi. Et je t’en félicite.
Ainsi pour en revenir à ta question, Grotesque est complexe parce que l’homme, la nature, le monde et la vie sont complexes. PN ne développe pas une vision universelle mais nominaliste du monde et tend à montrer que les mots, les concepts, les images ou toute interprétation qui nous permet de nous représenter la réalité ne restent que des outils et ne sauraient se substituer à la matérialité. Un triangle, une droite, « 1+1=2 », tout ça n’est vrai que dans notre esprit car l’unité et l’infini ne possèdent aucune existence réelle. Similairement on ne peut réduire les émotions d’un bipède à l’aide de mots simplistes tels que triste, calme, joyeux, méchant, rigolo… La nature humaine est tout de même un peu plus complexe que cela et PN tâche simplement d’être l’expression de cette évidence.

Illusion ou (ir)réalité ? Hallucinations ou (in)certitudes ? Les repères spatio-temporels s'étiolent … Les éléments ambivalents s'amalgament, s'interpénètrent jusqu'à ne faire plus qu'un tout … Mais là où l'universel processus entropique s'inverse, il se poursuit et s'accentue par ailleurs. Là où les uns fusionnent, l'autre fissionne et l'individu se démultiplie en une kyrielle d'entités. Désormais, nul ne sait plus s'il n'est qu'un ni s'il est plusieurs uns en un tout …

10) Les créateurs se disent souvent accompagnés d’une muse, sorte de chimère représentent leur inspiration. Quelle allure et faciès présente ton Euterpe, et que te chuchote-t-elle au cours de tes longues nuits d’insomnie pendant lesquelles naissent tes pensées nocturnes ?

Si seulement il n’y en avait qu’une… Je crois que les plus influentes appartiennent principalement à la race des pétasses à deux sous (souillés) et à tête de cul malpropre, éternellement plongées dans leur marre de superficialité vestimentaire et existentielle, singulièrement obnubilée par le climat francilien dans l’espoir que le taux de rayonnement solaire marié à leur bain de gadoue épidermique hebdomadaire respecte leur coloris de peau polluée des vapeurs suffocantes parisiennes depuis le plus jeune âge. J’apprécie aussi avec une vive considération la marche matinale des pingouins costumés : ce rassemblement de pions fiers et dociles qui se réchauffent solidairement la couenne par frottement et compression réciproques, bercés des grincements stridents du RER, ce concours quotidien du plus bel apparat vestimentaire qui, à défaut de médaille honorifique, tient lieu et place de pancarte sociale : faut croire que les chaussures savent mieux parler aux hommes que les musiques. Autant s’arrêter là et conclure en avouant que les hommes m’amusent : plus je les observe et plus je les aime. Fiers et majestueux, à courir après le regard des autres, les honneurs, le souci de la bonne petite famille et la délicate grattouille derrière l’oreille, sans jamais une seule seconde prendre de temps pour eux, pour s’écouter, se comprendre et s’aimer. La faute à qui ? A ce capitalisme conquérant qui tous les jours nous écrase de plus en plus en imposant cette dictature de l’image et en posant au sommet de la hiérarchie des personnalités à admirer les blondasses décérébrées et les pieds-bénis. La démocratie du mégaphone qui ne donne la parole qu’aux gens qui n’ont rien à dire, la cage de verre en guise d’intimité grâce aux Facebook et co, le spécial « 10 méthodes pour perdre vos bourrelets de petites gourmandes avant l’été » annuel qui vend plus que le dernier Coffe, pourtant au prix Leader Price, quelle marche la masse a-t-elle franchi pour oublier qu’une bonne bière et un bon sauciflard devant un bon nanar ça vaut tout l’or du monde ?
Messieurs-dames, dans l’attente de votre improbable ablation des œillères, je vous aime et vous salue de bien haut !
A bon entendeur salaud comme dirait Michel Gérard Joseph.

11) "Grotesque" fut pour toi l'occasion d'inviter bon nombre de compositeurs des plus prestigieux. Rien que sur "Thokk", nous retrouvons Edvard Grieg dirigeant la mélancolique mort d'Åse et Giuseppe Verdi conduisant le puissant Dies Irea de son Requiem. Par quel moyen les as-tu convaincus de te rejoindre ? Comment fut dicté le choix des passages à exécuter et quelle fut la latitude que tu as laissée à ces deux illustres personnages dans leur interprétation ?

J’ai effectivement dû me plier aux abondantes prières de compositeurs souhaitant chaudement participer à cette magnifique aventure qu’est PN et consentir à la participation de quelques virtuoses du doigté. Tu as cité les plus intéressés, les plus prompts à l’exercice de promotion que furent Edvard et Guigui mais d’autres, tels Berlioz, Mahler, Brahms ou Tchaïkovsky pour ne pas les citer, ont tenu par pudeur et modestie à rester discrets et ont donc collaboré à l’ombre de mes éblouissantes élucubrations. Il n’est sincèrement pas évident d’incorporer de telles partitions dans ses propres ouvrages, partagé que l’on est entre l’intention de ne pas les reprendre à l’identique pour éviter tout plagiat et la nécessité de modestement respecter les œuvres originales sous peine de tomber sous le joug de la prétention. Ainsi donc le fait que certaines références soient plus évidentes que d’autres à cerner, le tout incarnant finalement une sorte de quizz musical tendance hebdomadaire féminin au sein de Grotesque. L’album devait d’ailleurs initialement s’intituler « Exclusif : 54 minutes pour tester le mélomane qui se cache en vous ! ». Mais ça n’a pas plu à Gérald.

12) Venons-en, pour ce douzième coup de minuit, au fameux coucou qui, malgré une apparition des plus fugitives, a irrémédiablement marqué les esprits … à un point où il s'élèverait presque au rang de mascotte de Pensées Nocturnes ! … Et que tu risques de devoir encore traîner au bout de ta laisse un bon moment … Ce bougre de coucou sort comme un diable de sa boîte au cours de "Hel". Hel est la fille de Loki, lui-même 13ème Dieu de la mythologie nordique … une manière habile d'utiliser un élément frivole pour se moquer de la triskaidékaphobie et plus généralement des superstitions et légendes ? Et l'image de Thokk, qui n'est nul autre que Loki revêtant son déguisement …un parallèle avec les multiples déguisements dont tu affubles le sens de ton œuvre ? Une extrapolation du comportement humain qui, à la façon d'un oignon, revêt multiples pelures afin de déguiser sa vraie nature intérieure ?

On en arrive à la fin de l’entrevue et ton cerveau surchauffe tant que tu ne sembles pas voir la poutre qui te crève l’abcès. Hel est tout simplement la déesse de la mort, cette dernière étant singulièrement démystifiée ici par le souvenir du temps qui passe avec la cursive incursion du joyeux coucou ; histoire de rappeler aux consciences qu’il semble curieux de faire tout un foin d’aiguille de poutre d’un évènement somme toute plutôt bref et banal.
Après la mort, le deuil. Baldr, tué par Loki, se voit offrir la possibilité de quitter le monde des morts à la condition que tout être sur terre pleure sa perte. Seule une géante parmi tous les individus refuse de se plier au jeu et je te le prends pour mille : il s’agit de Thokk. Ainsi le fait que ce septième et avant dernier acte de Grotesque se termine sur la banalité « Les tombes sont bien plus fleuries que les lits de mort », incarnation de l’individualisme hypocrite de l’homme moderne. Pour reprendre la pensée d’Onfray, nous qualifions aujourd’hui de barbares les peuples anthropophages accompagnant par cette pratique même le défunt dans l’au-delà et nommons civilisé le fait de laisser partir seul et dans un lit d’hôpital austère nos ancêtres en fin de vie, préoccupés que nous sommes par nos petits tracas de la vie quotidienne. C’est pas toi qui parlais d’universelle ?

Le 12ème coup de minuit sonne et tout reprend brusquement sa forme originelle : l'élégant carrosse redevient citrouille, les fiers chevaux redeviennent souris, le cocher redevient chien, les valets de pieds redeviennent petites grenouilles et public comme acteurs reviennent à la réalité … ou du moins à ce qu'ils croient être tel … Le spectacle s'achève et l'heure est désormais à la révérence …

13) Merci à vous spectateurs, pour votre attention, et merci à toi, Vaerohn, pour cette représentation donnée en exclusivité pour les Trublions. M'éclipsant discrètement tel Cendrillon regagnant ses pénates, je te laisse seul en scène pour tirer ta révérence (en souhaitant qu'elle soit bonne, la coquine) comme bon te semble …
Treize coups pour tirer ma révérence ? Tu ne me gattes pas trop… pour le coup. En même temps le peu d’audimat qui nous a survécu baille à s’en choir les crochets et mieux vaut ne pas trop s’éterniser. Merci à toi pour les perches tendues, les jeux de mots tirés par les chevaux et les images grivoises. A la prochaine pour de nouvelles aventures ! Dans l’espoir que les calembours pourris et les lourdeurs syntaxiques ne vous aient pas déjà découragés d’aller voir plus loin si elles y sont.

Rideau, tandis que le coucou se joint à Nounours pour vous souhaiter bonne nuit les petits …

Que le sable soit grossier. Ainsi suinte l’île.

Interview réalisée par Vinterdrøm

http://www.myspace.com/penseesnocturnes

http://www.myspace.com/ladloproductions

FUNERAL DOOM : LES 13 ORAISONS FUNEBRES

2010-09-21T21:59:00.001+02:00

La Finlande, terre des mille lacs et de la forêt boréale, un havre où la nature règne encore en maître. Un territoire soumis à un climat rigoureux, abritant un peuple s'illustrant par sa modestie et son humilité. Une nation discrète, se tenant volontairement loin des feux des projecteurs et donc relativement méconnue en dépit des nombreux succès qu'elle a acquis à l'échelle internationale dans de nombreux domaines.
Tout d'abord, comment ne pas rappeler que la Finlande est le pays officiel du Père Noël, cette illustre figure populaire enflammant l'imagination de millions de chérubins de par le monde.
Mais la Finlande, ce n'est pas simplement de l'imaginaire, du rêve et des traditions, c'est aussi un pays doté d'un des systèmes éducatifs les plus performants au monde et qui compte à son actif un bon nombre de réussites dans divers secteurs technologiques modernes tels que la télécommunication (Nokia), les systèmes de transport guidés (Kone) ou le design (Marimekko). Un pays qui a également connu pléthore de succès dans le domaine du sport automobile (des noms aussi ronflants que Räikkonen, Hakkinen, Rosberg, Vatanen, Grönholm, Kankkunen ou Mäkinen ne vous sont certainement pas inconnus) et du lancer de javelot (Siitonen, Sinersaari, Parviainen, Lillak, ou encore Pitkämäki connu pour avoir - bien involontairement - embroché Salim Sdiri au Golden Gala de Rome en 2007), et se distingue en terme de culture artistique et notamment musicale.
Le compositeur classique Jean Sibelius est notamment l'auteur de "Finlandia" qui apparaît sur le générique de "Die Hard 2" ("58 Minutes Pour Vivre"), et l'école supérieure de musique portant son nom (Académie Sibelius), l'unique en Finlande, est l'une des plus prestigieuses en Europe. La Finlande c'est aussi l'autre pays du rock et du metal, en témoignent les succès planétaires du metal symphonique de Nightwish et du "Hard Rock Hallelujah" de Lordi, lauréat surprise de l'Eurovision 2006 au grand dam de nos Michel Drucker et Claudy Siar nationaux (dont on n'oubliera jamais les commentaires désobligeants). Sans compter les nombreuses formations œuvrant dans des styles divers et variés, ayant réussi à se faire un nom sur cette scène surchargée : Apocalyptica (dont les musiciens sortent de l'Académie Sibelius), HIM, Stratovarius, Sonata Arctica, The 69 Eyes, The Rasmus, Children Of Bodom, Gloomy Grim, Horna, Impaled Nazarene, Beherit, Archgoat …
Un rayonnement international indéniable, et remarquable compte tenu de la petite taille du pays en question, mais qui demeure bien peu mis en valeur, les finlandais n'étant pas le genre à se gargariser de leurs triomphes. Mais la modernité de la Finlande et ses talents artistiques mondialement reconnus ne cachent qu'à grand peine les maux dont souffre son peuple, la part de ténèbres qui le ronge.
En effet, la réputation de la Finlande dans le domaine du suicide n'est plus à faire, tenant régulièrement le haut du pavé dans les statistiques mondiales, quand elle ne décroche pas la palme, et cela même après le tournant de 1990 qui a constitué la fin de la douloureuse période d'urbanisation et d'essor économique, et le lancement de nombreuses campagnes d'information et de prévention auprès des jeunes qui en sont les principales victimes. Contrairement à l'idée reçue chère à nos contrées où la population ne jure que par un soleil éblouissant et des températures supérieures à 30°C, les critères du froid, de la nuit et de l'isolement n'y sont pour rien (ou alors pour très peu). Pour preuve : les voisins scandinaves et russes "souffrant" autant de ces conditions difficiles ne présentent pas des statistiques aussi affolantes. Les causes sont plutôt à chercher du côté d'un malaise social profond, avec en première ligne le chômage, resté longtemps très élevé (surtout chez les jeunes, mais fort heureusement en franche et régulière baisse depuis le début des années 2000), et aussi et surtout l'alcool, LE mal du peuple finlandais. Une véritable culture de l'ivresse, une quête sans borne qui, bien plus qu'un remède à une prétendue mélancolie, est véritablement inscrite dans le patrimoine national. Omniprésent dans la vie, les discussions, le quotidien des finlandais, l'alcool fait des ravages et les statistiques, implacables, ne trompent pas : une grande majorité des suicidés sont passés à l'acte dans un état d'ébriété ahurissant. Un fléau dont les finlandais eux-mêmes ont tendance à minimiser l'impact et l'ampleur, confortés en cela par certaines de leurs personnalités les plus célèbres : Sibelius lui-même était un indécrottable alcoolique, et les musiciens metalleux finlandais, dont vous lisez les interviews dans vos mags et webzines préférés, se reconnaissent eux-mêmes comme buveurs chroniques et invétérés capables de battre n'importe qui à ce jeu-là. D'ailleurs, à un degré moindre mais cependant révélateur, qui mieux que Kimi Räikkonen est capable d'ingurgiter une large rasade de champagne sur le podium après une longue course de F1 éreintante ? En bref, l'alcool EST l'identité finlandaise, et ils en sont fiers. D'ailleurs, c'est bien là l'une des rares performances maison dont ils aiment se vanter.
La Finlande, un pays en proie à un très extrême contraste ombre / lumière, tiraillé entre splendeur et décadence, et il n'est donc pas surprenant qu'un style tel que le Funeral Doom y ait vu le jour. Un style basé sur un subtil mélange entre Doom / Death archi-lent et dépouillé, et musique ambiante éthérée, dont la dualité n'est autre que le reflet de la société finlandaise, son berceau. Un style autant capable de creuser sa tombe six pieds sous terre que de s'élever vers des hauteurs stratosphériques, représentant aussi bien l'anéantissement que la magnificence, et que nous aurons tout le temps de vous décrire au travers de cette sélection constituant le premier chapitre de notre traité sur le Doom, en vous en présentant les pierres angulaires, ses pères fondateurs que sont les finlandais de Thergothon et Skepticism apparus au tout début des années 90, ainsi que quelques représentants incontournables de cette scène qui s'est depuis internationalisée, montrant que cette ambivalence n'est pas la propriété exclusive des finlandais, même s'ils en demeurent, sinon les champions, du moins un sérieux client.

THERGOTHON - Stream from the Heavens (1994)

1994 : une année marquée à jamais par la sortie de "Stream from the Heavens", souvent qualifié "d'album le plus dépressif de tous les temps" et qui représenta l'éclosion d'une nouvelle ramification du Doom : le Funeral. Œuvre d'un trio finlandais sévissant sous le nom de Thergothon, qui ne s'attendait certainement pas à acquérir un jour un quelconque statut culte (tout au plus avaient-ils l'ambition de se démarquer du Doom / Death tel que pratiqué à l'époque par Winter notamment, c'est-à-dire très monolithique, dense et écrasant) et à nourrir l'inspiration de tant de groupes (leurs compatriotes de Skepticism et Shape Of Despair en premier lieu), "Stream from the Heavens" entraîne le Doom vers des contrées jusqu'alors inexplorées.
Thergothon creuse inlassablement sa tombe au rythme des impulsions prodiguées par les riffs torturés et les battements d'une lenteur accablante, proprement inhumaine, mais se pare simultanément d'une approche très atmosphérique : les guitares présentent une consistance moins lourde, plus rachitique, des leads mélodiques s'insinuent, la basse est absente, le mixage dépouillé, aéré, et les nappes de synthés éthérées, parfois accompagnées d'arpèges cristallins, s'élèvent telle l'âme d'un défunt vers la voûte céleste. Une dualité qui se retrouve également au niveau du chant, les grognements Death, terrifiants de par leurs relents glaireux et terreux, étant contrebalancés par des mélopées de chant clair solennelles. L'appellation "Funeral" qui viendra plus tard n'est donc point usurpée.
Thergothon n'aura fait qu'un bref passage en notre monde, trois petites années d'existence, un petit tour et puis s'en va … laissant au passage un album, un seul album, mais quel album : une référence, plutôt mal accueillie à son époque, car certainement trop extrême et trop originale, mais dont l'impact sur la scène Doom finira par être reconnu quelques années après.
Un impact qui avait été annoncé par la démo "Fhtagn-Nagh Yog-Sothoth" ayant déjà fait trembler l'underground au tout début des années 90 en présentant un embryon encore très primitif de ce qu'allait être "Stream from the Heavens" : une pierre angulaire qui eut bien du mal à voir le jour (quasiment deux années se sont écoulées entre son enregistrement et sa publication), pour cause de soucis de label et de split du groupe.
Aujourd'hui, Thergothon n'est plus, mais son esprit continue à vivre au travers de cette œuvre éternelle. Ne dit-on pas que les légendes ne meurent jamais ?

SKEPTICISM - Stormcrowfleet (1995)

Le "Stormcrowfleet" de Skepticism est un des actes fondateurs du Funeral Doom au même titre que le "Stream from the Heavens" de Thergothon. Pourtant il fait figure d'outsider dans la discographie des finlandais.
Ce premier album est une mixture savante entre lourdeur poisse et paysages éthérés. Doté d’une pochette énigmatique, la musique de Skepticism l’est tout autant. Alors que les plaintes de Thergothon semblent émaner d’un corps décharné en phase de putréfaction avancée, celles de Skepticism sont celles de l’âme de ce même corps qui errerait dans les neufs cercles de l'Enfer de Dante. Si les parties atmosphériques semblent avoir pris plus d'emprise sur les réalisations récentes de Skepticism, "Stormcrowfleet" reste l’exception qui confirme la règle. Guitares ténues et reléguées au second plan, dès les premières notes de "Sing of a Storm", Skepticism affiche sa différence. On pourrait croire que l'absence d'une basse au profit de claviers religio-mystiques quasi omniprésents pourrait constituer un handicap incroyable pour dégager la puissance et la lourdeur, le Doom, nécessaires à un disque de ce genre et pourtant il n’en est rien. Évidemment, le growl de Matti n’est pas étranger à ce résultat mais plus que des qualités individuelles à inspecter et analyser sous toutes les coutures, il faut prendre la musique de "Stormcrowfleet" comme un ensemble cohérent. Une telle osmose entre les musiciens, une telle volonté d’exprimer son désarroi par la musique ne pouvaient qu'aboutir à la pureté quasi mystique de ce premier opus.
Nombreux sont ceux qui regrettent la tournure que prirent les finlandais pour leurs futures prestations et parmi ceux-ci certains vont même jusqu’à considérer que Skepticism n’est le groupe que d’un seul album. Je ne serai pas aussi catégorique, mais force est de constater l’impact de cet album, à l’instar de leurs compères de Thergothon, sur l’ensemble de la scène Funeral Doom qui, après avoir posé ses deux fondements majeurs, ouvrait la voie royale pour la maturation du genre. Comme un "Altar of Madness" ou un "Kill ‘Em All" en leurs temps, Stormcrowfleet est la deuxième entité de cet aigle à deux têtes qui encore aujourd’hui survole allégrement et couve de son regard toute sa progéniture qui la respecte et la loue pour les siècles et des siècles.

ESOTERIC - The Pernicious Enigma (1997)

Esoteric. The Pernicious Enigma. Ces quelques mots devraient normalement être suffisants pour vous décrire la musique du groupe britannique. Avec quelques rudiments d’anglais, ils vous permettent de saisir ce qu’est l’essence même de ce que vous retrouverez au fil de ce double album. Ajoutez à cela, la pochette aussi démonstratrice qu’énigmatique et le tour devrait être joué. Ces quatre mots et cette image, même s’ils résument à la perfection le contenu de ce disque, vous me direz : c’est du foutage de gueule après tous les pavés qu’on vous fait ingurgiter. Votre dévoué serviteur va donc tenter d'en retirer la substantifique moelle en évitant tout risque de contamination inutile et superflue.
Formation anglaise qui voit le jour en 1992, Esoteric s’est fait un nom dans le monde discret du Funeral Doom. Seulement, leur son si personnel et leur approche de la musique encore plus personnelle les mets quelque peu à part dans cet univers où les cadors que sont Skepticism ou Shape Of Despair règnent en maitre. "The Pernicious Enigma" est le second méfait full-length des anglais et certainement, quoique certains fans diront le contraire, leur album le plus abouti et le plus ambitieux. La pièce de maitre dans une discographie qui compte désormais quatre sorties majeures. Si Esoteric est si compliqué à classer c’est surtout que les britanniques ne se limitent pas aux seules strictes sphères du genre. Ils n’hésitent pas à franchir certaines frontières, qu’elles soient de genre justement ou qu’elles soient musicales.
Par ambitieux, on peut également dire "ardu". Car il est en effet ardu de s'imprégner de leur musique. C'est un amateur averti de Funeral qui vous le dit. Tout d'abord, la durée de l’album qui pointe à deux heures pourra en rebuter certains. On le sait, le Funeral aime les morceaux fleuves et alambiqués mais Esoteric pousse le bouchon encore plus loin que ses collègues. Et puis cette voix ! Force est de constater que ce chant qui alterne entre un growl peu conventionnel et le chant hurlé et caverneux est un des obstacles majeurs à l’illumination. Illumination ? Le mot est certainement antinomique tant justement cette illumination correspond à une descente abyssale où progressivement toute lumière est vouée à disparaitre. Si vous passez le cap de cette voix atypique renforcée par moult effets de reverb' ou d’écho, le maitre des lieux vous laissera entrevoir toute la richesse de son mal-être. Certes, quelques titres dont "At War with the Race" viennent vous remuer avec plus de vigueur vos tripes engourdies en pratiquant un Death Metal plus rapide mais toujours aussi sombre mais ce ne sont qu'interludes dans un monde de désespoir et de lourdeurs. Sur cet album, Esoteric s’entoure de pas moins de trois guitaristes et ce "surnombre" permet de créer des nappes et des atmosphères uniques, parfois même qualifiées de psychédéliques. Six musiciens qui maitrisent leur art à la perfection et qui assemblent note après note la trame d’un néant sous narcotiques ; nombreux étant ceux qui affirment qu’Esoteric est certainement le groupe le plus dépressif qui soit dans la sphère Funeral. Et probablement à juste titre.
L’écoute de cet album est tout autant délicieuse que pénible. Autant dire qu’il faut avoir des nerfs à toute épreuve car c’est typiquement un album anxiogène qui ne peut être survolé. L’immersion se fait dans la douleur et la joie comme si Pinhead et ses Cénobites étaient les membres véritables du groupe. Le plaisir et/ou la peine procurés qu’on en retire sont proportionnellement mesurables aux deux heures intenses qui vont s’écouler. Vous serez avertis.

SHAPE OF DESPAIR - Shades of ... (2000)

Composé de musiciens issus de diverses formations finlandaises plus ou moins reconnues (Rapture, Thy Serpent, Finntroll ou encore Amorphis, entre autres), le sextet Shape Of Despair marque, avec son premier album "Shades Of…" sorti chez Spikefarm Records, le début de l'essor du Funeral Doom, ainsi que son ouverture vers des sphères plus mélodiques. Un genre qui fut jusque-là la propriété d'une toute petite poignée de groupes tels que Thergothon (R.I.P.), Skepticism, Mournful Congregation, Esoteric, et dont le label Firebox (finlandais aussi, comme c'est bizarre …) fera peu après son fond de commerce avec les My Shameful, Pantheïst, Until Death Overtakes Me (UDOM), Tyranny et compagnie …
Enregistré en plein cœur de l'hiver 1999 / 2000, "Shades Of …" est de loin l'album le plus typiquement Funeral Doom de Shape Of Despair, le plus proche des racines du style tout en l'amenant vers des contrées toujours plus atmosphériques, sans atteindre la teneur d'un UDOM mais on sent clairement que Jarno Salomaa, le leader de la formation, est un grand adepte des travaux ambiants de Brian Eno et des productions Cold Meat Industry (Raison d'Etre et Desiderii Marginis en première ligne). Ce premier album, constitué aux 4/5 de morceaux issus de la démo "Alone in the Mist" (composée alors que le groupe s'appelait encore Raven) réenregistrés pour l'occasion, place les nappes de synthés planantes, les leads mélodiques et les guitares claires très en avant, créant ainsi une atmosphère paisible, empreinte d'une profonde beauté, renforcée par l'usage d'une flûte traversière entonnant de douces mélodies, donnant l'impression de flotter sans attache dans de mystérieuses et incommensurables limbes, au rythme hypnotique et quasi-immuable imposé par la batterie. Les guitares électriques, répétant les mêmes notes à l'infini, sans véritable riff, sont plus lancinantes qu'écrasantes. Reléguées en toile de fond, elles montrent bien que l'heure est désormais à l'apaisement et à la plénitude. "Shades Of…" peut donc être interprété comme une vision du Purgatoire duquel l'âme ressort purifiée de ses maux, la douleur et les tourments ne représentant plus qu'un lointain souvenir. Impression renforcée par la dualité des voix, le growl abyssal de Tony Mäensivu évoquant les grondements de l'Enfer, tandis que les vocalises de Nathalie Safrosskin (depuis devenue Madame Koskinen), si irréelles qu'on les croirait presque sorties d'un synthé, symbolisant l'appel des anges du Paradis.
Deux nouveaux albums ("Angles of Distress" - 2001, "Illusion's Play" - 2004) et un maxi éponyme (2005) ont marqué la progressive sortie de l'anonymat des membres de Shape Of Despair ainsi que l'évolution du groupe vers une musique plus accessible, se détachant de ses racines Funeral pour proposer un Doom / Death plus classique et accessible, remplaçant la flûte par un violon plus habituel et Toni Mäensivu par Pasi Koskinen (dont le growl, tout en étant de bonne facture, demeure moins brut et primitif que celui de son prédécesseur), tout en conservant son aspect contemplatif au travers de nombreuses parties purement ambiantes. La longue pénurie de nouvelles concrètes qui s'en est ensuivie, jusqu'à la toute récente sortie de l'EP "Written in my Scars", a fait que l'on se demandait bien si Shape Of Despair n'avait pas fini par s'évanouir dans cette frontière entre l'ici-bas et l'au-delà. En tous cas, si le Purgatoire ressemble à "Shades Of …", moi je signe tout de suite … et vous ?

EVOKEN - Quietus (2001)

Parmi la nouvelle génération de doomsters américains qui pointent leur mal de vivre au milieu des années 90, on note une franche tendance à emboîter le pas très sombre du grand frère Winter plutôt que celui du traditionnel St Vitus. La course à la lenteur, si on peut l'exprimer ainsi, voit naître quelques talents notoires: on pense à Novembers Doom, Morgion ... et Evoken. Ce dernier, après avoir lâché lourdement un premier bloc granitique à l'invite aguicheuse ("Embrace the Emptiness"), présente en 2001 ce que l'on peut considérer comme son chef d'œuvre : "Quietus".
L'opus n'est pas à proprement parler révolutionnaire, il n'est ni le plus lent, ni le plus lourd, ni le plus ultime dans tous les sens que peut prendre ce terme quand on parle de Doom. Son approche se situe aux confins du Funeral Doom et du Doom / Death, dans ce no man's land un peu confus aux bornes incertaines. D'ailleurs là encore on n'est pas tout à fait dans le vrai. Sa lourdeur monolithique, bien réelle par le riffing plombé, la frappe langoureuse et le growl d'outre-tombe, parvient à se mouvoir avec grâce et légèreté, et ce sans recourir à des substances illicites. Incohérent tout cela ? Pas quand on manie cette musique avec autant de talent: les claviers d'une finesse exquise viennent dessiner de jolies arabesques dans cette pierre froide, l'émotion de deux notes de piano ou d'un effluve de violon un souffle de beauté éthérée. On peut donc affubler Evoken d'une troisième étiquette, atmosphérique celle-ci, ce qui n'est pas forcément l'apanage du Funeral Doom comme on l'entend traditionnellement. C'est précisément là où réside le coup de force. Faire pénétrer cette petite lueur émotionnelle dans le paysage extrême du Doom funéraire qui se veut normalement sans espoir. En jouant sur ce très subtil et léger clair dans un océan d'obscur, "Quietus" envoûte, séduit, et aspire tout à fait son auditoire...outre-tombe, sans que celui-ci n'ait pu résister à ce chant de sirènes bien sinistres. Même si les quelques soixante minutes du disque s'avèrent très homogènes et sans temps faibles, on peut souligner quelques moments particulièrement magiques: l'ensorceleuse "In Pestilence, Burning", son piano superbe et son break final à couper le souffle, ou encore la grosse demi-heure qui voit s'enchaîner les superbes "Where Ghosts Fall Silent" / "Quietus" / "Embrace the Emptiness", triptyque poignant mêlant désespoir, mélancolie et esthétisme.
Pas de révolution dans "Quietus" donc, mais un univers hors du temps et de l'espace, immersif en diable et addictif au possible, qui peut à la fois être considéré comme un incontournable et une porte d'entrée de choix dans l'univers du Funeral Doom.

PANTHEÏST - O Solitude (2003)

Dieu est tout, et tout est Dieu … tel est le principe de base de la doctrine du panthéisme marquant de son empreinte liturgique le projet musical que Kostas Panagiotou fonda quelques temps après avoir quitté sa Grèce natale pour rejoindre sa Belgique d’adoption temporaire. Un principe qui, explicité tel quel, brut de décoffrage, peut sembler a priori déconcertant dans notre sphère metallique rompue aux assauts blasphématoires et aux offensives antireligieuses. Et pourtant, si l’on considère plus particulièrement le Doom, territoire de prédication du sieur Kostas, n’est-ce pas là un genre intimement lié au sacré de par ses thématiques souvent à forte connotation religieuse, Candlemass et Tristitia n’étant que deux exemples parmi tant d’autres ? … Bien sûr, il ne faut pas s'attendre, chez les formations précitées tout comme chez Pantheïst, à voir éclater un florilège d'illuminations béates et plus crétines … pardon, chrétiennes les unes que les autres. Ne nous y trompons pas, on parle bien de Doom ici ! Qu'on se le dise, nom di diou ! Le ton est donc à la mise en exergue de la douleur, notion inhérente à toute religion par ailleurs.
Dans le cas de Pantheïst, celle-ci s'exprime en un sublime ouvrage du nom de "O Solitude", tramé en filigranes de la vergeure du Dieu Skepticism, partageant sa propension à l'usage d'un orgue solennel tout en offrant une relecture personnelle. Pantheïst évoque davantage la veille chapelle monacale que l'effroyable enfer du monstre finlandais. L'heure est au repli sur soi, à la réflexion, aux doutes, à la remise en cause. Point trop de monolithisme dans l'instrumentation où les sentiments humains déferlent tandis que les compositions s'arborisent en une architecture fine, en grande partie délestée de l'austérité propre à sa divinité inspiratrice. "O Solitude" est un long chemin de croix déroulé sur un tempo de martyre, heurté d'instants de révolte où Nicolas Tambuyzer fait trembler la terre de ses charges heavy pachydermiques (se fendant même d'un solo endiablé sur le dernier mouvement de "Time"), avivé de décharges de colère lorsque Oscar Strik réserve quelques pertinents haussements de rythme allant jusqu'au blast (le final du morceau-titre et de "Time"). "O Solitude" est un long calvaire parsemé de breaks acoustiques intimistes et d'éblouissants passages de Darkwave Néoclassique (piano, violoncelle) propices au recueillement, stigmates persistants de l'ère prè-"1000 Years", de l'aube de Pantheïst où Kostas exerçait en solo. Abattement et espérance se succèdent, la souffrance se dispute à l'ataraxie, mais l'aura funeste demeure tenace, omniprésente… La marque de Pantheïst qui se verra magnifiée sur le grandiose "Amartia" (2005), concept-album basé sur les 7 péchés capitaux. La douleur est éternelle, mais le relief imprimé à la morosité ambiante, tout comme la diversité des vocaux (growl retentissant, mélopées de chant clair, soupirs, spoken words), rend néanmoins les travaux de Pantheïst relativement plus accessibles que bon nombre de ceux réalisés par ses congénères du Funeral Doom.
Des mastodontes qui se trouvèrent pour la plupart en sommeil durant les premières années du nouveau millénaire ayant vu la maison Firebox s'échiner à extirper ce genre musical de l'underground dans lequel il était profondément enterré. L'exhumation combinée de Pantheïst et Until Death Overtakes Me en 2003 (qui s'unissent d'ailleurs sur un étonnant "Envy Us" reprenant des thèmes de Chopin et Beethoven) firent à ce moment précis de la Belgique l'autre pays du Funeral Doom.

UNTIL DEATH OVERTAKES ME - Prelude to Monolith (2003)

Il est de ces artistes qui ne peuvent trouver la plénitude qu'en travaillant seuls dans leur coin, créant et menant de multiples projets parallèles afin de déverser leur trop plein de créativité. Le belge Stijn Van Cauter en fait partie : presque une vingtaine de projets menés de front, dont une bonne moitié centrés autour de sa seule et unique personne, avec des penchants musicaux restant essentiellement axés sur le Doom et la musique Ambiante, tout en présentant diverses sensibilités pouvant parfois tirer vers l'Indus, le Black ou le Noise. Until Death Overtakes Me (qu'on abréviera UDOM pour des raisons évidentes de commodité) est son projet central, celui par lequel tout a commencé et dont moult expérimentations ont donné lieu à moult séquelles. C'est également son projet le plus connu, grâce notamment à sa signature chez Firebox (la machine à produire du Funeral Doom) à l'occasion de la sortie de "Prelude to Monolith" en 2003. Du Funeral Doom, UDOM en a conservé sa propension atmosphérique et sa dualité noirceur / beauté, mais pour autant le terme demeure assez réducteur pour décrire véritablement l'essence de la musique du one-man band. Après deux albums ("Symphony I - Deep Dark Red" et "Symphony II - Absence of Life") sortis en 2001 sur le propre label de S. Van Cauter (NULLL Records) et caractérisés par un style lorgnant fortement vers un Ambiant mélancolique et éthéré où les synthés règnent en maître, habité par des influences néo-classiques parfois proches de la Gothic / Darkwave façon Arcana, le tout évoluant dans un calme funéraire rythmé par le battement des timbales (pas de "true" batterie ici) dont le son lourd et grave confère une dimension profondément rituelle à l'art de UDOM, le bonhomme s'est ensuite lancé dans un concept ambitieux décliné en trois actes : le Monolithe, fortement inspiré de l'œuvre de Stanley Kubrick "2001, l'Odyssée de l'Espace", et dont "Prelude to Monolith" représente la porte d'entrée vers le chemin qui mène à ce si étrange édifice.
Cet album, tout comme la première apparition du Monolithe dans l'œuvre cinématographique, symbolise l'évolution. L'évolution de UDOM vers un registre encore plus ambiant, toujours plus ambiant, compositions longues et minimalistes à l'appui, avec des guitares mises quasiment en sourdine et ne jouant désormais plus de riffs mais de simples notes étirées à l'infini. L'évolution vers un Ambiant / Drone où les harmonies nous transportent loin, très loin dans l'infinité des sphères cosmiques, emportés par des courants célestes, dérivant dans une autre dimension empreinte de majesté et de mystère, que les growls profonds et quasi-inintelligibles de S. Van Cauter parent d'une aura ténébreuse, renforcée par la magnifique reprise de la "Marche Funèbre" de Chopin, toute en orgue, piano et nappes éthérées, clôturant ce "Prelude to Monolith".
Une marche funèbre vers le chemin que symbolise "Interludium I - Funeral Path" (2004), le second acte, présentant l'intégralité de ladite reprise, ainsi qu'une version totalement ambiante de "Funeral Dance", un morceau qui apparaîtra réarrangé dans le troisième et dernier acte "Symphony III - Monolith" (2006) représentant la découverte de ce monument de solitude, de vide et de néant tel que décrit par les paroles, tandis que la musique s'y fait plus lumineuse, se pare d'une lueur qui semble être de l'espoir … Une dualité que l'on retrouve également dans la scène finale de "2001, l'Odyssée de l'Espace", celle de la dernière émergence du monolithe, qui revêt alors un symbole de mort et de renaissance. Si l'on s'amuse à effectuer un nouveau parallèle entre l'œuvre cinématographique de Kubrick et l'œuvre musicale de Van Cauter, "Symphony III" serait le signe de la renaissance de UDOM ? … La renaissance en une nouvelle expression musicale ? Un nouveau thème ? … Qui sait ? … La réponse est peut-être déjà apparue à ceux qui ont pu poser une oreille attentive au dernier-né "Days Without Hope" (2009). Quoi qu'il en soit, les deux œuvres en question ont en commun de regorger d'allégories complexes et de significations mystiques, laissant tout un champ d'interprétation et de réflexion à ceux qui y poseront les yeux et les oreilles, avec ce diable de monolithe qui pose au final beaucoup plus de questions qu'il ne fournit de réponses …

MOURNFUL CONGREGATION - The Monad of Creation (2005)

Je me méfie des listes comme de la peste. Elles sont souvent influencées par les dernières sorties et comme sur Internet c’est difficile de connaitre vraiment un "utilisateur", on ne sait jamais si on lit quelque chose qui témoigne d'un ressenti honnête, si le mec est un trend qui fait dans le "bon goût du moment" ou si au contraire il tombe dans la über-attitude. En voyant "The Monad of Creation" de Mournful Congregation depuis sa sortie caracoler en tête des tous meilleurs groupes de Funeral Doom aux côtés de groupes comme Worship qui n’ont rien à y faire, il n'en fallait pas plus pour éveiller ma très grande méfiance. Néanmoins, on ne doit jamais rien critiquer tant qu'on ne connait pas et c'est en partant de ce principe que je posais il y a trois ans une oreille peu attentive sur le deuxième album des Australiens sans trop finalement savoir à quoi m’attendre.
Inspiration Ô combien salvatrice ! Dans la fange des groupes dont la seule ambition est de sortir un disque sans la moindre émotion (pourvu qu’il sorte signé par un label ukrainien ou biélorusse, peu importe), le joyau qu’est "The Monad of Creation" aveugle par sa beauté presque ultime. Si on y pense bien, les diverses analogies qu’on fait le plus souvent sur le Funeral Doom évoquent des charniers en décomposition, des paysages lunaires et désolés, des âmes torturées qui cherchent un repos incertain… Pourtant, étymologiquement parlant, c’est supposé être une "musique d’enterrement". Les Aussies de Mournful Congregation ont bien compris cette subtile nuance et font de "The Monad of Creation" la bande annonce parfaite d’un enterrement et non de celle des affres de la mort. On suit sur quatre titres cette procession qui mène le cercueil de l’église au caveau, on entend certes les lamentations des proches mais aussi on se remémore les bons moments que l’on a passés avec le défunt. Tout n'est donc pas que tristesse et désespoir mais également beauté et sérénité. L'instrumentation magnifique toute en grâce, en profondeur, sans jamais tomber dans le Grand-Guignol mais toujours en restant sobre apporte une maturité dont peu de groupes du genre peuvent témoigner. Les guitares, très proches du son du early-Anathema, sont la plainte qui monte crescendo, accompagnées de la batterie qui ponctue la marche funèbre et ce growl qui tient autant de la tombe que de la lamentation. Après tout, un enterrement est un évènement qui se doit de rester digne si on a un tant soit peu de respect pour le défunt.
Du respect pour cet album, impossible d’en manquer. Qui plus est, pour un disque de Funeral Doom, il s’apprivoise relativement facilement et vous offre à chaque nouvelle écoute sa grande richesse en offrande. Ne faites donc pas comme moi en le snobant bêtement et ne perdez pas de temps à chercher la nouvelle tendance venue d'Azerbaïdjan ou d'Estonie quand une telle œuvre n'attend que d'être partagée.

TYRANNY - Tides of Awakening (2005)

Dans la famille des groupes de Funeral Doom lancés par l'écurie Firebox (qui a depuis transféré ce genre musical vers sa subdivision Firedoom), je demande Tyranny, soit le mystérieux duo Mäkelä / Lindqvist qui sévit également sous le nom de Wormphlegm dans un registre plus sale et cru. Tyranny, non content de confirmer la suprématie finlandaise en termes de Funeral Doom, marque un retour aux sources du style : sans se départir d'un aspect atmosphérique très prononcé, la charpente musicale revient vers une forme Doom / Death plus imposante, à grand renfort de riffs écrasants, à la texture épaisse et crasseuse, et de batterie pesante, égrenant ses coups de massue, réminiscences Winter / Disembowelment de l'ère "pré-Funeral".
Après l'enregistrement de "Bleak Vistae" (2004), une démo 3 titres (pour 45 minutes ! ) leur ayant ouvert les portes de Firebox (le label s'étant ensuite empressé de l'éditer sous format CD, présentant ainsi au monde ces titres donnant l'impression de dériver, immergé dans un cloaque nauséabond peuplé de cadavres fangeux), Tyranny s'est lancé avec son seul et unique full-length à ce jour "Tides of Awakening" (2005) dans un concept lovecraftien (comme Thergothon le fit pour sa première démo), qui plus est le plus célèbre : l'Appel de Cthulhu, l'album en question ayant été conçu comme une adaptation de la nouvelle de l'écrivain américain. Un pari très ambitieux, mais une réussite totale ! … Car qui mieux que Tyranny pouvait en offrir une transcription musicale aussi fidèle, évoquant toute la puissance destructrice de cette gigantesque créature, cette entité millénaire venue d'outre-espace, sommeillant en R'lyeh la morte, sa demeure, la cité cyclopéenne enfouie dans les abysses océaniques, attendant son réveil qui sonnera le glas de l'humanité. L'ossature guitare / batterie avance à un rythme lent mais implacable, ne laissant derrière elle que ruines, désolation et carcasses fumantes. Une ossature monumentale, titanesque, que les synthés, en nappes omniprésentes, parent d'une aura à la fois sinistre et surnaturelle, renforcée par la voix gutturale, profonde, inhumaine et dont les effets de réverb’ enveloppent des compositions ne laissant aucun instant de répit, depuis les premières résonance tribales des toms / cymbales de "Coalescent of the Inhumane Awareness" jusqu'au final "Entreaties to the Primaeval Chaos", tout en Dark Ambient apocalyptique et incantatoire mettant en scène les remous des profondeurs océaniques … le réveil de l'abomination … le réveil d'une force phénoménale, dépassant l'entendement de l'être humain. Aucun sursis avec ce mastodonte qu'est "Tides of Awakening", assénant sans relâche sa colère impitoyable, si ce n'est quelques arpèges clairs à la fin de "Upon the War-Torn Shape of Cold Earth", représentant un maigre espoir de survie, bien vite annihilé. Une œuvre hors du commun, empreinte d'une forte dimension rituelle, celle des adorateurs du mythe de Cthulhu, faisant vivre sa mémoire à travers les âges jusqu'au jour de son réveil, le jour où s'abattra sa puissance colossale. En attendant, la créature Tyranny a balancé un sacré pavé avec ce "Tides of Awakening". La créature s'en est depuis retournée en son antre, mais qui sait si elle ne se réveillera pas à nouveau, un beau jour …
Ph'nglui mglw'nafh Tyranny R'lyeh wgah'nagl fhtagn

AHAB - The Call of the Wretched Sea (2006)

Le Doom est un genre relativement obscur. Souvent le néophyte aura peine à citer le moindre groupe et souvent on a droit à "Black Sabbath, tu mets ça dans le Doom ?". Alors que d’autres genres extrêmes comme le Black Metal ou le Death Metal, pourtant peu faciles d’accès, génèrent des cohortes de fanboys, le Doom, impassible devant les modes, semble être épargné par la teen attitude.
Néanmoins, c’était sans compter sur Ahab. Le groupe allemand sortait à peine son premier album qu’il était déjà porté aux nues. Etonnant surtout si on considère que le Funeral Doom et a fortiori la musique de Ahab est dans le Doom ce qui se fait de plus extrême et de moins mainstream. Pourtant, si l'on considère quelques instants certains chiffres, le succès de Ahab est assez fulgurant. Prenez le grand mal cornu qu'est last.fm, Skepticism y a tout juste 19000 auditeurs, Thergothon même pas 10000 et Ahab caracole en tête du hit parade Funeral Doom avec 22000 auditeurs, et encore n’ont-ils que deux albums à leur actif. Alors ? Quelles sont les raisons de ce succès, de cette popularité alors que le groupe a à peine 5 ans d’existence ? Certainement pas à cause d’un label formidable, les modestes Napalm Records faisant figure de petit poucet dans le monde du Metal face aux écuries que sont Nuclear Blast Records ou encore Century Media. Je doute également que ce soit leur musique qui ait fait d’eux les Tokyo Hotel du Funeral Doom. On va en reparler, mais musicalement Ahab ne fait aucune concession à la trend attitude.
A mon sens, le parti pris délibéré de Ahab de vouloir casser les codes "lexicaux" du genre explique en partie l’intérêt que nombre de fans ont pu leur porter. Ici, il n’est plus question de misère, de sentiments funestes et autres doomitudes qui exploitent le désespoir humain, mais tout simplement de conter la grande aventure de Moby Dick. Dans le roman de Melville, Ahab est ce capitaine tyrannique dont la seule obsession est de tuer la célèbre baleine : Moby Dick. Alors ok, sur papier, ça peut prêter à rire ou tout du moins à sourire, mais lorsque le quatuor allemand retranscrit ça en musique, inutile de vous dire qu’on n'a plus du tout à l'esprit une quelconque pub pour Galak avec Yann, Marina et Oum le dauphin. Nappés de claviers qui, pour le coup, font assez Skepticism, les morceaux sont, par rapport à des mastodontes du Funeral comme Catacombs ou Hierophant, incroyablement complexes et musicalement, malgré leur extrême lenteur, très riches. Les guitares sont très épurées et presque chaleureuses par moment sur les leads et même si (encore !) le mix a délaissé la basse, la batterie est incroyablement complexe et fait taire les mauvaises langues qui s’imaginent que pour jouer du Funeral, un coup de cymbale toutes les trois minutes et un de caisse claire toutes les cinq suffisent amplement. C’est assurément aussi une des clés du succès d'Ahab qui clairement a choisi le Funeral par choix et non par défaut parce qu'ils n'auraient pas été assez doués techniquement pour faire du Brutal Death ou je ne sais quoi.
La mer selon Ahab est visqueuse et dangereuse. Pleine de créatures prêtes à en découdre avec les éléments et avec vous. Sombre et pernicieuse comme la musique d'Ahab, elle fait de vous sa proie lentement mais sûrement. Les titres, dont la moyenne tourne autour de 10 minutes, mettent en place des scènes à la chronologie proche de celle du roman d'Herman Melville. Si quelquefois certaines parties de guitares semblent éthérées et légères, presque seventies dans leur réalisation, c’est souvent le rayon de soleil qui précède la grande chasse où nombre de marins périront corps et âmes. Ahab distille sa musique de manière implacable vous happant de la surface, tel le harpon, pour vous entrainer vers les abysses de l’océan.

URNA - Sepulcrum (2006)

Le Metal extrême est ainsi fait que l’on croit toujours avoir entendu la chose la plus répugnante, la plus morbide, la plus monstrueuse qui soit. Le Funeral Doom, l’un de ses représentants les plus intraitables, est ainsi fait que l’on pense invariablement, et ce le plus sincèrement du monde, avoir atteint l’ultime bas-fond du gouffre le plus abyssal… Et pourtant, il arrive systématiquement un beau jour où vous aurez tôt fait de réviser votre jugement. Ce jour où se dessine une inquiétante silhouette encapuchonnée, où l’oiseau de mauvais augure drapé de sa souquenille noire d'obsidienne s’approche pour vous dévisager de son regard torve, vous proposant dans un rictus carnassier de descendre plus loin encore que le fin fond du bas-fond, de creuser vers la fosse aux macchabées baignant dans l’adipocire, d’exhumer l’asphyxiant et visqueux charnier. Creuser, encore et toujours, pour déceler le chemin menant à l’embouchure des entrailles brûlantes et sulfureuses de la Terre, abritant le monumental temple d'Urna, lieu des plus effroyables sévices et tortures. Découvrir l'Horreur pour finir par crever de terreur devant les visions d’abomination qu’elle impose.
Bien entendu, on savait que les transalpins RM & MZ n'étaient pas des plaisantins, en témoigne le Black Metal des catacombes qu'invoque Locus Mortis et qui représente les fondements originels du culte que nos deux haruspices vouent à la Mort. En soufflant cette exhalaison méphitique sur un Funeral Doom déjà hautement putride et souillé d'un Dark Ambient des plus angoissants et insalubres, Urna a élaboré avec "Sepulcrum" un rituel autant singulier que d'une immondicité proprement inouïe. Si dans cet effleurement aussi sommaire vous semblerait se dessiner le spectre des récents travaux de Nortt, l'exécution montre indiscutablement qu'il n'en est rien. Si le danois joue dans le registre de la vieille crypte perdue dans des hectares de brume, les italiens évoquent un mausolée infiniment plus imposant et maléfique.
Les claviers plantent un décor d'une abjection insoutenable, articulant des guitares aussi rachitiques que les carcasses humaines jonchant le sol du lieu maudit, aussi suffocantes que les déjections suintant des corps disloqués, mutilés sous les imprécations éructées par un growl cruel et sanguinaire. Le soubassement Funeral Doom / Ambient est poussé au paroxysme du malsain par un Black Metal dont Urna aura principalement retiré, au-delà d'épisodiques parties blastées (comme sur les redoutables "Ab Vita Morte (In Fidei Abitus)" et "Mors Imperatrix Mundi"), un son écorché et chaotique. Féroce et impitoyable, Urna sait aussi gagner en profondeur lors des phases les plus empreintes de mysticisme ("Fundamentum Et Factum", "Ego Sum" ou encore l'excellente reprise de "The Gate of Nanna", l'hymne occulte de Beherit), la profondeur du bassin fétide d'eau croupie où sont jetés les restes macabres. Au détour de ses intermèdes ambiants, Urna adopte une vision plus contemplative, la vision atroce des âmes des victimes s'élevant pour contempler le massacre … leur massacre.
Alliant une aura sépulcrale digne du grand Skepticism à la marche implacable du prodigieux Tyranny et à l'infamie du Black Metal, Urna a édicté une œuvre d'une rare intensité horrifique, à laquelle on ne pourrait reprocher qu'une seule (modeste) faille : l'usage de la boîte à rythmes. Manquant de résonance car programmée de manière trop sèche et mécanique, elle ampute l'œuvre d'une (légère) partie de son ampleur.
L'entité n'est pas invincible, mais presque…

ASUNDER - Works Will Come Undone (2006)

Le premier album d’Asunder n'avait vraiment rien de remarquable. "A Clarion Call" était certes un bon album de Doom / Death, mais rien qui en fasse un classique et ce malgré des dérives assez 70's relativement déjà marquées sur ce premier opus. C'est en accouchant de "Works Will Come Undone" qu'Asunder a véritablement enfanté une des toutes meilleures réalisations de la scène Funeral Doom.
Ralentissant le tempo encore plus que sur leur premier disque, les américains d'Oakland nous pondent un disque certes de Funeral Doom mais à l'inverse de bons nombres de formations issues de ce genre, il y a une fraicheur certaine à leur musique. Là où d'autres nous pondent des chefs-d’œuvre de noirceur plombée, Asunder délivre un ensemble musical très aéré et aérien, presque éthéré. Difficile d’y croire, surtout que l’album n’est constitué que de deux pistes. On pourrait être en droit de s’attendre à un monolithe impénétrable pourtant il n’en est rien. La structure presque progressive de ces deux morceaux et ces guitares au son clair n’y sont pas pour rien. On considère souvent la noirceur dans ce genre mais peu arrivent à procurer ce sentiment intense de grands espaces, certes désolés, mais empreints de richesses et de tristesse comme Asunder l'a fait sur cet opus magnus. Certes, on pourra regretter que le deuxième titre "Rite of Finality" soit constitué pour moitié par un long morceau très Ambient et Drone à la fois, mais il complète parfaitement cet album empreint d’une profonde nostalgie où soli de guitare presque d’un autre temps et autres violoncelles viennent ajouter à la beauté noire presque victorienne de ce disque intemporel et pour le coup presque à part dans ce genre.
Ma plus grande tristesse c’est que le projet Asunder ait été mis entre parenthèses au profit d'autres instances des divers musiciens. Tristesse et colère quand on mesure tout le talent mis à jour sur ce disque d'une rare intensité et tous les (dés)espoirs que l’on pouvait fonder sur ce groupe décidément à part.

WORSHIP - Dooom (2007)

Et voilà pour finir en beauté notre 13ème oraison funèbre, l'ultime, marquée par le signe de la malédiction... Mais pour couper court à tout superstitieux préjugé, sachez que celle-ci ne signifie en aucun cas la fin des Trublions. Que nos aficionados se rassurent, comme nos détracteurs peuvent continuer à se faire de la bile.
Voilà ce qui est à ce jour le seul et unique album de Worship, alors que le projet initialement franco-allemand est sur le point de fêter son … 13ème anniversaire ! Celui d'un nouveau drame ? … Car aujourd'hui encore plane sur Worship le suicide de son co-fondateur Max Vernier, alias Fucked-Up Mad Max, qui a laissé son compagnon d'infortune Daniel "The Doommonger" Pharos dans un désarroi tel qu'il mit sept longues années à s'en remettre, l'entité Worpship ne survivant qu'au travers d'une poignée de splits. Sept longues années pour s'entourer d'un nouveau line-up et achever ce fameux "Dooom", l'un des albums qui aura eu le plus de peine à voir le jour. Et de la peine, il en a revendre. Déjà, rien qu'à voir le titre … "Dooom" … Alors oui, ça peut paraître très fort d'Effexor, genre on a composé la quintessence du Doom, plus Doom que Doom, mais il faut reconnaître que l'ambiance y est particulièrement plombée, en faisant l'un des pavés les plus cafardeux de la planète Metal, rien de moins.
D'entrée, ce sont de purs riffs de mise à mort qui viennent nous faucher. Et ça continue sur un rythme de catatonique pendant 73 looooongues minutes aux grattes accordées plus bas que terre et à la progression constamment heurtée. La carcasse se traîne, rampe, trébuche. Le mourant tente de se remettre sur pied avant de se ramasser une énième fois pour bouffer le gravier et finir la gueule en charpie. La batterie se fait presque rare mais chaque percussion est un coup de massue l'envoyant mordre la poussière. Le growl caverneux, la distorsion nauséeuse et les arpèges graves sont autant de malaises morbides qui mortifient le bide, poussant le cadavre ambulant jusqu'au pont s'élevant au-dessus du précipice, l'ultime chute, salvatrice. Les passages atmosphériques réalisés à coups de chœurs et autres sons de cloches de mauvais augure (comme sur le terrible "Graveyard Horizon") plantent la stèle mortuaire. Les harmonies torturées y écrivent les pires maux dégoulinant du dégoût de vivre, tandis que le spectre du défunt se manifeste par une poignée de vocaux et râles fantomatiques avant d'achever "I Am the End - Crucifixion Part II" d'un poignant épilogue au piano. Enfin, le soin particulier apporté à l'élaboration de l'artwork et du digipack termine de célébrer le deuil en offrant au monument une magnifique couronne funéraire.
D'une lenteur inhumaine à faire passer Thergothon pour un sprinter de 100 mètres, d'une mélancolie douloureuse à faire chialer le plus affligé des Mournful Congregation, "Dooom" peut se voir comme une sorte de condensé du genre Funeral Doom auquel Worship apporte son immense lot de souffrance, dans son sens le plus atroce et suicidaire. "Dooom", c'est l'un des plus implacables déprimogènes jamais créé. "Dooom" c'est l'une des plus imposantes pierres tombales érigée dans le cimetière du Funeral Doom. "Dooom", c'est la convention obsèques qui ne laisse aucune chance. Vous êtes prévenus …

Article réalisé par vastAire et Vinterdrøm, avec la participation d'Eulmatt

INTERVIEW DE STRYKER, PATRON DE LA BOUTIQUE SABRE TOOTH

2010-07-20T21:44:00.002+02:00

Après le blizzard du Grand Nord soufflant de l'article sur la seconde vague du Black Metal et le crachin de Clisson bruinant sur le live-report du Hellfest, les Trublions poursuivent leur descente en latitude planétaire et c'est aujourd'hui Marseille qui est à l'honneur. Un p'tit coin de ciel bleu et un brin de canicule, ça peut pas faire de mal, hein les minots ? Et ne croyez pas qu'on a profité de l'occase pour s'enfiler des charrettes de pastagas dosés façon flan, hé con de la bonne mère ! Que nenni, car il fallait avoir les idées claires à l'approche de la redoutable Dent de Sabre qu'abrite la cité phocéenne, et de son affable propriétaire : le dénommé Stryker, infatigable organisateur de concerts fort de bientôt 30 années d'une passion immodérée vouée au metal et patron du distro Sabre Tooth qui vient récemment de fêter ses 10 ans d'existence. Entretien …

STRYKER, LE PERSONNAGE

Salut Stryker, peux-tu nous faire une brève présentation de toi ?

J’ai 41 ans et je suis né à Marseille. J’ai commencé à écouter du hard-rock en 1981. Je me suis mis au punk en 1988. J’organise des concerts sur Marseille depuis 1989. J’ai tenu de 1996 à 1998 le bar metal Codex Demonicus (ex-Black Hole). Quelques années avant, j’avais aussi fait barman dans un local de bikers. De 1989 à 2004, j’ai fait la sécurité et le road sur de nombreux concerts hard, punk,…dans plusieurs salles de la région. J’ai ouvert le magasin Sabre-Tooth en 1999.

Par quel biais as-tu découvert le Metal ? Quelles ont été tes premières tapes, tes premiers LPs ?

J’ai eu (par erreur) pour mes 13 ans "For Those About to Rock" d’AC/DC. Je n’ai pas aimé à la première écoute. J’étais, il est vrai, habité par les a priori concernant le hard rock. Puis en l’écoutant à nouveau, j’ai trouvé des passages qui m’ont plu. C’était en 1981. En discutant avec des copains de ma classe, j’ai eu quelques noms de groupes : AC/DC, Iron Maiden, Van Halen, Black Sabbath, Led Zeppelin. Puis un copain de mon quartier m’a vendu quelques disques : Van Halen, Scorpions, Trust, Kiss, Saxon, AC/DC. Comme on n’avait pas beaucoup de sous, on se copiait des K7 avec les copains. J’ai ainsi découvert Venom en 82. J’ai vraiment adoré !!!
Ça peut faire bizarre de nos jours, mais j’ai beaucoup appris grâce à la radio et à la télé.
J’ai écouté les émissions de radio locales. Il y en avait 6 par semaine. C’était vraiment bien. J’ai encore des contacts réguliers avec 3 des animateurs de l’époque. Il y avait aussi les émissions "nationales" : Wango Tango de Zegut sur RTL puis Doum Doum Wah Wah sur RMC. Il ne faut pas oublier la télé qui à l’époque passait autre chose que de la variété : Les Enfants du Rock, Platine 45, Metal 6, Boulv Hard… Si tu ajoutes Enfer Magazine, Metal Attak et les fanzines, tu pouvais te faire une éducation totale dans les médias.

Qu'est-ce-qui t'a séduit dans ce genre musical au point de vouloir en faire ton métier ?

Je ne peux pas réellement dire ce qui m’a séduit au départ. Je sais que j’aime la musique qui bouge. Je n’ai jamais voulu en faire mon métier. C’est là aussi arrivé un peu par hasard. Un bilan ANPE, une étude de compétences, des démarches administratives et le magasin était créé. Bon, il est vrai que j’avais une distro depuis 2 ans. Mais ouvrir une boutique ne m’avait pas effleuré. De plus, je suis d’abord un collectionneur. Ce qui rend au départ plus dur la démarche de vendre. J’ai vendu des disques qui auraient eu une belle place chez moi. J’avoue que parfois j’ai un petit pincement au cœur en voyant partir certaines pièces. Je sais aussi que je fais plaisir à un client qui a les mêmes goûts que moi. Ça soulage.

Personnellement, quels sont aujourd’hui tes styles de metal favoris ? Et, au contraire, y’en-a-t-il que tu ne peux pas blairer ?

Je suis toujours fan de heavy et de thrash. Je n’accroche pas tellement au hard FM ni aux chansons trop molles. Ce qui me plait en priorité, c’est la musique ou je peux me défouler. Même maintenant j’adore me faire un petit pogo de temps en temps (le dernier sur Agnostic Front au Hellfest 2010). Je n’ai pas été fan de death ni de black au début. Aujourd’hui, il y a plein de groupes que j’apprécie dans ces styles. Surtout les groupes avec une influence heavy, thrash ou punk marquée bien sur. C’est pourquoi j’aime bien le death suédois qui a un coté très punk. J’aime aussi pas mal de groupes de black et surtout de black/death. Ce style moderne me convient bien. Mais j’ai découvert aussi depuis quelques années des groupes d’électro qui m’ont plu par leur influence punk.
Lorsque j’écoute un groupe, j’ai 2 approches.
Tout d’abord c’est le classique « j’aime / j’aime pas ». L’appartenance à l'une ou l’autre des catégories peut bien entendu varier selon les moments.
J’ai ensuite une approche plus réfléchie de la musique. Je prends en compte le coté technique, le feeling et la capacité du groupe à me faire entrer dans son univers. Il y a donc des groupes que je n’écoute pas volontiers mais que je trouve très compétents. J’ai par exemple plusieurs clients qui sont branchés funeral doom, noise ou emocore. Certains groupes arrivent à me faire entrer leur monde musical. Je n’apprécie pas ce que je découvre mais le pas est franchi : ils m’ont fait plongé dans leur univers. Il est vrai que souvent, j’essaie de m’échapper le plus vite possible.
Par contre, il y a des groupes dont je n’apprécie pas la musique et qui me laissent indifférents.
Il y a aussi ceux qui ne sont efficaces que sur scène et dont les productions studio sont de piètre qualité. Ça fait de bonnes surprises en concert.

Es-tu musicien, ou as-tu déjà fait partie d'un groupe ?

Je ne joue d’aucun instrument. J’aurais bien voulu avoir une basse quand j’étais jeune. Mais je n’avais pas les moyens. De plus, je considérais que posséder un instrument n’était pas tout. Il fallait s’entrainer et prendre des cours. Quand j’ai bossé l’été à 16 ans, j’ai eu d’autres priorités. Je suis juste monté chanter une dizaine de fois sur scène par hasard (plusieurs fois sur des reprises de MOTÖRHEAD).
Un groupe, c’est un engagement important qui demande beaucoup de temps. Je sais que je ne pourrais pas m’y consacrer alors je ne me lance pas.

On a déjà du te poser la question mille fois, mais j'y vais de ma mille et unième !

N'as-tu jamais rencontré des soucis, provocations ou autres agressions du fait que tu sois un black évoluant dans un milieu principalement blanc, notamment quand tu travaillais en tant que barman et à la sécurité des concerts ?

C’est vrai que j’ai régulièrement droit à cette question. La scène française est en grande majorité blanche. Mais le fait que la scène soit majoritairement blanche en occident ne signifie pas qu’elle est uniquement blanche ni faite que pour les blancs ni que les blancs qui écoutent du rock considèrent être les seuls à avoir le droit d’en écouter. La scène est faite pour les rockers et il n’y a pas de stéréotype. Le rock est d’abord un style musical et un état d’esprit. Il ne faut pas oublier que le rock est né de la musique noire américaine et que les pionniers sont Chuck Berry et Little Richard. Cette musique est écoutée dans le monde entier et il y a des créations de groupes partout. La couleur des scènes varie donc en fonction du lieu ou l’on se trouve. Mais le communautarisme musical est un large débat. J’ai au magasin des jeunes (et moins jeunes) de toutes les couleurs, de tous les quartiers de Marseille et de tous horizons. J’ai aussi des clients étrangers de tous les continents. J’ai rencontré des asiatiques, des israéliens, des américains, des sud-américains, des libanais, des turcs, des grecs,… J’ai même rencontré un jeune marocain qui avait été arrêté dans son pays pour avoir organisé un concert de black metal.
Pour mon cas précis, dans la première asso ou j’étais (Rocklife), il y avait de quoi faire un épisode de feuilleton américain : un noir, un arabe, un espagnol, une fille, un "français", un corse. On ne se souciait pas de l’apparence mais de la motivation. Quand on était jeunes, il fallait faire ses preuves par les poings et les connaissances musicales pour être considéré comme un "vrai rocker". Je n’avais pas peur de me battre le cas échéant et je lisais le plus de magazines possibles. Nous étions des hard rockeurs et c’est tout. La seule appartenance à ce groupe nous rendait déjà différents du reste de la population. On a créé la scène marseillaise en faisant un concert par mois dans le lieu mythique qu’est "La Maison Hantée". Donc, tous les jeunes qui venaient au concert nous voyaient et il n’y avait que des remerciements. Quand tu viens voir un concert et que tu te régales, tu fais la fête avec tous ceux qui sont là sans penser à leur couleur.
J’ai bien sur eu des questions du style : « Mais tu es noir et tu écoutes du hard ??? » Et ça par des gens de tous horizons et de toutes couleurs !!! Et j’ai souvent eu à expliquer ma passion pour cette musique.
Dès 1989, j’ai eu un rôle actif dans les concerts. Je n’ai pas abusé de mon pouvoir quand je faisais la sécurité. Les concerts se sont durcis au milieu des années 90 avec une vague d’extrémistes de droite dans le metal. J’ai eu à gérer des cas un peu plus compliqués. Quand je bosse, les idées politiques des uns et des autres restent dehors. Tout le monde a toujours pu entrer à mes concerts du moment que c’était dans un bon esprit. La politique c’est pour les meetings. L’énorme majorité l’a compris et a passé de bonnes soirées. Une minorité a du être rappelée à l’ordre. Je suis quelqu’un de plutôt gentil mais je ne me laisse pas faire et je sais montrer aussi que j’ai du répondant. Encore aujourd’hui, j’ai parfois des clients qui sont surpris en me voyant. Mais après 2-3 phrases, on discute entre rockers. Il y a moins de surprise chez les jeunes et chez les gens qui ne sont pas de Marseille. Ils sont habitués à voir des rockers de "toutes les couleurs". Grâce à internet, beaucoup de gens ont des contacts avec des groupes du monde entier.

Toi qui as pu suivre en direct l'intégralité de la carrière de certains groupes très célèbres, quel est ton regard sur l'évolution très controversée de Metallica par exemple ? Quel a été ton ressenti à la découverte de leurs toutes premières démos, au vécu de leur âge d'or Ride the Lightning / Masters of Puppets, du virage du Black Album, … et que reste-t-il, à tes yeux, de ce groupe aujourd'hui ?

J’ai eu la chance de connaître Metallica avec la démo qui a précédé "Kill’em all". Merci encore à Jean-Michel qui animait l’émission de radio Decibel. Ça a été la grosse claque pour tous ceux de ma génération. Mais il y a eu les éblouis et les dégoutés. Pour nous, les tout jeunes, ça a été magique. Le lendemain matin au collège on était comme des fous : « alors, tu a écouté hier ? Bien sur. METALLICA trop bon !!! ». Les hard rockers classiques trouvaient ça trop rapide. Mais pour nous c’était le bon cocktail : puissance, vitesse, folie.
Sur "Ride the Lightning", on découvre grâce à une meilleure production que le groupe sait bien jouer. Sur "Master of Puppets", on prend tous une nouvelle claque avec le son phénoménal. On n’avait jamais entendu une telle puissance. Pour moi, c’est leur album le plus abouti. "And Justice for All" : album trop froid pour moi. Il est sorti alors que je me mettais au punk. Les morceaux sont trop longs et je préfère la musique joyeuse. C’est l’album du deuil mais ça je ne l’ai pris en compte que plus tard.
Le "Black Album" a été vécu par beaucoup de fans de la première heure (moi y compris) comme une surprise très désagréable. Album ultra commercial : des balades, des tonnes de 45T, maxis, pressages, objets… alors que Metallica avait critiqué Maiden pour ces mêmes raisons. J’ai eu les larmes aux yeux en l’écoutant. Pour moi, ça a été une trahison !!! Pas eux !!! Cependant avec du recul, je pense que le groupe ne serait pas le METALLICA (en majuscules) qui est là aujourd’hui s'ils avaient continué à faire le style qui me plaisait. Ce virage dans leur carrière a été très réussi et quelque part, tant mieux pour eux. Et tant pis pour moi. Je les ai quand même vus 7 fois en concert entre le "Black Album" et "Saint Anger". Je n’ai jamais été déçu.
"Load", "Reload" … (NDLR : un silence qui en dit long) … "Saint Anger" : première fois que le groupe est suiveur dans un mouvement musical. Tout est mauvais. Batteur-casserole, chanteur nasillard, pas de solo de guitare, pas réellement de bassiste !!!! Je ne comprends pas pourquoi ils l’ont fait. J’ai vu leur vidéo-documentaire mais ça ne donne pas de réponse. Je pense qu’ils auraient du attendre 6 mois au lieu de pondre un truc pareil. Ou alors ils auraient du le faire écouter à des gens avant de le sortir pour avoir des avis extérieurs. "Death Magnetic" : c’est une sorte d’anti "Saint Anger" plein de soli, un gros son, de meilleures compos. Juste dommage qu’il n’y ait plus vraiment de cohésion entre certains musiciens.
Malgré toutes les critiques musicales que je pourrais faire, je leur souhaite une longue et heureuse suite dans leur carrière.

Tu as toujours été fortement attaché à Motörhead. Ce groupe t'as-t-il déjà déçu par un de ses albums ?

Non, jamais. Il est évident que toute la carrière n’est pas égale. Il y a des albums qui me plaisent plus que d’autres. Je préfère les premiers comme beaucoup de "vieux". Les compos me plaisent plus et correspondent à mon adolescence, époque qui est pour beaucoup hautement émotionnelle. Mon album préféré est "Another Perfect Day". Mais le groupe a une carrière complète qui reste dans un bon esprit. J’ai aussi eu la chance de les rencontrer plusieurs fois et ce sont vraiment des gars très gentils et très simples. J’adore leur attitude et leur intégrité. Vous aimez ce que je fais tant mieux, vous n’aimez pas : tant pis, on continue. Et ça dure depuis 35 ans.
Depuis que je bosse sur les concerts, j’ai rencontré des musiciens du monde entier dans plein de styles différents. Comme je porte souvent (certains diront toujours) des T-shirts de MOTÖRHEAD, la conversation arrive souvent sur le groupe. Il est impressionnant de voir le respect que provoque le nom de LEMMY. Il dégage une aura presque mystique. Et pourtant, il ne se comporte pas comme une rock star. Il est vraiment très abordable. Et il en va de même avec Phil et Mikkey.

En dehors de la musique, as-tu d'autres hobbies et occupations ?

La musique me prend pas mal de temps entre le magasin et les concerts.
J’adore la lecture. Je lisais beaucoup quand j’étais plus jeune. Comics, livres policiers, espionnage, SF. Puis j’ai travaillé de nuit pendant des années et j’ai beaucoup réduit. Depuis quelques années, je m’y suis remis et je lis la série Dune (j’en suis au 14ème volume).
J’ai aussi lu White Line Fever de LEMMY, Please Kill Me (sur l’histoire du punk), … Je lis très peu de livres en français. Je préfère lire directement en anglais. C’est parfois un peu dur de rentrer dans la structure linguistique de l’auteur mais une fois que le cap est passé, ça va. Quand je regarde un film, c’est aussi VO de préférence. J’ai aussi fait pas mal de sport : Judo, Taekwondo, Aikido, … Je ne pratique plus en club mais j’essaie de rester un peu en forme.
Mais mon occupation préférée, c’est mes enfants !!! Eux aussi me font faire du sport. Je te garantis que courir à coté d’un vélo (sans petites roues) c’est une bonne expérience. Sans compter le rattrapage au vol pour éviter les chutes et les esquives de trottinettes.

LA BOUTIQUE SABRE TOOTH

Quelles sont les raisons et significations se tapissant derrière le choix du nom de "la Dent de Sabre" pour ta boutique ?

Beaucoup de gens pensent que c’est lié aux X-Men mais les films qui ont rendu le personnage célèbre sont sortis après la naissance du magasin. Il est vrai que je suis fan de Serval depuis très longtemps. Dans la version originale, Sabre-Tooth est le nom de son ennemi.
Mais ça n’a eu aucune influence sur le nom de la boutique. En fait, j’ai toujours adoré les tigres à dents de sabre. Cet animal préhistorique me plaisait quand je lisais des livres sur les animaux. J’aime les tigres en général et je trouve leur ancêtre fascinant.

Sabre Tooth a récemment fêté ses 10 années d'existence. Lors de sa fondation, pensais-tu durer aussi longtemps dans le milieu et quelles ont été les principales difficultés que tu as pu rencontrer ?

Ça va avoir l’air un peu prétentieux ou naïf, mais j’ai ouvert le magasin avec l’intention de durer longtemps. Il est vrai que j’ai eu droit à des tas de découvertes : administratives, fiscales, comptables, bancaires… Il faut aussi toujours jongler avec les commandes. Je travaille avec des fournisseurs du monde entier pour les disques et les produits dérivés. La préparation des commandes est un véritable parcours du combattant. La principale difficulté est celle de la plupart des commerces : toujours avoir de nouveaux produits. Je tourne sur plus de 5000 références. Et j’ai pas mal de clients qui passent toutes les semaines depuis des années. Je travaille beaucoup sur commande sur la musique et les T-shirts.

As-tu vu tes ventes de disques se casser la gueule au cours des années avec le fléau du téléchargement sur internet ?

J’ai bien sûr vu l’impact énorme du CD gravé puis du téléchargement. La baisse a été colossale. Je ne compte plus le nombre de clients venus me conseiller sur des disques un mois avant leur sortie officielle. Mais les choses ont l’air de se stabiliser un peu. Plusieurs clients sont passés au "téléchargement responsable". Découverte en MP3 ou sur myspace puis achat du CD quand ça plait. Il n’y aura cependant aucun retour en arrière.
Mais je ne peux pas jeter la pierre aux clients. On leur donne tous les outils pour se passer de support physique en leur vendant un sous-produit qu’est le MP3. Et certaines très grandes entreprises gèrent les artistes et vendent des CD vierges et des graveurs. Pour moi, il est évident que mes ventes ont beaucoup chuté mais je m’efforce de toujours trouver de nouveaux albums.

Ne crains-tu pas, en plus de cela, la forte concurrence existant au niveau des prix de vente des disques qui sont, il faut bien le reconnaître, un poil plus attractifs chez de nombreux autres distros ?

La concurrence existe. Il est vrai que je suis plus cher que pas mal de distros mais je suis beaucoup moins cher que certaines grandes enseignes. Grandes enseignes qui, malgré leur prix parfois très élevés, vendent beaucoup plus que les distros et moi !!!
Je fais tout pour avoir des prix les plus bas possibles. J’essaie de proposer des choses différentes et nouvelles. J’ai des clients qui reviennent au magasin après 1-2 ans passés sur internet. La présence d’un humain est je pense très importante.

Pourquoi refuses-tu de distribuer les productions de certains gros labels comme Nuclear Blast par exemple ?

Je ne refuse pas réellement les gros labels. Tout dépend des prix et des conditions commerciales. Quand j’ai débuté, j’ai écrit à plein de labels. J’ai reçu des réponses et j’ai fait mon choix. Il y a un très gros label qui m’a répondu que pour bosser avec lui il y avait une 1ère commande imposée de 100 000 Francs (15 000 Euros). Il va sans dire que je n’ai pas donné suite.
Pour Nuclear Blast, j’ai pas mal de leurs références (au moins 50). J’ai plus de difficultés avec Century Media. Le gros problème c’est qu’il y a un nombre de sorties phénoménal. On me propose en métal 50 nouveautés par semaine. Je dois faire le tri pour les commandes. Tu ajoutes les nouveautés en punk et les références ou je dois faire du réassortiment (ou pas). Plus certaines commandes précises pour certains clients. Chaque commande m’oblige à jongler. Il est donc normal que tout le catalogue de tous les labels ne soit pas représenté. J’essaie vraiment de trouver des bonnes choses pour mes clients.

Pour parler de styles en marge du metal, on peut trouver dans ton rayonnage de la gothic / darkwave (Ataraxia, Dark Sanctuary, …) et du dark ambient (quelques prods Cold Meat Industry et Cyclic Law notamment). Trouves-tu beaucoup de demandeurs pour ces genres très confidentiels, et penses-tu continuer à en distribuer à l'avenir ? Enfin, à titre personnel, affectionnes-tu ce genre de musique ?

Au magasin, j’ai plusieurs rayons spécialisés : hard-rock, punk, gothique, … Le plus gros bloc concerne le metal dans son ensemble. Il existe de nombreux groupes gothiques, dark et indus qui ont commencé leur carrière dans le black metal ou le death. J’en ai donc naturellement pour compléter les discographies. Comme j’ai aussi quelques clients qui sont réellement branchés gothic dark ou gothic electro, j’essaie de leur proposer un rayon intéressant. Il est vrai que je ne remplirais pas le magasin avec ce style de musique. Mais comme je travaille aussi sur commande, je peux avoir de nombreuses autres références.
A titre personnel, je préfère la musique dérivée du rock’n’roll et pas tellement la musique électronique. Il me faut des instruments et des humains qui en jouent. Cependant, j’ai vu quelques concerts plus électroniques et certains musiciens m’ont bien plu. En fait, je suis plutôt "joyeux" dans la musique, c’est pourquoi je préfère le heavy et le thrash. Les styles sombres ne m’attirent pas a priori. J’aime bien les groupes électro déjantés comme Tamtrum (pas parce que c’est des copains) ou Das Ich. Ou électro death comme Samsas Traum. J’ai vu pas mal de concerts et soirées goth-electro et tout ne me déplait pas. Dans le style, je préfère les groupe new-wave 80 comme Sisters Of Mercy car ils sont assez proches des racines punk.

N'aurais-tu pas envie un jour de monter un label pour produire et diffuser des artistes metal, des jeunes groupes sans contrat que tu trouves prometteurs, ... en plus de la boutique ?

J’ai déjà un label !!! J’ai produit en 2001 l’édition vinyle de la discographie complète des Warrior Kids (groupe de punk de Marseille célèbre dans les années 80).
Je connais donc la base de ce travail. J’ai déjà entendu des groupes qu’il m’aurait plu de produire. Le problème, c’est le temps. Si je produis un groupe, je veux que ce soit bien fait. Je n’ai pas envie de produire un disque pour le laisser dormir dans un entrepôt.
Je ne dis pas que ça ne me tente pas de recommencer. J’y réfléchis de temps en temps. Mais il faut trouver le moyen de faire un boulot sérieux. Le problème du temps c’est justement le "en plus de la boutique".

LES CONCERTS

La région Sud-Est de la France, et notamment la Côte d'Azur, n'est pas particulièrement réputée pour son activité et son public metal, loin de là. Partages-tu ce sentiment, toi qui agis au cœur de la fournaise ?

Notre région n’est plus réputée pour être une "fournaise". En ce qui concerne le rock. Je pense qu’il y a plusieurs problèmes.

- On est en France qui n’est pas un pays connu pour son amour du rock. Quand le Général De Gaulle a viré les bases américaines, il a en même temps bloqué l’entrée de la "culture" américaine donc du rock’n’roll. Le rock a été en grande partie diffusé en Europe grâce aux bases US. Je m’en suis bien rendu compte en lisant l’autobiographie de DeeDee Ramone. Il a été élevé en Allemagne et il a connu le rock par les marines. Les régions qui bougent le plus sont les régions frontalières et Paris bien sûr car c’est la capitale et le centre démographique de notre pays. Le Nord avec la Belgique, l’Est avec l’Allemagne, le Sud Ouest avec l’Espagne et le Pays Basque, et la Bretagne qui est entre Paris et l’Angleterre.

- Marseille n’est proche d’aucune frontière. Donc nous ne bénéficions pas de "contagion rock" par un pays limitrophe.

- Pour le Sud-Est, il y a Toulon plutôt axée sur la marine militaire, Cannes et Nice qui sont des villes avec une population plutôt âgée.

- A l’Ouest, Montpellier ville très étudiante bouge bien grâce à l’asso Tout A Fond.

Cependant, il y a de nombreuses assos qui se bougent et à Marseille, on peut voir 2-3 concerts par semaines. Il suffit d’être ouvert d’esprit. Il y a des salles qui proposent du rock énergique régulièrement : La Machine A Coudre, Le Local, l’Embobineuse, le Baby, l’Enthropy… C’est évident que le mot ROCK ne vient pas à l’esprit des gens quand on parle de Marseille, mais il existe tout de même des gens qui se bougent bien. Bien sûr, pour ceux qui veulent uniquement leur groupe préféré devant chez eux et gratuit, il n’y a plus rien à faire.

As-tu observé, au cours des années, une baisse de la fréquentation des concerts dans la région, et n'as-tu pas parfois l'impression d'agir "pour rien" ?

Quand nous avons commencé à organiser des concerts avec l’association Rocklife, il n’y avait que nous (et Run Away Movement pour les punks). On en faisait un par mois à La Maison Hantée. Nous avions une base minimale de 70 personnes à tous nos concerts. Le nombre étant le plus souvent au-dessus de la centaine. Le public venait de toute la région. Au fil des années, d’autres assos se sont créées un peu partout avec plus ou moins de succès. Le nombre des concerts est aujourd’hui de 15-20 par mois dans un rayon de 100 Km. Le problème, c’est que le public a augmenté mais pas dans les mêmes proportions. Il y a donc eu une sorte de dilution. Ce qui fait que certains concerts qui avant auraient attiré 100 personnes se retrouvent avec 20-30 personnes. Ce qui est en général en-dessous du seuil de rentabilité. C’est pourquoi de nombreux organisateurs de petits concerts jettent l’éponge. Ce qui est aussi rude, c’est que les grands groupes ne remplissent pas non plus. Certains marseillais négligent les concerts locaux pour privilégier les concerts à Paris ou les festivals. Dans le même temps, ils disent qu’ici, il n’y a jamais rien. Ils n’essaient pas d’aller voir les petits groupes (ni les moyens, ni les gros) qui jouent ici. C’est vraiment dommage que le goût de la découverte s’estompe comme ça.

Faire jouer des groupes, c'est connaître son lot de réussites mais aussi son lot de plantages. Racontes-nous ton plus grand top et ton pire flop à ce jour …

Mon plus grand plantage c’est mon dernier concert en date Killers - Revenge - Engraved - Kumshot Diesel. Une belle affiche, 1er concert de Killers à Marseille, Revenge qui a ses fans ici, 2 groupes locaux qui bougent bien. Mais il y a eu des 5-6 concerts metal dans un rayon de 100 km avec des groupes de Marseille qui ont joué le même soir. Donc le public s’est encore une fois dilué. Cependant, les groupes ont tout donné et ceux qui étaient là ont eu droit à un super concert. Franchement, si c’était à refaire je le referais avec les même groupes mais en déclenchant des alertes à la bombe dans tous les autres concerts !!!!!!
Mon plus gros concert a été Vader - Septic Flesh - Deviant - Inactive Messiah. Un super concert, une super soirée, assez de monde. Parler anglais avec des suédois, des grecs et des polonais, c’est vraiment très amusant. Avec le Club Hard Rock, nous avons aussi fait Nightwish, Morbid Angel, Slingshot (MacAlpine, Sheehan, Donati), Anathema, Therion, Samael, Gwar, …

Ces concerts sont également pour toi l'occasion de rencontrer les artistes de la scène metal. Tes meilleurs souvenirs à ce niveau-là ? Et si tu as deux / trois anecdotes à nous raconter, on est preneurs …

J’ai rencontré toutes sortes d’artistes du monde entier dans plein de styles musicaux différents. Tout s’est très bien passé avec la grande majorité. Avec certains, ça a été assez particulier, je pourrais remplir des pages avec toutes les anecdotes. Je vais commencer par mon groupe préféré MOTÖRHEAD.

- J’ai rencontré Lemmy en Italie en 2000. On a un peu discuté et j’ai pris une photo avec lui avant qu’il ne reprenne le bus. Je l’ai revu à Istres en 2007 : en arrivant dans les backstages je tombe nez à nez avec Lemmy qui me montre du doigt en me disant : « I remember you !!! ».
Je n’y ai pas cru car il voit des dizaines de personnes tous les soirs. J’ai quand même joué le jeu : « oui, on s’est vu en Italie » et il m’a vraiment surpris en me répondant : « oui, à Milan aux Gods of Metal ». Il m’a ensuite gentiment signé la photo prise à l’époque.

- Lorsque je tenais le Codex Demonicus, j’ai fait découvrir les Ramones à Dark Funeral. Ils s’en sont souvenus lors de leur second passage à Marseille il y a 2 mois.

- Lors du concert de NOFX à Marseille, le groupe m’a dédicacé l’intro de "Iron Man" de Black Sabbath.

- J’ai eu droit à Londres à un concert de UK Subs dédié aux punk rockers de Marseille. J’avais amené à Charlie Harper, le chanteur, des articles de l’OM pour son fils.

Ces rencontres peuvent être aussi des désillusions, se rendre compte que certains de ces artistes sont les pires des enflures. T'es-ce déjà arrivé de tomber sur de véritables enfoirés ?

Il faut bien penser au départ que ce ne sont que des êtres humains qui font leur boulot (ou leur loisir). Comme tous les humains, ils ont leurs états d’âme. Certains arrivent épuisés par les trajets, ont mal dormi, ont eu des problèmes techniques ou personnels. Certains ont le stress d’avant concert (même dans les grands groupes !!!), d’autres sont épuisés après les shows. Il faut donc, quand on bosse sur un concert, gérer tous ces paramètres qui s’ajoutent à ceux de l’organisation proprement dite. J’ai donc eu droit à plein d’attitudes différentes.
Dans les cas marquants :

- Il y a eu un chanteur qui passait son temps à nous parler de politique pendant le concert et qui n’arrêtait pas de provoquer le public marseillais. J’étais juste dans le public et c’est un des seuls concerts ou j’ai failli partir avant la fin.

- Un groupe de skinheads (non politisés) prônant des valeurs anti-hippies et une certaine pureté (non raciale, je précise) dans leur textes et qui voulaient après le concert faire une virée dans Marseille pour trouver des filles et de la drogue. On les en a heureusement pour eux dissuadés.

- Un groupe de black metal dont le chanteur nous a demandé, alors qu’on faisait la sécurité, d’empêcher le public de le toucher. Il fallait en effet traverser la foule pour rejoindre la scène.
Mon collègue lui a gentiment expliqué qu’il n’en était pas question, que les jeunes ne lui voulaient pas de mal, qu’ils étaient là pour le voir et qu’il allait serrer les mains et signer des autographes. Ce qui fut fait à la fin du concert à la plus grande joie de tous.

Y'a-t-il des groupes que tu adores et que tu n'as jamais pu programmer jusqu'à présent ?

Il y a plein de groupes que j’aime. Je sais que je ne pourrais pas tout seul faire jouer les plus gros car il y a trop de sous en jeu. J’essaie juste de me faire plaisir quelque soit le groupe que je fais jouer.

Et pour finir, un dernier petit tuyau pour nos lecteurs : quels sont les prochains concerts que tu prévoies d'organiser ?

A titre personnel, je n’ai rien de prévu pour l’instant. Un concert ça prend du temps et il faut s’y consacrer du mieux possible. Le Club Hard Rock est sur plusieurs projets mais les négociations sont de plus en plus longues et difficiles.

Merci Stryker pour le temps consacré à cette interview. Une dernière chose à ajouter ?

Ça va avoir l’air d’une phrase des César mais vraiment merci à vous de vous bouger pour la Scène. J’ai fait un fanzine il y a quelques années et je sais le boulot et la patience que ça demande. Merci général à tous ceux qui se bougent en organisant ou en participant.

Interview réalisée par Vinterdrøm

http://sabre-tooth.net

http://www.myspace.com/sabretoothshop

http://www.myspace.com/sabretoothmarseille

HELLFESSE 2010

2010-06-22T19:12:00.000+02:00

C'est au nom de notre bien-aimée Christine Boutin nationale que le Révérend BG s'en alla prêcher la bonne parole en ces terres de Loire-Atlantique soumises au joug de la cinquième édition du Hellfesse, chaudron du vice et de la perversion. Sa mission : partir en croisade contre le Mal et ses adorateurs, apprendre à toutes ces hordes de sauvages les bienfaits de la foi chrétienne-démocrate, botter le cul au péché pour en extraire le noyau d'irréprochable vertu que Dieu a donné, comme en tout un chacun, dans sa grande miséricorde. (Mal)heureusement, le Grand Cornu a bien plus d'un tour dans son sac (y'a pas à dire, il est fort celui-là), et c'est avec force du savoureux glougloutement de l'éthanol coulant à flots, de l'irrésistible appel des cordes grésillantes, de l'écho envoutant des cris des possédés et des hurlements des damnés que notre Révérend a fini par craquer, retournant sa bure de moine pour le blouson cuir du parfait metalleux.

Puisse Dieu pardonner à ce pauvre inconscient …

JEUDI

Après 6 heures de route à traverser la Creuse et la Vienne (notamment) sur des petites routes qui tournent avec des camions à gogo, des camping-cars de merde et une double voie tous les 75 kilomètres, l’apéro du soir fut une juste récompense. Bon, on va oublier ce match merdique regardé au Metal Corner où j’ai cru que les bouteilles allaient voler sur l’écran à chaque apparition de ce brave Raymond… Le groupe de Hardcore qui jouait au second plan m’a passablement saoulé, mais on s’est quand même déjà bien torché la gueule au pinard et avec leur bière à 6,66 degrés.

VENDREDI

Le premier jour comme d’hab grosse queue à l’entrée. Du coup, je ne verrai que les 4 derniers titres de Gorod : y’a du niveau et leur Death technique est bien énergique et percutant en live, une bonne mise en bouche.
Le temps de récupérer ma cassette de Protector auprès de Doomer et de régler mon achat en …lui payant une bière et direction la Terrorizer Tent pour Magrudergrind : le seul groupe de Grind du 'Fest je ne voulais pas louper ça ! Sympa, le trio fout un beau bordel, pas de bassiste c’est inutile, et un contraste entre les accélérations et des parties très lentes, le combo s’amuse souvent à faire croire qu’un morceau va partir à fond alors qu’il s’arrête, et a contrario tu crois que le morceau est fini et ils balancent une dernière charge inattendue. A part le chant sans variation et plat, une bonne prestation.
Cependant, je délaisse la fin du set pour aller voir les deux derniers morceaux de Urgehal sous la Rock Hard Tent : un bon dernier morceau bien violent à la Tsjuder mais un son un peu approximatif à mon sens.
Ecouté Crowbar de la buvette d’une oreille distraite, bien lourd comme d’hab.
Necrophagist, j’arrive au milieu après avoir traîné en route au bar à vin : moins statique qu’auparavant, c’est plus vivant et les compos tuent toujours (surtout celles de "Onset of Putrefaction"). Mais d’où j’étais, j’entendais pas assez la guitare dès que ça se mettait à blaster, impossible de bien distinguer les parties de Mohammed Suiçmez (qui a désormais les cheveux longs, je ne savais pas, ça fait bizarre).
Un tour au market (ou je chope ce magnifique TS de Dying Prépus avec la couv' du dernier), pause sieste au camping municipal, quelques ricards (à 17 heures ha ha ha) avant de repartir et go ! Seulement vu que c’est la journée des ratés pour moi, la longue queue me prive de Hypocrisy dont j’arriverai juste pour écouter le dernier morceau "Roswell 47", tant pis j’aurais bien voulu voir "Pleasure of Molestation" et aller secouer le pit…
Dans la foulée, Loudblast fut la meilleure surprise du 'Fest pour moi (même si là encore je rate le premier quart d’heure à cause d’une halte trop longue au bar à pinard) : en 2004 je les avais vu deux fois et ça sentait le vieux groupe sur la fin, mais là putain on a retrouvé le grand Loud' : une set-list parfaite basée sur "Disincarnate" et "Sublime Dementia", et un Buriez retrouvé qui harangue le public a volonté : terrible !
Watain dans la foulée du dernier album : bien bon sur les premiers morceaux écoutés mais ça m’a saoulé au bout d’un quart d’heure (avec là encore un son moyen, problème récurent le Vendredi sous la Rock Hard Tent).
Le reste de l’affiche nocturne ne me disant rien (Marduk déjà vu et de toute façon, c’est un peu chiant en live), tout ça s’est fini à discuter autour de bières, blancs et rosés…

SAMEDI

Je zappe Dew Scented que j’aime beaucoup mais que j’ai déjà vu récemment à Lyon, ce qui me permet de dormir un peu pour une fois, et après un plat de pâtes à 11h30, direction le 'Fest. Là je marmonne en passant devant le mainstage et en y voyant cette merde fumante de Delain alors que des groupes comme Suffocation notamment sont relégués sous la tente, et j’arrive pour Obscura : un peu déçu. Marion va me tuer mais tant pis : ça joue incontestablement bien, mais encore une fois le son était à l’ouest et leur look beau gosse précieux avec long-sleeve moulant leur svelte silhouette (je n’ai pas dis gay mais je l’ai pensé) ne colle pas vraiment avec la musique, et puis c’était même pas Thesseling à la basse, merde !
Tankard mainstage ensuite : vite une chope de bière sur Tankard c’est obligatoire, leur Thrash second degré m’a toujours éclaté, c’est un peu là qu’ont commencées les conneries entre potes genre danser la gigue et gueuler n’importe quoi…
Anvil, regardé vite fait, leur Heavy / Thrash ne m’a pas fait une forte impression, alors direction la Rock Hard Tent pour se placer nickel pour Asphyx avec une tripotée de sommiens. Fantastique, grandiose, enfin le son est correct et les classiques s’enchaînent, que ce soit ceux du dernier album ("Scorbutics",…) ou plus vieux ("Asphyx",…). Un seul bémol : l’absence impardonnable de "Streams of the Ancient Wisdom", absence dont je me suis immédiatement plaint auprès du bassiste quand je l’ai croisé.
Dark Funeral, nos amis de Dark Fufu souvent objet de railleries diverses, et bien c’était juste énorme. Cette fois-ci, le son puissant était bien au rendez-vous et le nouveau batteur Nils Fjellström va aussi vite (ce qui n’est pas peut dire) que Matte Modin : impressionnant de puissance et de vitesse, je ne vois que Kolias pour être à ce niveau là. Masse Bromberg toujours vindicatif au chant et Lord Ahriman martelant ses riffs avec une foi inébranlable. Si certains trouvent les armures sur scène ridicules, moi je trouve que ça colle bien au concept guerrier / Satan.
Pas facile pour Sadist de remplacer au pied levé une légende comme Atheist, mais les italiens ont relevé le challenge avec brio, le côté un peu alambiqué des compos passe très bien car alterné par des parties plus directes. Leur bassiste Andy est un putain de tueur comme le disait Walt et leur chanteur Trevor a beaucoup de charisme : il n’est pas sans rappeler l’ancien chanteur de Origin James Lee. Dommage toutefois que les morceaux compliqués de "Tribe" ne puissent pas tous être joués en live, ou alors c’est une grosse faute de goût.
Candlemass a causé la perte partielle de ma voix. Putain mais pourquoi des refrains qui se retiennent aussi facilement aussi ! Ah c’est malin de chanter à tue tête en duo avec mon guitariste "Mirror Mirror", "Emperor of the Void" ou "Hammer of Doom"… Juste énorme.
Twisted Sister j’ai un peu merdé, je croyais que c’était la fin alors qu’il en restait pas mal, du coup on chantait "I Wanna Rock" à distance en partant au bar à vin pensant que c’était la fin alors qu’il restait pas mal de temps…
Immortal : bof. Musicalement c’était au point, mais ça faisait un peu groupe parodique, quelques pauses ridicules, je sais pas, ça fait un peu les Kiss de l’extrême.
Du coup direction la Rock Hard Tent (70% de mes concerts de sont déroulés là-bas) pour My Dying Bride : bien mieux la nuit que le jour comme en 2008, mais Aaron fait vraiment trop de cinéma à se rouler par terre et tout. Très théâtral, un peu trop mais bonne prestation quand même.
Alice Cooper : regardé de la buvette, il a de beaux restes le vieux quand même, il est loin de faire pitié et assure encore comme un chef !
Le clou de la soirée : Carcass (répare, Carcass remplace), beaucoup mieux qu’en 2008, plus pro, plus au point, un Walker plus teigneux au chant, et une putain de set-list avec "Necroticism" en entier quoi ! Et les images sur l’écran pour accompagner hé hé, fallait pas être en train de manger pour la dissection finale.
Journée difficile pour moi avec juste une assiette de pâtes comme aliment solide dans le ventre.

DIMANCHE

La journée finale fut un grand n’importe quoi pour moi, en grande partie à cause de l’arrivé d’Yvan et surtout de son calva et son pommeau… Une fois de plus en retard (panne de réveil), je croise heureusement DirtyHarry qui me prend en stop et me fait gagner les 10 minutes qui me feront arriver pile pour le début de General Surgery (merci bien vieux !). Ça secoue dès le matin ha ha ha, pas grand monde, au moins on pouvait se placer et les mecs s’éclataient complètement sur scène avec leur Death / Grind Carcassien au gros son swedish, très bon là aussi.
C’est là que tout est parti en couille : direction le camping pour calva et pommeau de 12h à 14h, et encore heureusement que je voulais pas rater Decapitated, sinon je ne sais pas quand ça se serait terminé, les deathsters polonais donc : son correct, pour un Death simultanément violent et technique bien maîtrisé, les mecs avaient l’air très content d’être là, le chanteur a même plongé dans le public à la fin. Juste certains morceaux un peu éprouvants et branlette sur la fin.
Ma grosse déception du 'Fest : l’annulation de Dying Fetus. Du coup, on se rabat sur UDO juste pour voir, et là surprise c’était énorme. Autant un mec comme Halford a perdu sa voix, le père Dirkschneider hurle encore comme un damné, cette boule de nerf allemande est vraiment impressionnante malgré un âge qui commence à être avancé.
Dans la foulée, on décale juste un peu sur la droite pour Behemoth. Pas le temps de prendre un verre, merde ! Mais heureusement je croise Jesus de Offending avec un pichet de Grimbergen, et même s'il est pas communiste on a partagé ouf ! Behemoth ultra pro, ultra carré, on ne peut rien dire de plus, juste peut-être un peu trop de froideur et un léger manque de folie, mais quelle maîtrise hallucinante !
Ensuite, on bat le rassemblement sur les bars à vins avant Suffocation tout en traitant de PD ceux qu’on croisait et qui se dirigeaient vers Stone Sour… Suffocation comme de coutume absolument terrifiant, set-list terrible (même si manquaient quand même quelques morceaux de "Effigy of the Forgotten"), et pit en fusion comme jamais. Mais quand même, il faudra expliquer deux choses à Franck Mullen : 1. On s’en branle de sa vie, 2. Le public français ne comprend rien à l’anglais, surtout avec son accent ricain incompréhensible. J’ai perdu mes dernières bribes de voix sur le morceau "Breeding the Spawn" …
Exodus : écouté quelques morceaux, m’en branle un peu, "Bonded by Blood" en entier ouais cool, mais c’est sans Paul Baloff de toutes façons, du coup bar à vin et concours de rosés cul sec avec un normand et un breton : ils se débrouillent bien, mais l’auvergnat leur met quand même la misère, désolé !
Avec ces conneries, je rate le début de Nile, mais ce que j’ai vu était terrible. En arrivant, je vois pourtant un crâne luisant chanter et j’ai cru que je m’étais planté. En fait, Toler-Wade est désormais chauve… ouch ! "4th Arra of Dagon" en concert, bam "Papyrus...", un show dans la moyenne du groupe : excellent !
Bloodbath comme bouquet final, avec un Åkerfeldt blagueur et des morceaux qui pètent, la set-list, je sais pas, je commençais à être bien ivre, j’ai adoré et c’est l’essentiel. Rien à battre de Kiss, donc direction le Metal Corner pour manger un bout et finir de s’alcooliser en beauté. Je me demande comment on s’est pas fait cogner dessus en traversant le 'Fest rempli de gens maquillés avec des étoiles ou des moustaches de chat sur la gueule en hurlant : Kiss is gay, Kiss my ass, Kiss c’est des PD ! Juste quelques remontrances qu’on a d’ailleurs totalement ignorées, on est cons parfois…
Je crois que de 3 à 5 heures du mat' on était au camping à se torcher au calva en élaborant déjà nos live-reports persos dans un bilan du week-end. Une dernière vautrée sur cette putain de butte de merde qui me cause problème chaque année et la coupe était pleine, c’est plus de mon âge ces conneries...
Bon allez, si je peux et que l’affiche comporte des bons trucs, je reviens l’an prochain.

Live-report réalisé par BeerGrinder

LA SECONDE VAGUE DU BLACK METAL ET SES ACTEURS SCANDINAVES

2010-05-10T18:30:00.001+02:00

Chers blackeux, chères blackeuses, et à tous les autres, bien l'bonjour !

C'est avec force hardes en cuir, cartouchières, bracelets à pointes, chaines et corpsepaints que la bande des Trve Blyon vous invite en sa demeure craspec et rongée par les pires remugles des territoires sataniques pour vous conter fleurette sur la seconde vague du Black Metal.
Un programme pernicieusement méphistophélique que saura vous satisfaire, nous n'en doutons point, pour peu que vous vous pointiez pour les bonnes raisons.

Vous voulez vous imaginer brûler vif dans l'incendie de la Stavkirke de Fantoft en bouffant du cureton grillé en brochettes ?
Vous vous attendez à frissonner au récit des exploits meurtriers perpétrés par les tristement célèbres Bård "Faust" Eithun et Kristian … pardon, Varg (c'est vrai que Kristian, ça fait pas très trve ivol, soit dit en passant) Vikernes ?
Vous guettez fébrilement les confessions du second cité, alias ce monsieur le Conte Grishnackh, à sa sortie de tôle ?
Vous espérez savoir si ses nuits sont hantées par le fantôme d'un certain Øystein "Euronymous" Aarseth à qui il a lâchement taillé une boutonnière ?
Vous crevez d'impatience à l'idée de vous secouer la nouille en lisant l'exposé anal-ytique de ses déclarations pro-aryennes ? …

… Dans ce cas, passez directo votre chemin car ici, on n'est pas chez les Seigneurs du Chaos. On est chez les Trublions, alors ça jacte musique et uniquement musique, qu'on se le dise !

Certes, les évènements précédemment mentionnés se devaient d'être très brièvement rappelés, ne serait-ce que pour le rôle non-négligeable qu'ils ont joué dans la renommée du Black Metal et l'aura de certains de ses principaux protagonistes norvégiens de la première moitié des années 90, au travers d'un incommensurable abattage médiatique, déchaînant les passions autant que les élucubrations les plus illuminées, provoquant d'incessantes guéguerres intestines entre les pro-Grishnackh et les pro-Euronymous aussi misérables que les vulgaires batailles de cours de récré opposant les pro-Nike aux pro-Adidas.

Mais inutile de s'y appesantir plus que cela, l'importance artistique de cette période mouvementée résidant fermement dans l'expression musicale d'un genre qui tend alors à une résolue diversification en même temps qu'il se définit de manière précise, ciselant finement ses contours qui étaient encore bien flous à l'issue des années 80 et de la première vague que nous vous avions présenté dans une précédente sélection.
Après l'embryonnaire croisement entre Heavy, Death et Thrash, le début des années 90 voit le Black Metal s'extirper de sa chrysalide et se distinguer en courants nettement circonscrits intégrant à dose variée de multiples éléments mélodico-esthétiques, ralentissant le tempo ou au contraire renforçant la rapidité fiévreuse, l'aspect cru et sale qui caractérisait l'âme de la première vague.
C'est à partir de là notamment que s'impose l'appellation "True Black" échue à un style purement chargé de l'essence originelle, par opposition au Black dit symphonique, atmosphérique, ambiant ou encore Pagan, s'éloignant de l'impitoyable rudesse primitive pour revêtir un habillage plus harmonieux et séduisant … plus commercial diront beaucoup.

Notre présente sélection à la visée historique entend non seulement présenter les acteurs fondamentaux de la seconde vague, mais aussi et surtout se concentrer sur la genèse de ces différents courants, et le choix de la délimitation temporelle et géographique en est ainsi justifié.
Aux années où ont émergé tous les Nokturnal Mortum, Lucifugum, Negura Bunget, Graveland, Skyforger, Celestia, Blut Aus Nord ou autres Xibalba, Havohej, Black Funeral et Judas Iscariot en diverses contrées de par le monde, l'essentiel avait déjà été accompli dans le bouillonnant Grand Nord de l'Europe, en Norvège majoritairement, bien que les voisins suédois et finlandais ne furent pas en reste en termes d'effervescence, loin de là.
Chacun pourra également regretter l'absence de formations telles que les grecs de Zemial, les tchèques de Master's Hammer et Maniac Butcher, ou les nippons de Sigh et Abigail, établies aux heures de la tempête scandinave (voire avant), mais le modique impact des uns n'a d'égal que la singularité et l'atypisme prononcé des autres, tous étant malheureusement passés plus ou moins inaperçus à l'époque et ce malgré leurs indéniables qualités. A charge de revanche, car nul doute que ces groupes seront tôt ou tard mis à l'honneur (réhabilités ?) à l'occasion d'une future sélection.

Enfin, le Black Metal étant, comme toute culture, voué à évoluer et ce autant pour le meilleur que pour le pire, nous vous proposons dans la dernière partie de notre article de retracer l'intégralité du parcours de deux groupes choisis de par leur destin entremêlé et leur réussite artistique divergente, ce second point restant subjectivement trublionesque … si vous voyez ce qu'on veut dire … en gros, satisfaits ou allez vous brosser, comme dirait l'ami BG.
Dimmu Borgir, Old Man's Child : deux groupes issus des profondeurs obscures de l'underground puis élevés jusque sous le feu des projecteurs, deux exemples de transition de la seconde vague vers le Black du troisième millénaire.

Sur ce, nous vous laissons à vos pérégrinations en ces lieux où crépite le démoniaque brasier des tréfonds des Enfers et souffle le glacial blizzard des terres nordiques. De notre côté, nous avons d'autres nonnes en chaleur à fouetter.

Bon vent !

Dire que l’explosion de l’ogive "A Blaze in the Northern Sky" balancée par l'armada darkthronienne au crépuscule de l’an 1991 a fait un bon paquet de victimes est un doux euphémisme. Si l’on s’amuse à légèrement grossir le trait, l’on peut remarquer que lesdites victimes se répartissent en deux catégories : les consentantes, celles qui s’agenouillèrent devant l’irrésistible puissance du froid et grésillant TNBM (True Norwegian Black Metal) et en perpétueront la tradition à travers les âges, et les collatérales, celles qui se retrouvèrent bien involontairement éclipsées par le souffle dévastateur du skeud en question. La scène Black Metal finlandaise du tout début des années 90 se situe dans cette seconde catégorie. Et pourtant …

Bien que constituée d'un contingent fort réduit, elle n'en compte pas moins en ses rangs certains belligérants de la trempe la plus haineuse et meurtrière qui soit, perpétuant directement l'originel brasier de l'Enfer des pionniers de la première vague. Impaled Nazarene, Archgoat, Beherit, soit trois héritiers des formations les plus radicales et blasphématoires des années 80, n’ayant cure d’une quelconque retranscription musicale et conceptuelle des cultures païennes, des vallées enneigées, des fjords et autres incommensurables forêts du Grand Nord. Pour eux, seule compte l’annihilation, brutale et sans fioriture. Philosophie bas-du-front et approche minimaliste, s’il en est, mais au combien efficaces dans leur implacable vision nihiliste, chacun agissant selon sa propre méthode d'ultraviolente pénétration des voies du Seigneur.

Impaled Nazarene : shooté d’un Punk Hardcore corrosif et virulent, style qui faisait déjà partie des influences premières de Bathory et Hellhammer, rappelons-le.

Beherit : reprenant les hostilités là où les avaient laissées les brésiliens de Sarcofago avec leur "INRI" de 1987, soit un art Black Metal chaotique et sans pitié, encore ancré dans ses racines Death / Thrash.

Archgoat : campant un pied fourchu sur les territoires de Beherit, l’autre sur ceux de Blasphemy, dans un rendu lourd et poisseux qui leur vaudra souvent d’être qualifiés de Black / Death, bien que le riffing minimaliste demeure purement Black. D’ailleurs, le groupe ne s’autoproclame-t-il pas jouer du "Raw Black Metal since 1989" ?

A méditer… Pour l’heure, place au valeureux soldat Beherit…

BEHERIT - The Oath of Black Blood (1991)

Beherit fût auteur en 1990 d'une série d'enregistrements crachant, vomissant une pure sauvagerie de metal extrême prenant sa source impure dans les vinyles tradés de chez Cogumelo Produções (Vulcano, Holocausto, Sepultura, Sextrash et bien sûr Sarcofago, l'influence principale de Beherit), dont le trio Marko "Nuclear Holocausto" Laiho (guitare & chant) / Demon Fornication (basse & chant) / Jari "The Last Slaughter" Pirinen (batterie) s'est abreuvé depuis sa formation l'année précédente sous le nom de Pseudo Christ.
Deux de ces enregistrements, la démo "Demonomancy" et l'EP "Dawn of Satan's Millenium", se retrouveront compilés tels quels sur leur pseudo-premier album "The Oath of Black Blood" par Turbo Music en 1991, sans réenregistrement ni retouche aucune, la légende voulant que le groupe ait dilapidé l'argent avancé par le label, initialement prévu pour la mise en boîte d'un vrai premier album, en un excès de réjouissances bien peu catholiques telles que l’alcool et les putes. Vérité ou affabulation ? Chacun se fera son opinion, d’autant que Turbo Music n’a pas jugé utile de prévenir le groupe quant à la sortie de l’objet. En tous cas, des excès en tous genres, "The Oath of Black Blood" n'en manque pas. Il en regorge, même, avec sa production ultra-raw, sa fibre occulte, ses morceaux joués en conditions live, brut de décoffrage, renforçant l'impétueuse sensation d'urgence. Faut que ça sorte, faut que ça broie, faut que ça débite en morceaux, faut que ça réduise en cendres.
Une rage dévastatrice se dégage des brulots "Metal of Death", "Goat Worship" et "Hail Sathanas", enchaînant leurs riffs sans temps mort, fusant dans tous les sens, expédiés en moins de 2 minutes chrono avec un blast ininterrompu. Une folie incontrôlée s'empare des soli aussi concis que déchiquetants. Une folie et une rage intensifiées par des "Grave Desecration" et "Beast of Damnation" où le tempo s'alourdit et l'atmosphère s'épaissit au détour de quelques breaks, décuplées par le jaillissement de toiles morbides (les ouvertures de "Witchcraft" et "Hail Sathanas") et de vocaux primitifs, éructés en des grognements bestiaux ou exhalés en un souffle méphitique.
C'est brouillon, c'est parfois difficilement audible, ça n'a plus grand-chose d'humain, mais l'impression générale qui prédomine est surtout celle d'un effroyable chaos orchestré sur les territoires de Satan en personne, dont le nom syrien n'est autre que … Beherit !
Chacun des deux enregistrements constituant "The Oath of Black Blood" (dont le "Dawn of Satan's Millenium" qui sera source d'inspiration pour l'EP "Angelcunt" de Archgoat) est initié par une intro ambiante à forte charge sulfureuse et occulte, "Intro: Temple" avec ses stridences insidieuses, puis "Black Mass Prayer" avec ses chœurs sinistres et ses sons de cloches inquiétants. Une remarque intéressante dans le sens où cette manière de procéder, cette "mise en scène" est une sorte de gimmick que l'on retrouve régulièrement dans plusieurs œuvres extrêmes de l'époque telles que "Fallen Angel of Doom" (premier album de Blasphemy en 1990), "A Blaze in the Northern Sky" (avec l'ouverture de "Kathaarian Life Code", 1991), "Wrath of the Tyrant" (la seconde démo de Emperor, 1992) et le "Angelcunt" de Archgoat (encore eux ! ), avec sa fameuse "Invocation" (qui sera reprise sur les deux albums).

Une touche ambiante initiée sur "The Oath of Black Blood" et nettement accentuée sur le premier véritable album du groupe "Drawing Down the Moon", sorti en 1993 chez l'écurie-maison Spinefarm. Marko Laiho se sépare de ses ouailles Demon Fornication et The Last Slaughter (respectivement remplacés par Black Jesus et Necroperversor) et fait évoluer la musique de Beherit vers une expression metal plus lourde et pesante, laissant de l'espace à des nappes et effets de synthés empreints d'une dimension ésotérique, cosmique et sibylline, ne conservant de lien étroit avec "The Oath of Black Blood" que par les vocaux inhumains aux résonances d'outre-tombe et l'atmosphère occulte, fortement appuyée, si bien que chaque morceau, des morbides "Nocturnal Evil", "Down There…" et "Werewolf, Semen and Blood" aux mystiques "Nuclear Girl" et "Summerlands" en passant par l'incantatoire "The Gate of Nanna", apparaît comme la nouvelle étape d'un rituel wiccan.
"Drawing Down the Moon" fait de Beherit l'un des précurseurs du Black Ambient, aux côtés de Burzum et Abruptum, mais dans une veine différente. Point de dépression ni d'austérité maladive dans la facette ambiante des finlandais qui exploitent des ressorts purement occultes, les plus obscurs qu'il soit.

Un petit retour aux sources d'un Black Metal raw via l'intermède "Messe des Morts" (1993, réédité 6 ans plus tard sous forme de split avec le … "Angelcunt" de Archgoat), et voilà que Marko Laiho se retrouve seul aux commandes de la messe noire pour entamer un surprenant virage electro / ambient minimaliste, avec deux albums, "H418ov21.C" (1994) et "Electric Doom Synthesis" (1995), toujours chez Spinefarm mais n'ayant de lien avec le Beherit originel que leur empreinte ritualiste. Deux albums très controversés et qui en feront grimacer plus d'un.
S'ensuivront 14 années de silence avant que Beherit ne célèbre son retour au Black Metal rugueux, sulfureux et ambiancé avec un "Engram" de bonne tenue (2009), retrouvant le Jari Pirinen (Sodomatic Slaughter) des premières heures, et recrutant au passage un certain Ancient Corpse Desekrator qui n'est autre que l'expérimenté boss de Spikefarm (la branche extrême de Spinefarm), Sami Tenetz. Ah, la grande famille du metal finlandais …

IMPALED NAZARENE - Tol Cormpt Norz Norz Norz (1992)

Impaled Nazarene, c’est d’abord une histoire de famille : Mika (chant) et Kimmo (batterie), les deux frères Luttinen s’entourent d’un collège guitariste et d’un autre bassiste au début des années 90 et la bête est née. Après une démo et quelques concerts, notamment avec leurs légendaires compatriotes Beherit, leur carrière va rapidement prendre un virage important. Grâce à la démo "Taog Eht Fo Htao Eht" (1991), les finlandais captent l’attention d'Hervé Herbault qui tente de faire décoller son jeune label Osmose Productions. Dire qu’il a eu le nez creux à cette époque est un euphémisme, puisque en plus de signer les finlandais, il prendra aussi sous son aile Immortal et Marduk.

Quoi qu’il en soit, le premier album "Tol Cormpt Norz Norz Norz" (1992) détonne dans ce monde métallique extrême dominé par un Death Metal au sommet de sa forme, d’ailleurs on en retrouve ici quelques influences, notamment au niveau du chant de Mika qui pousse quelques growl assez monstrueux. On se demande d’ailleurs pourquoi il ne continuera pas sur les réalisations suivantes. Alors pour la description du style pratiqué par cette bande de furieux, pas si évident de répondre mais je vais vous la faire façon recette de cuisine : prenez le côté minimaliste et blasphématoire de Beherit, mettez une bonne dose de Punk, rajoutez un gros côté SM dans les paroles et certains interludes, versez une légère touche Death Metal, remuez le tout avec un crucifix maculé de sang, mettez au four (crématoire) pendant 30 minutes et vous obtenez une galette de Black Metal crue et sauvage qui fait un gros "Fuck" à l’establishment (et à vous tous aussi bande de connards !) à chaque instant.
Après l’étrange intro "Apolokia" et la voix avec delay de Mika Luttinen, "I Al Purg Vonpo" surgit tel un troupeau de punks dans un magasin de porcelaine. Grind ? Black ? Les deux mon capitaine, en tout cas ça ne fait pas dans la dentelle et ça rebutera vite fait les inconditionnels du Gay Metal. Les courts interludes rajoutent encore à l’aspect Satan Worship de ce disque : Sex, Satan and Rock’n’Roll ! Le très occulte "Goat Perversion" et son interminable partie centrale sans musique est un régal, la vénération du Malin la plus totale s’exprime dans ces grognements inhumains.
Certes, les musiciens remarqueront aussi sans peine et sans doute parfois avec un peu de mépris, que les riffs de guitares sont simplistes, que la basse se contente d’un accompagnement bateau, que le batteur ne place aucune partie spécialement technique ni de blast écrasant à la Suffocation,… tant pis pour eux, qu’ils aillent au diable ! Ou plutôt qu’ils retournent à l’église avec leurs potes enfants de chœurs ! Impaled Nazarene ne joue pas de la musique pour musiciens, Impaled Nazarene joue de la musique pour Satan et ses adeptes. D’ailleurs, quel morceau hommage que "Condemned to Hell" : un riff Death / Thrash frénétique soutenu par le chant dégoulinant (et avec beaucoup de reverb, il faut avouer) de Mika, suivi de guitares écrasantes rappelant Hellhammer, énorme et suprême.

Impaled Nazarene a indéniablement apporté une patte toute personnelle à la scène avec son côté "Punk sataniste extrême", faisant de" Tol Corpt Norz Norz Norz" une pièce particulière et ultime, tel Celtic Frost ou Bathory jouant à 200 à l’heure et faisant un gros Fuck au monde entier avec une veste à patches sans manches par dessus le bombers, des chaînes, une cagoule en cuir et un tatouage no futur… Jusqu’à la dernière seconde du morceau final, le combo vomit sa haine des masses naïves et dociles, soumises au fléau de la chrétienté. "Damnation (Raping the Angels)" n’est d’ailleurs qu’une violente déflagration de plus de 4 minutes et seulement deux riffs, provoquant une transe incontrôlée donnant envie de péter tout ce qui se trouve dans la pièce, et la cerise sur le gâteau, ou plutôt le crucifix dans l’orifice, est sans conteste la phrase finale répétée plusieurs fois afin de bien se faire comprendre : "I was homosexual partner of Jesus Christ", une finesse et une classe digne de Max Pécas, quoi.
Voilà donc un disque bien crasseux : antichrist, antimélodie, antigay, antitout, antitane même ! En gros, si je voulais dégoûter une tafiole venant de découvrir le Metal et adorant Epica ou Gojira, je lui ferais écouter direct "Tol Cormpt Norz Norz Norz", efficacité garantie sur facture.

Les réalisations suivantes, bien que toujours dans une veine Black / Punk direct et vindicatif, ne comporteront pourtant pas ce côté très occulte et déchainé de ce premier full-length. Entendons-nous bien, "Ugra-Karma" (1993) et "Suomi Finland Perkele" (1994) sont des excellents disques et contribueront d’ailleurs à faire la renommée de la bande à Mika Luttinen, mais seul "Tol Cormpt Norz Norz Norz" a cette pincée de folie qui fait la différence.
Dans tous les cas, Impaled Nazarene a su dès le début des années 90’ façonner un Black Metal très personnel, même si il n’a pas été copié jusqu’à l’overdose comme ceux de Emperor et Darkthrone.
The True Worshipper Obeys Lucifer, Total War-Winter War !!!!!!

ARCHGOAT - "Angelcunt (Tales of Desecration)" (1993)

En 1991, une ogive explosa en Scandinavie. A "Blaze in the Northern Sky" devint le représentant numéro un du Black Metal norvégien. La foule d'artistes locaux qui suivirent furent aux premières loges d'une nouvelle ère pour le genre et provoquèrent moult passions qui se répandirent à travers l'Europe. De nouveaux adeptes naquirent, certains ne jurant que par ce phénomène, parfois séduits par la nouvelle approche musicale ou tout simplement téléguidés par une médiatisation de plus en plus abondante, davantage liée aux actes des protagonistes qu'à la musique en elle-même.
C'est probablement par cette cause qu'une autre partie de la scène fut davantage occultée, un segment délivrant une autre approche du Black Metal, beaucoup plus lourde, beaucoup moins mélodique, mais pourtant tout aussi ancrée dans ses valeurs premières : misanthropie, occultisme, tempérament macabre et haineux.
Ainsi, la même année en Finlande (1991), sortirent deux œuvres phares : "The Oath of Black Blood" de Beherit, groupe aujourd'hui cultissime ayant inspiré bon nombre de formation à travers le monde, et "Jesus Spawn", première démo d'une autre entité locale : Archgoat.
Cet article est dédié au second, resté dans l'ombre de son compatriote au vu de son peu de constance, ayant splitté prématurément peu après la création de "Angelcunt (Tales of Desecration)". La raison ? Une scène BM de plus en plus grand public. Ca fait 100% trve, à chacun d'évaluer le potentiel culte/comique de cette anecdote.

Reste cet objet sorti en 1993 sur le label américain Necropolis Record pourtant bien plus fourni en productions scandinaves.
Dans un style très proche de Beherit auquel Blasphemy aurait pu injecter une dose d'inspiration non négligeable, Archgoat fait indéniablement partie de ces poids lourds créés pour tabasser. A des années lumières des productions crépitantes made in Norway, "Angelcunt" se veut donc très lourd, par son grain de guitare rocailleux conservant une petite pointe crachouillante dans les harmoniques plus hautes et son growl caverneux tenu par Angelslayer. Malgré un rendu sonnant assez Death Metal, l'art exploité reste un Black des plus raws et occultes.

Le groupe bloquant les outils de son atmosphère sur une fréquence en dessous de 2 Khz, ce monolithe aux riffs aussi peu aventureux qu'anti-mélodiques nous procure davantage l'image d'un cratère en fusion que d'une forêt enneigée à minuit. Poisseux, puant la sueur et le sang coagulé, "Angelcunt" n'hésite pas non plus à changer ses rapports : "Rise of the Black Moon" contient l'un de ces fameux low-tempo épicé d'un clavier discret cependant glauquissime. On retrouve également sur cet opus le titre culte "Jesus Spawn" et cette intro "Invocation" qui parcourra chaque début d'album studio du groupe.

"Angelcunt" franchement révolutionnaire ? Non. Plutôt une recette diablement intéressante et efficace possédant sa patte personnelle. Le tempérament extrême de "Angelcunt" fonctionne et s'inscrit à cette époque comme l'un des brûlots les plus occultes qui soit, se démarquant pour de bon de ses influences. Encore assez brouillon, il faudra attendre la reformation du groupe et la sortie du terrifiant "Whore of Bethlehem" en 2006 pour connaître l'apogée de ce groupe obscur. Un album dans la droite continuité de "Angelcunt" (au point qu'il serait impossible de deviner un tel laps de temps entre les deux objets) mais au style magnifié et à la production prenant une part active à la musique.
Aujourd'hui en quête d'une certaine évolution, "The Light-Devouring Darkness" (2009) marquera un léger tournant moins absolu, mais fidèle aux valeurs des finlandais.

On a tout dit sur Mayhem. Rumeurs, faits divers, vérités historiques, légendes savamment entretenues, le Black Metal a trouvé là son icône, bien que peu de blackeux peuvent se targuer de vraiment connaître l'envers du décor.

Nonobstant la vivace scène finnoise du début des années 90, et bien entendu la primauté de l’immense voisin suédois nommé Quorthon, certains se laissent aller à déclarer que la scène black scandinave doit tout à Mayhem. Après tout, le groupe norvégien avait déjà atteint son statut culte dès les années 80 : c’est d’ailleurs le seul groupe de cette sélection à déjà figurer dans Les Racines du Black, notre article précédent.

La seconde vague scandinave doit-elle donc tant que ça à ce combo obscur ? Et si oui, par quel biais ?

MAYHEM - De Mysteriis Dom Sathanas (1994)

Nous avions laissé Euronymous, son leader incontesté, à l’orée des années 90, au moment de la création de son propre label Deathlike Silence Productions (DSP) : monté avec les moyens du bord, d’abord insignifiant, ce petit label est tout de même lourd de symbole. Il démontre à quel point Euronymous, au-delà du folklore souvent excessif qui entoure Mayhem (et qui contribue à son image sulfureuse) se voit investi d’une mission quasi-mystique, à savoir entretenir le feu sacré d’un Black Metal qu’il est longtemps l’un des seuls à défendre en Norvège. De manière plus pragmatique encore, Euronymous ouvre une boutique spécialisée à Oslo (Helvete), qui sert autant de repère à ses adeptes que de distro diffusant les rares mais précieux sésames du Black Metal mondial. Mais nous y reviendrons plus tard.
Artistiquement, où en est Mayhem en ce début des nineties ? "Deathcrush", malgré son effet retentissant dans les tréfonds de l’underground Black mondial, est déjà loin derrière. L’ossature du groupe n’est pas très stable, et après les départs de Manheim et de Maniac, le line-up se stabilise avec deux recrues de choix : tout d’abord Jan Axel Blomberg, qui se fait surnommer Hellhammer. Batteur d’excellent niveau, celui-ci officie déjà dans un petit groupe avant-gardiste nommé Arcturus. Au niveau du chant, élément essentiel chez Mayhem, la recrue se nomme Per Yngve Ohlin, alias Dead. Jeune homme renfermé, à la personnalité instable et inquiétante, il apporte à sa façon sa pierre à l’édifice étonnant qui continue de se construire autour de Mayhem. Euronymous ayant poursuivi son travail de composition, avec une inspiration grandissante toutefois, Mayhem se retrouve avec le matériel suffisant pour répandre son message haineux et désespéré. Avec des morceaux de la trempe de "Freezing Moon", "Funeral Fog" ou encore "Buried by Time and Dust", le groupe va défendre dès 1990 une vision forte du Black Metal, encore matinée de l’héritage des années 80, mais également de plus en plus détachée des standards Thrash / Death, au profit d’une atmosphère toujours plus occulte et décharnée. Le travail de sape de Mayhem se fait au travers de prestations scéniques réputées légendaires, la force funéraire de sa musique se trouvant renforcée par le comportement ultime et habité de Dead. Cette période assez courte assoit définitivement la légende de Mayhem. Allant plus loin que tous ses prédécesseurs, le groupe incarne le Black Metal érigé en art de vivre. Il ne s’agit plus d’un style, mais d’un sacerdoce envers le mal et l’obscurité, quitte à divorcer définitivement d'avec son cousin le Death Metal, musicalement mais surtout dans l’attitude. La tournée de 1990, incluant notamment ce fameux passage à Leipzig, est celle d’une première apogée, l’acte de naissance du groupe en tant qu’égérie ultime du Black Metal, qui inquiète, fascine, déroute. Le style, jusque là peu reconnu et mal défini, devient pour la première fois dangereux, tant il semble prendre possession des membres de Mayhem, tant sa force musicale semble prendre sa source dans des racines inhumaines et démoniaques. Mayhem n’invente pas le Black Metal, il est simplement le premier à l’ériger en religion, dont la composante musicale n’est qu’un levier. Composante qui va être mise en stand-by d’ailleurs, au détriment de la rubrique fait divers, hormis le développement de DSP.
Le suicide de Dead, au printemps 1991, n’est que le début d’une succession d’évènements qui va amplifier le mythe d’une manière exponentielle. Mise en scène et utilisée à bon escient par les autres membres du groupe, la mort de son chanteur culte amorce une course sans fin, un jusqu’au-boutisme qui entremêle idéologie et volonté de choquer. Histoire d’aller toujours plus loin, le groupe multiplie les frasques de manière à peine anonyme au sein du fameux Inner Circle, période trop bien connue pour être développée ici. C’est en tout cas sur fond d’incendies d’églises et de provocations en tout genre (envers le Black finlandais, le Death Metal, les chrétiens,…) que "De Mysteriis Dom Sathanas" (DMDS) voit sa genèse, avec le terrifiant Attila au chant (vocaliste du fameux Tormentor – voir les Racines du Black), et le jeune Varg Vikernes à la basse, fondateur de Burzum, qui compte déjà deux albums publiés par DSP sous la houlette bienveillante d’Euronymous.
Alors que le Grand Mayhem s’apprête à sortir le disque qui doit confirmer le statut de leader du Black norvégien, déjà acquis extra-musicalement, Euronymous meurt assassiné. Varg Vikernes est condamné à la prison pour ce meurtre, et la mort de son leader incontesté semble incarner la fin du groupe.

DMDS sort quelques mois plus tard, de manière posthume pourrait-on dire. Le contexte enveloppe incontestablement le disque d’une aura unique. Mais le contexte n’est qu’un aléa, la réalité musicale est implacable : Mayhem signe un disque de génie. Composé de morceaux anciens encore mâtinés d’un Black primitif et de compositions plus récentes d’une pureté incontestable, le disque tranche également avec la concurrence (déjà féroce en cette année 94), par le biais d’un chant complètement atypique. Oscillant entre vociférations infernales et envolées plaintives et possédées, Attila transmet un frisson mortuaire indéniable.
Remarquablement exécuté par des musiciens désormais confirmés, DMDS cumule vélocité et puissance, froideur et émotion, odeur putride et grandeur mystique. Après des années de tâtonnement musical, Mayhem est parvenu à ce miracle que seul le Black Metal peut engendrer : une atmosphère tellement immersive qu’elle en devient dérangeante pour l’auditeur, mais tellement jouissive. A croire que Mayhem fût réellement possédé, la seule écoute du titre éponyme final suffit pour s’en convaincre.

L’après-Euronymous paraît d’abord inconcevable. Pourtant, Hellhammer va rechercher les deux autres membres historiques encore vivants, Maniac et Necrobutcher, et remet Mayhem en scène quelques années plus tard. Seulement, le pari est osé. Mayhem est allé tellement loin que sa légende s’est nourrie de ses excès : la mort de Dead, l’assassinat d’Euronymous, l’emprisonnement de Vikernes, l’Inner Circle….le culte de Mayhem est funéraire, de l’idolâtrie posthume, pas un mythe vivant. La reformation paraît donc mal engagée. Certains avis sont déjà tranchés avant même de laisser sa chance au nouveau Mayhem qui, pour beaucoup, ne sera jamais le Vrai, le Grand.
Dommage pour ceux là, car avec "Wolf’s Lair Abyss" (1998), à défaut de retrouver la force mortuaire et glacée de DMDS, Hellhammer et ses acolytes prouvent au moins leur capacité à pondre un Black puissant, ravageur, au côté extrême indéniable. Le coup reste toutefois isolé, car avec "Grand Declaration of War", celui qui fût le chantre du True Black vient carrément prendre tout le monde de contre-pied…suivant le pas d’autres historiques norvégiens (Arcturus notamment), Mayhem ose le sacrilège de sortir des standards sacrés du True BM. GDoW est à juste titre associé à cette nouvelle vague dite post-black qui, si elle n’abandonne pas l’esprit du style, n’hésite pas à aller piocher dans d’autres registres. Pour Mayhem, cela passe par un son très particulier, froid et presque synthétique, cinglant mais plutôt propre et produit (blasphème ! ), avec un univers qui souvent désarçonne, allant chatouiller des territoires presque Indus. Décharné, distordu, désarçonnant, le disque ne génère aucune réaction mesurée : on crie au génie ou à la trahison. Pour peu que l’on ne se laisse pas impressionner par des premières écoutes déconcertantes, ou polluer par la pensée unique de la frange orthodoxe du public Black, on doit reconnaître tout de même que le Mayhem vivant a encore du talent à revendre. Dix ans après les vrais débuts du mythe, Mayhem prouve une fois de plus qu’il n’est pas qu’un groupe parmi tant d’autres, mais qu’il continue à rester à part, y compris en écornant son image chez pas mal de ses ex-fans.

On imagine toutefois que le courage musical n’a pas forcément payé. La période qui suit est un peu incertaine, et le très neutre "Chimaira" (2004), qui semble ne pas vouloir choisir entre le post-black de GDoW et les racines plus classiques du groupe, marque la fin de l’aventure pour Maniac. Mayhem semble traverser les années 2000 avec l’ombre pesante de son passé, sans être en mesure de l’assumer.
Le retour d’Attila sur le tortueux "Ordo Ad Chao", 13 ans après DMDS, est plutôt bien accueilli. Là encore, en proposant un Black minimaliste et introspectif dans une veine novatrice (Deathspell Omega, Blut Aus Nord) qui semble pouvoir donner une alternative au Black Metal, Mayhem confirme sa propension à rester à la pointe du combat. Et c’est tant mieux.

Mayhem, Darkthrone, ou encore Immortal...on pourrait sonder bon nombre de metalheads sur les fondateurs du Black Metal, il est à peu près certain que ces trois là recevraient un plébiscite. Si cette idée reçue est aussi vivace, c'est bien que ces chefs de la meute norvégienne ont quand même posé des bases évidentes et reconnues. Lorsque le Black Metal évoluera sous des formes multiples, ces fondamentaux resteront ancrés et brandis, incarnant le refuge immortel du "vrai" Black Metal norvégien. Ses évangiles se nomment "A Blaze in the Northern Sky" – La Mort - (ou la spectaculaire conversion du plus grand groupe de death metal norvégien à la nouvelle religion prêchée par Mayhem), "Pure Holocaust" – Le Froid-, ou encore "Pentagram" – L'Enfer-, le quatrième étant celui de sa propre tête pensante, "De Mysteriis Dom Sathanas", peut- être le plus introspectif, dont nous avons déjà parlé. Refus de tout rapprochement avec le Death Metal, de tout compromis musical qui ne serait pas cohérent avec cette idéologie artistique globale autour du Black Metal (pas de claviers, dépouillement des structures, création transcendantale et introspective)...partons à la découverte de ces évangiles incarnant la pureté du vrai Black norvégien.

DARKTHRONE - A Blaze in the Northern Sky (1991)

Darkthrone est auteur d'une saga culte. La plus culte, au point qu'une aura s'est définitivement formée autour du groupe et l'a placé à tort ou à raison sur le trône du Black Metal norvégien. Pourtant issu au départ d'une scène Death scandinave au son proche des standards de l'époque tels "Left Hand Path", leur proximité avec un certain Øystein Aarseth et l'impact que ses idéaux eurent sur Gylve Nagell (Fenriz), batteur, et Ted Skjellum (Nocturno Culto), guitariste, bassiste et chanteur - accompagné de Zephyrous comme deuxième guitariste à cette époque - aura lancé un groupe qui, sans quoi, serait probablement resté dans l'ombre de Entombed, Grave ou Dismember le restant de sa carrière.
"A Blaze in the Northern Sky" fut l'un des plus gros bouleversements que la scène scandinave ait connu. La saga commence ici, par un virage aussi brutal que salvateur pour ses géniteurs, d'un Death typiquement nordique à l'un des brûlots les plus monumentaux de toute la scène Black. Dans l'attitude, "A Blaze in the Northern Sky" n'est pas sans rappeler celle du Punk. Une production laissée volontairement brouillonne concordant directement avec cet esprit vicieux, cet étalage de haine mais aussi cette démonstration de feeling. Labellisé chez Peaceville, qui deviendra tout aussi culte que le groupe pour avoir participé activement à son développement, "A Blaze" pour les intimes se reconnait dès les premières secondes, cette intro devenu mythique de "Kathaarian Life Code" se définit de nos jours comme l'étendard même du Black Metal de la seconde vague. "A Blaze" est une succession de titres qui, ensemble, forment un violent crachat au visage, d'un graillon plus noir et grumeleux que le pétrole le plus brut. Un grain écorché et une production sèche très garage, un répertoire de riffs dégoulinant de crasse et de sang desquels les larsens s'échappent en toute liberté, les vocaux arrachés de Ted... les ingrédients sont là et déjà magnifiés. On appréciera aussi ce passage par l'école du Death assez technique qui aura sûrement permis aux musiciens de garder une solide maîtrise de leurs instruments.
"A Blaze in the Northern Sky" est un chef d'œuvre incontestable, une référence en matière de haine et d'odeurs infernales. Et le mieux : le groupe ne s'est pas reposé sur ses lauriers par la suite.

1993 : Under a Funeral Moon

Il n'aura fallu qu'à peine un an pour que le groupe ne signe son deuxième méfait, depuis les sessions de répétitions de "A Blaze" devenues de véritables messes noires et exutoires pour le groupe, où l'aura diabolique se forma autour des 3 membres. Elle était donc bien réelle et engagea le groupe dans une voie très productive et surtout démoniaque au possible. "Under a Funeral Moon" se montre ainsi fort différent de "A Blaze", le groupe renouvelant sa recette et permettant ainsi une autre approche de son Black Metal. Ici, un véritable halo funeste entoure les artistes. Une production davantage écorchée, perdant par ailleurs cette réverb naturelle mais dévoilant un grain de guitare encore plus inhumain que "A Blaze", aiguisé pernicieusement dans ses hauts médiums. Malgré tout, ce nouveau skeud se montre beaucoup plus massif que son prédécesseur, moins varié, des blasts et down tempi tirés en longueur sous couvert d'un riffing à la frontière entre harmonies macabres et dissonances. Puis les vocaux lointains de Ted semblent moins fous mais davantage plongés dans un climat hypocondriaque, qui sera d'ailleurs le jus dont s'inspireront certains acteurs d'une vague Black Metal dépressive.

1994 : Transilvanian Hunger

"Transilvanian Hunger" représente pour beaucoup l'apogée même du culte Darkthronien, par tous les codes musicaux (voire même extra-musicaux) qu'il rassemble. Je ne m'étalerai pas de trop sur les anecdotes planant au dessus de sa sortie : La pochette faxée à l'arrache chez Peaceville, la citation « Norsk Arisk Black Metal » et les justifications maladroites de Fenriz concernant sa fameuse déclaration qualifiant de « juif » toute personne ne parvenant pas à aimer cette nouvelle œuvre, bien qu'elles furent en partie responsables de l'engouement macabre qu'elle suscita.
Cette pièce est un condensé du minimalisme et de la haine glaciale des plus extrêmes. Côté production, abandonnant son grain crispant, le disque se voit affublé d'un son poussé dans les médiums, amputé de toute profondeur et de toute brillance. Reste un son rêche, crachant et rigide, soutien imperfectible d'un Black Metal devenu totalement monolithique. Blasts continuels, chant plus nécrotique que jamais, tournant maximum autour de 5 riffs par morceaux... mais quels riffs ! Ce que Nocturno Culto a compris, c'est qu'en composant une série de riffs aux harmonies macabres mais transcendantes, il pouvait donner au minimalisme de la musique une atmosphère haineuse et vengeresse vous prenant à la gorge. "Transilvanian Hunger" tourne autour de ce concept. Et passé le célébrissime titre éponyme mettant cartes sur tables, on se retrouve avec un Black Metal d'une densité, d'un nihilisme et d'une férocité renversantes. Les paroles, toutes en norvégien cette fois hormis deux titres clés (l'éponyme et le terrifiant "As Flittermice as Satan Spys" tournant autour de deux riffs mortels), sont nées de la collaboration entre Fenriz et Varg Vikernes. Se déroulant comme une incantation, dont les deux derniers titres en représentent le sommet, "Transilvanian Hunger" reste encore aujourd'hui pour beaucoup le plus grand album de Black Metal, toutes époques confondues. Au-delà de la notion subjective et des péripéties extra-musicales qu'il vécu (dues aussi au fait que 94 fut l'année durant laquelle les média s'intéressèrent particulièrement au phénomène, faute aux actions de l'Inner Circle), ce statut attribué n'est pourtant point éloigné de la réalité.

1995 - ... : La suite

"Panzerfaust" fut une énième tentative de renouvellement. Darkthrone se met ainsi en quête d'une certaine élaboration et de variations dans les compositions tout en conservant son aura maléfique. Se rapprochant encore davantage de Celtic Frost et signé désormais sur le label de Satyr, Moonfog Production, Darkthrone entame dès lors une route dont il ne s'affranchira qu'à partir d'un "Cult Is Alive" (2006 seulement !! ) émanant une influence très rock'n roll, nouvelle approche du groupe qu'il endosse encore de nos jours.
Oui, Darkthrone est toujours vivant. Pour certains, plus que l'ombre de lui-même, cela dû aux éternels regrets de ne plus voir apparaître une nouvelle série incandescente. Mais que peut-on leur reprocher au juste ? De mal soutenir la comparaison face aux années de gloire ? Darkthrone vit désormais sa musique pépère, et plutôt que de forcer la donne et pondre un "A Blaze" n°2 qui serait de toute façon en-dessous du monument originel, reste fidèle à ses principes, laissant derrière lui une trainée de poudre explosant encore à chaque étincelle.

IMMORTAL - Pure Holocaust (1993)

Immortal. L'une des formations les plus célèbres que le metal norvégien ait pu connaître. Aujourd'hui plus célèbres par leurs séances photos bouglionesques (ne cherchez pas dans le dico, je viens de l'inventer), ce groupe fut pourtant l'un des plus grands pionniers du Black Metal scandinave des années 90.
Si Abbath et Demonaz apparurent au grand jour grâce à deux démos et à un EP limité en 91 et 92, on les connaît surtout depuis la sortie de "Diabolical Fullmoon Mysticism", un disque qui provoqua des avis mitigés : malgré ses ambiances vraiment poisseuses et sulfureuses, sa relative maladresse et la comparaison que, aujourd'hui, beaucoup font entre lui et les œuvres plus modernes du groupe ne laissèrent pas à Immortal le trophée aux 5 lettres « CULTE » qu'il aurait pourtant mérité.

La grande époque du groupe arrive avec le monument de givre "Pure Holocaust". Le groupe a désormais signé chez Osmose Productions et ce dernier rejeton fut enregistré au Grieghallen Studio en 1993. A cette époque, un grain aussi glacial à la six cordes n'existait tout simplement pas. Demonaz, gratteux de proue du combo, s'est ainsi affirmé comme une légende auprès des adeptes par sa rapidité exorbitante et sa faculté à dessiner le blizzard fou furieux à l'aide de ses riffs, transformant le plafond du studio en stalactites aiguisées. Des titres comme "Unsilent Storms in the North Abyss", "Pure Holocaust" ou "The Sun no Longer Rises" en sont devenus des pièces incontournables.

En 1995, le groupe passe un autre cap : celui des meilleures ventes Black Metal (avant que n'arrivent les supermarket-metal Cradle of Borgir). C'est avec le célébrissime "Battles in the North" que le groupe obtiendra ce succès, un album connaissant un incroyable regain de brutalité pure (certains diront enregistré à l'envers, commençant par le summum de la violence sur le morceau éponyme et terminant sur un titre plus posé "Blashyrkh", mais pourtant devenu un hymne pour beaucoup de metalheads).
Vers 97, c'est un gros changement à tous les niveaux. Le groupe se trouve un batteur stable, le monstrueux Horgh, et amorce un penchant de plus en plus Death Metal sur "Blizzard Beasts". C'est après ce disque que Demonaz quittera le groupe suite à une tendinite aigue (sa rapidité de jeu en ayant été la cause), et on regrette par ailleurs la production trop approximative de celui-ci en fonction de l'effet désiré, malgré son lot de riffs excellents et ses ambiances subtiles.

Par la suite, Abbath prendra les rênes du groupe et proposera trois disques s'opposant en bien des points à ce glorieux passé, mais toujours marqués d'une empreinte très forte et typique, la marque des grands certainement.
Le groupe splittera après le terrifiant "Sons of Northern Darkness" (2002), ce que l'on croyait l'album-testament du groupe, avant de célébrer sa reformation 7 ans plus tard avec "All Shall Fall", énièmes témoins de l'héritage colossal que ces chevelus grimés ont apporté au Black Metal.

GORGOROTH - Pentagram (1994)

Imaginez un instant, de nos jours, malgré la pléthore de groupe officiant dans le Black Metal brutal et malsain, un truc venu de nulle part, reléguant les plus violents au rang de tafiolles rock’n rollesques.... 1994...Quel misérable cataclysme, effroyable catastrophe a-t-il bien pu arriver dans leurs putains de vies ? Cette question je me la pose et repose a chaque écoute de ce "Pentagram"... Je cherche, j’étudie, j’essaye d’imaginer le pourquoi d’un tel déchaînement de haine. Pas de la haine de pacotille tirée d’une pochette-surprise achetée chez l’épicier du coin, non, de la haine pure, noire et absolument immonde.
L’accouchement de ce fœtus ignoble, pourri comme un fruit trop mûr, suintant la haine et le sang par tous ses pores, se produit en Norvège, alors que la frange du BM venait tout juste de digérer un certain "A Blaze in the Northern Sky"... On croyait avoir fini le festin, repus de folie meurtrière, de riffs assassins. Nous avions oublié le dessert... Funeste dessert, la bouche emplie de sang, de moisissure, de pourriture à filer une gerbe de dégoût pour l’éternité. Rien, rien ne m’aurait laissé imaginer qu’une telle ignominie aurait pu voir le jour.
Une débauche musicale malsaine, violente, pourrie jusqu'à l’os. Le Malin, par le biais de Gorgoroth, dégueule à la face du monde "Pentagram".

Vous situez le phénomène ? Et bien voila comment ce "Pentagram" a révolutionné le True Black Metal from Norway. Mais attention, car lorsque l’on ose s’aventurer sans une initiation préalable et surtout vitale dans ce "Pentagram", on en sort déchiqueté, anéanti.
Un son cradingue, une voix possédée par le cornu et entretenue au vitriol. Elle hurle la haine comme on crache un vulgaire glaviot, sans répit. Ces filets de bave hautement toxiques, mariés à un Black cru impitoyable et destructeur, forment une arme de destruction massive. Les riffs tournant en boucle à une vitesse subsonique, viennent anéantir tout espoir de vie. Ici tout est haine, point de place au romantisme, à l’amour, nous sommes dans le néant.

L’album est composé de 8 titres, 8 cataclysmes venus tout droit du fin fond de l’Enfer, Enfer revu et surtout corrigé par Gorgoroth. Et c’est ici que les norvégiens vont asseoir définitivement leur suprématie destructrice. Nul autre n’était arrivé à approcher, ne serait-ce qu’une infime partie, de leur folie. Une folie noire comme l’artwork de leur cover sans fioriture, une folie musicale meurtrière comme te laisse le goût dégueulasse de la viande en décomposition dans la gueule. Tout est misère sans lendemain, tout est crevé sans espoir.
Plusieurs fois j’ai lu quelques tirades du style "Gorgoroth et Pentagram, tu aimes ou tu n’aimes pas". Ah ah ah ! Je m’esclaffe, car ce n’est pas du tout ça...et ce n'est pas comprendre la démarche des norvégiens. Gorgoroth n’en a cure de savoir si l’on va aimer, d'ailleurs le terme "aimer" n'a pas sa place ici, car il n’y a rien de plus détestable, de dégueulasse que ce vomissement musical.

Mais, car il y a un mais, Gorgoroth vient d’ouvrir une brèche dans le paysage Black en Norvège et dans le monde entier. Une brèche dans l’immonde, qui va servir de tremplin à de multiples formations Black, pour venir nous déverser leur fiel avarié.
Certains diront que ce n’est que du Black Metal ...Je ne suis pas d’accord, cet album n’est ni plus ni moins que la pierre angulaire servant de fondation à l’extrême de l’extrême.

Si les scènes BM finlandais et TNBM conservent pour manifeste point commun une expression rugueuse et crue, le Black Metal Atmosphérique s'en éloigne considérablement par une expression posée et mélodique, une forme sensiblement plus abordable autant que malléable.

Pour comprendre comment a poussé, dans un environnement toujours plus radical et nihiliste, cette branche ouvrant au Black Metal des horizons mélancoliques, nostalgiques et envoûtants, allant ainsi strictement à contre-courant de la croissance du "tronc" originel, le cap est mis sur une petite ruelle de la capitale norvégienne abritant une boutique du nom de Helvete (dans laquelle nous avions déjà un fait un petit tour précédemment), abritant elle-même un affable propriétaire du nom de Øystein "Euronymous" Aarseth qui, au-delà de l'influence de son groupe Mayhem, entend perpétuer en ses terres l'esprit du Black Metal en le transmettant, en bon mentor qu'il est, à ses ouailles de l'Inner Circle. Parmi ses disciples, un certain Varg Vikernes alias Count Grishnackh, qui mène seul la barque de son projet Burzum se posant, dès 1991 et sa première démo, en l'instigateur d'une assise rythmique faite essentiellement de mid et low-tempi, tout en conservant le grain sonore raw et la froideur inhérente au Black Metal tel que pratiqué par ses voisins de Bergen et Oslo. Une approche pour le moins originale dans le contexte de l'époque, mais dont on peut légitimement se demander quel en a été le déclencheur dans la tête du Comte. Avérée muse inspiratrice ou conséquence des limitations propres à sa faible maîtrise instrumentale, et notamment de son drum-kit qu'il n'avait pratiqué que trois petits mois avant l'enregistrement de sa toute première démo, l'obligeant à en jouer lentement ? … Car il est un fait que l'emprunt de chemins détournés, de par l'obligation de contourner des difficultés techniques insurmontables, amène parfois à des idées novatrices … Et si l'on y ajoute le fait que Vikernes, donc l'âme de Burzum, n'ait aucune racine profondément ancrée dans le Death Metal (il n'y a guère que l'expérience aussi éphémère que tardive chez Old Funeral, avec l'EP "Devoured Carcass" de 1991 aux côtés de certains membres de Immortal), et ce contrairement aux éminents Mayhem et Darkthrone, l'affaire se complique singulièrement … Quant à la vérité vraie, elle se situe très certainement quelque part entre ces diverses hypothèses, le débat est plus que jamais ouvert, mais toujours est-il que le résultat est indiscutable. Burzum se démarque et l'alternative atmosphérique qu'il propose fait école auprès, dans un premier temps, d'une poignée de formations norvégiennes accentuant les sortilèges envoûtants et éthérés du style naissant, notamment par l'usage appuyé de synthétiseurs, ceux-ci étant parfois élevés au rang d'élément-moteur de la composition.

Sont présentées dans ce chapitre quelques unes des œuvres-clés ayant contribué et la naissance et au développement du mouvement Black Atmosphérique, encore caractérisé en ce début des années 90 par une qualité de production rêche, à mille lieux du jus numérique propret de "l'ère moderne", de même que, dans le cas particulier de Dimmu Borgir, Ancient et Kvist, par l'emploi de la langue norvégienne, y conférant un caractère authentique. Des références auxquelles peuvent être adjoints les "For All Tid" (1994) et "Born of the Flickering" (1995), respectivement premiers albums de Dimmu Borgir et Old Man's Child : deux formations dont le parcours, qui empruntera ensuite un chemin symphonique, est intégralement retracé dans un chapitre à part.

BURZUM - "Burzum" (1992)

Voilà ce qui demeure certainement comme le nom le plus célèbre lié à la seconde vague du Black Metal, connu bien au-delà de la sphère Metal mais pas forcément pour les bonnes raisons : Burzum, propriété exclusive du controversée Varg Vikernes. Une personnalité sulfureuse pouvant cristalliser la plus extatique des adorations autant que la plus viscérale des exécrations. Inutile de revenir sur ses nombreux "exploits" extra-musicaux qui font partie d'une Histoire qui s'est malicieusement réservée sont lot de contradictions et de zones d'ombre, les media en ont déjà suffisamment fait leurs choux gras.
Ici, l'objectif est d'écarter prestement ce voile de haine et de passion pour s'intéresser à la substantifique moelle musicale des créations du Comte Grishnackh, comme il se faisait appeler à ses débuts. Délesté de cette aura, il ne reste de Vikernes qu'un bien médiocre musicien, doté de qualités techniques très limitées et ne fonctionnant qu'au carburateur d'une inspiration aussi variable que la topographie du relief des Kjølen.

Une inspiration qui a tout de même permis au bonhomme d'esquisser, avec son éponyme sorti en 1992 et enregistré aux célèbres Grieghallen Studios sous la houlette de l'incontournable Eirik "Pytten" Hundvin, une approche plus posée du Black Metal, se démarquant ainsi du style agressif développé par nombre de ses collègues norvégiens de l'époque, qu'il fréquentait au sein de l'Inner Circle, allant également à contre-courant de la course vers toujours plus de violence et de rapidité ayant caractérisé la première vague du Black Metal jusqu'à la fin des années 80. Point de sauvagerie meurtrière malgré quelques accélérations ("War", certains passages de "Feeble Screams from Forests Unknown") dans ce premier album qui s'axe essentiellement sur du low/mid-tempo et des riffs pour la plupart simples et dévidés de manière répétitive, abordant fréquemment des rivages mélodiques ("Spell of Destruction", "The Crying Orc") ou marqués des stigmates de la tristesse et de la désolation ("A Lost Forgotten Sad Spirit"), ménageant quelques instants de pur Dark Ambient basés sur des nappes de synthé austères ("Channelling the Power of Souls into a New God", "Dungeons of Darkness"). De même, la voix du Comte, plus foncièrement torturée que remplie de haine, produit un effet plus introspectif que fulminant.

Vikernes aspire à proposer du neuf, les éléments fondateurs des genres Black dits atmosphérique, dépressif et ambiant sont indéniablement présents, bref les idées sont là mais leur transfert sur bandes via le medium physique grishnackhien a le plus grand mal à suivre, la faute à une interprétation trop peu maîtrisée caractérisée entre autres par des breaks approximatifs et des sonorités de synthés dignes d'un vieil Amstrad, particulièrement handicapantes dans les compositions ambiantes.

Burzum subsiste aujourd'hui en tant qu'indéniable référence musicale, pour une scène atmo / ambient / dépressif globalement peu inspirée et tombant souvent dans la facilité, certes, mais référence quand même.
Son maître à penser Varg Vikernes a été (et est toujours) capable de composer de bons morceaux (notamment sur l'hypnotique et magnétisant "Hvis Lyset Tar Oss", ainsi que sur son dernier-né "Belus" marquant un honnête retour aux sources après un long séjour en taule), mais sa technique instrumentale insuffisante et ses nombreux ratages (échus principalement à sa période "pagan ambient", avec l'exécrable et simpliste "Daudi Baldrs" en tête) sont le manifeste témoignage d'une réputation de génie très franchement usurpée.

ANCIENT - Svartalvheim (1994)

Comme tant d’autres de cette sélection, l’histoire de Ancient débute à Bergen. Son créateur se fait appeler Aphazel, et vient d’avoir 20 ans. Comme tant d’autres également, il s’était essayé jusque là au Death Metal, avant de se lancer en solo dans une approche plus minimaliste et plus sombre du metal. Ou comment l’instinct de mimétisme semble gagner cette meute de jeunes loups norvégiens qui essaiment à Bergen.
En s’associant avec Grimm qui officie au chant et à la batterie, Aphazel, qui s’occupe du reste des instruments, pond une première démo dès 1993, "Eerly Howling Winds", puis un single nommé "Det Glemte Riket". Celui-ci porte déjà la marque typique de Ancient : long morceau de presque huit minutes, au rythme plutôt lent, il porte à la fois l’héritage du Heavy Metal sombre du Black Sab' des seventies, la prestance glacée et émotionnelle d’un Bathory, tout en revendiquant une identité propre au renouveau norvégien, avec son final mystique, l’emploi discrets de claviers, et un chant lugubre et saisissant. Un effort suffisamment convaincant pour bénéficier de l’irrésistible élan de cette nouvelle vague norvégienne : signé par le jeune label Listenable, le groupe se voit offert la possibilité d’ajouter sa pierre à l’édifice en enregistrant son premier full-length en 1994, le fameux "Svartalvheim", qui sort à la fin de cette année.

Ancient bénéficie en outre de la précieuse distribution de Osmose, alors principal pyromane répandant l’incendie du renouveau Black Metal. Indiscutablement placé dans une situation des plus favorables, le duo sort assurément l’un des classiques de cette période. Plutôt que de suivre la course à l’armement, vers un Black cru et brutal, Ancient revendique sa personnalité à part : "Svartalvheim" est un album qui mise tout sur l’atmosphère. Celle-ci est d’une indiscutable pureté et foncièrement attachée aux valeurs du BM norvégien : occulte, mystique, glacée. Ancient réussit un véritable tour de force en entretenant la force de cette atmosphère tout au long de l’album. Non seulement Aphazel délivre des riffs d’une profondeur abyssale, mêlant finesse et froideur, délivrant quelques morceaux sublimes, comme le formidable "The Call of Absu Deep", pour n’en citer qu’un, mais fait également preuve d’originalité et rompt avec l’école linéaire et minimaliste de Darkthrone : en agrémentant le disque de passages instrumentaux où les claviers règnent en maître, il génère des temps "faibles" qui donnent encore plus de relief à cette atmosphère glacée et envoûtante. Avant même que l’on commence à parler de "True" Black, Ancient s’est déjà démarqué de la frange dure, sans toutefois plonger dans une approche mélodique ni symphonique comme le fait Emperor. Son Black élégant, profond et intense, symbolise indiscutablement la pureté occulte et glacée du mouvement.

1995 s’avère une année de transition. Au delà d’un EP et d’un mini-album restés assez confidentiels, l’actualité de Ancient est surtout marquée par le départ de Grimm. Aphazel part alors aux USA, où il recrute le chanteur de Grand Belial’s Key. Cette émigration semble déjà couper les liens de Ancient avec la scène norvégienne, mais assurément, la signature controversée avec l’important label Metal Blade s’avère la véritable césure avec la frange la plus dure de la scène Black et de ses adorateurs.
Le groupe d’Aphazel est en effet l’un des premiers à quitter le giron de "l’undergound" BM norvégien, du moins de l’idée que s’en font certains…car on peut largement discuter de cette notion d’underground à l’époque où le Black scandinave connaît sa plus grande gloire, y compris commerciale… Toutefois, Ancient assume et alimente la polémique par son évolution musicale : avec "The Cainian Chronicle", les norvégiens évoluent vers un Dark Metal plus produit, plus léché, qui s’éloigne des standards du BM le plus authentique. Si l’album est plutôt bien accueilli, il le doit à la fois au statut de Ancient et également à la nouvelle exposition dont il bénéficie, sans parler d’un talent qui ne s’est pas évaporé pour autant. Toutefois, à partir de cet instant, le fait est que la trajectoire de Ancient diverge avec celle de la veine principale du Black norvégien.

Le combo norvégien ne tombe pas pour autant dans l’oubli, mais les années qui suivent (période 1999 à 2004) voient Ancient tracer sa route, suivi par une bonne base de fans, qui restent fidèles à un Dark Metal jouant désormais une carte atmosphérique et toujours plus accessible. Que l’on apprécie ou pas cette évolution, le fait est qu’avec cette seule merveille de "Svartalvheim", Ancient mérite de figurer au panthéon des plus grands groupes norvégiens, chose que la jeune génération semble souvent lui refuser, franchement à tort.

GEHENNA - Seen Through the Veils of Darkness (1995)

Le Black Metal était jusque là confiné dans un anonymat relatif. Au sein même du Metal extrême il restait confidentiel devant l’armada Thrash, puis Death Metal. Le raz de marée nordique emmené par les Darkthrone et Immortal a changé complètement la donne, faisant subitement du Black un style très prisé. C’est alors qu’il va partir dans d’innombrables branches plus ou moins distinctes : le Viking, le "True", ou l’atmosphérique notamment, ce dernier style devant beaucoup aux norvégiens de Gehenna.
En effet, dès sa première réalisation ("Black Seared Heart", démo de 1993) le combo emmené par Dolgar et Sanrabb se démarque nettement des productions habituelles made in Norway, le clavier y est très présent et l’agressivité est en retrait, faisant une large place aux mélodies et ambiances, plus qu’à la violence. Le mini-CD "First Spell" (1994) ayant fait un buzz conséquent, Gehenna se voit ouvrir les portes de l’écurie anglaise Cacophonous Records ayant déjà lancé la carrière de Cradle Of Filth et Bal Sagoth.

"Seen Through the Veils of Darkness" (1995) est le nom de leur premier full-length, dévoilant un Black Metal toujours atmosphérique mais cette fois un peu plus agressif, les guitares de Dolgar et Sanrabb se faisant plus insistantes.
"Lord of Flies" est notamment assez proche d’un Black Metal à la Burzum ou Darkthrone, impression s’estompant bien évidemment à l’arrivée du clavier mais ce dernier est loin d’être omniprésent ici, montrant Gehenna sous un jour bien plus cru que sur le quasi-soporifique "First Spell". A partir de l’excellent "Shairak Kinnummh", la musique redevient un peu plus folklorique et atmosphérique grâce au bon travail des guitares et des parties de clavier marquantes de Sarcanna. Certes, ceux qui ne jurent que par la froideur et le côté crasseux de "Transilvanian Hunger" ou la vitesse d’exécution de Blasphemy vont vite s’ennuyer. Pourtant, une oreille attentive permet de trouver des choses sympathiques sur cette galette, entre autres les voix claires de "Vinterriket" rappelant celles de Ihsahn sur "Anthems…" de Emperor. De plus, la production de cet album est crue, collant bien à cette lente descente dans les ténèbres où veulent nous entraîner les norvégiens : "The Eyes of the Sun en est à ce titre une bonne illustration musicale.
Même si "Seen…" est imparfait (on décroche un peu sur la durée à cause d’une seconde partie d’album moins inspirée et du relatif manque de passages plus virulents), sa valeur intrinsèque reste élevée et son apport historique incontestable. Les norvégiens ont réussi leur pari de jouer sur les ambiances sans perdre la noirceur qui caractérise le Black Metal. D’ailleurs, il ne faut surtout pas faire d’amalgame entre Gehenna et des groupes atmosphériques comme Mystic Circle qui noient leurs compositions de synthé.

Le deuxième album "Malice" (1996) continue dans cette voie bien personnelle d’un Black jouant sur les ambiances, enregistré lui aussi par Terje Refnes au Soundsuite Studio, la production est sensiblement la même excepté le clavier un peu plus bas dans le mix.
Le rythme général de l’album est tout de même plus enlevé que de coutume (l’entêtant "She Who Loves the Flames" ouvrant l’album notamment), tout en gardant ce côté mystique tant dans les paroles que dans la musique, avec des passages hypnotiques au synthé et des guitares parfois d’influence orientale. "Malice" est tout simplement une version un peu plus rentre-dedans de "Seen…", des chansons de la trempe de "The Pentagram" ou "Malice" jouant parfaitement dans le registre équilibré de l’atmosphère et de l’énergie, avec des accélérations auxquelles Gehenna ne nous avait pas habitué, avec en sus quelques expérimentations telles des guitares d’influences orientales ou le pavé de 14 minutes "Ad Arma Ad Arma".
Mais le véritable tournant de la carrière de Gehenna est "Adimiron Black" (1998) proposant un changement de cap assez inattendu de la part de Sanrabb et ses sbires. La pochette dérangeante et froidement réaliste d’un homme venant visiblement de se suicider après avoir tué sa femme, tranche d’ailleurs avec le rendu sobre et mystique de "Seen Through the Veils of Darkness" et "Malice". Pour son arrivée sur Moonfog Records (le label de Satyr), Gehenna a laissé tombé subitement ses velléités atmosphériques, pour un Black brutal dévastateur lorgnant parfois vers le Death : le rythme y est effréné et le synthé se fait plus discret, voire inexistant. Sarcana a en effet laissé sa place à Damien au clavier et celui-ci voit son travail réduit à la portion congrue. Sur "Adimiron Black", le style raffiné d’antan laisse place à un Black plus agressif, même le chant se fait plus belliqueux. "Deadlights", le single de l’album, vaut en particulier le détour avec une énergie toute Death Metal assez surprenante quand on connaît les précédentes réalisations du combo. Les norvégiens n’ont pas tourné le dos complètement au Black atmosphérique qui avait fait leur réputation jusque là (mais ça viendra promptement dès le disque suivant), le titre "Adimiron Black" étant celui qui rappelle le plus l’ancienne période du groupe avec ses atmosphères emphatiques caractéristiques.

Gehenna anticipe, se renouvelle et se brutalise au lieu de tourner en rond, faisant de "Adimiron Black" un album charnière entre sa période atmosphérique et la suivante bien plus brutale. Cette voie sera en effet définitivement adoptée sur "Murder" (2000) et "WW" (2005), proposant un Black brutal, malsain, carré et sans pitié.
Le combo emmené par le duo Sanrabb / Dolgar, jouissant pourtant d’une bonne réputation dans l’underground, n’aura jamais pu accéder à la première division. Malgré des sorties régulières de qualité, il manque certainement un disque marquant dans leur besace…

CARPATHIAN FOREST - "Through Chasm, Caves and Titan Woods" (1995)

Formé en 1990 sous le nom de Enthrone et prenant son nom définitif deux ans plus tard, Carpathian Forest et son complémentaire duo Nattefrost / Nordavind proposent avec leur premier enregistrement professionnel "Trough Chasm, Caves and Titan Woods" sorti en 1995 chez Avantgarde Music une savante combinaison de traditionalisme old-school et d'évolution vers des sphères atmosphériques condensée sous un format EP d'à peine 18 minutes.

Les titres résolument metal que sont "Carpathian Forest", "The Pale Mist Hovers Towards the Nightly Shores" et "When Thousand Moons Have Circled", exécutés dans un style Black / Thrash aux riffs catchy, dénotent l'influence de Hellhammer, tandis que certaines rythmiques dépotantes ne sont pas sans rappeler un certain Motörhead, ce qui a parfois valu à la musique des norvégiens d'être qualifiée de "black'n'roll".
Une approche directe contrebalancée par "The Eclipse / The Raven" et "Journey Through the Cold Moors of Svarttjern" faisant la part belle aux atmosphères, l'un égrenant des notes acoustiques empreintes d'un fort pouvoir nostalgique et mélancolique, l'autre imposant, au travers d'un tempo lancinant et d'inquiétants râles venus du lointain, son voile de ténèbres à peine déchiré d'une lune brillant d'un éclat froid, s'évanouissant sur fond d'orgue sépulcral tandis que s'ouvre la macabre danse des spectres évanescents.

Habillés de discrètes orchestrations au synthé, ces deux morceaux cristallisent une ambiance transylvanienne constituant la base des paroles du combo, de même que le thème inspirateur de son patronyme.
Hanté par la voix de gobelin de Nattefrost, "Through Chasm, Caves and Titan Woods" demeure, malgré une exécution et une production laissant un peu à désirer, un enregistrement intéressant, réveillant le style spontané et rentre-dedans caractéristique de la première vague du Black Metal et l'unissant à l'évolution plus ambiancée et esthétique de la seconde.

Carpathian Forest aura beau ensuite adopter une direction globalement plus percutante, mettre en exergue le caractère provocateur de Nattefrost avec une attitude plus destroy et habitée d'un soupçon d'esprit punk, chambarder ses thèmes de prédilection devenant scabreux voire obscènes (l'intro du premier album "Black Shining Leather", toute en samples de films porno sur fond de nappes industrielles, constituant un bon indicateur), l'exacerbée dualité singularisant son EP ne le quittera jamais.

KVIST - For Kunsten Maa Vi Evig Vike (1996)

Parallèlement à la seconde vague Black venue du Nord, le mouvement Pagan initié par Enslaved se démocratise petit à petit avec notamment des combos comme Arckanum, Thy Serpent et Borknagar. Formé à cette époque charnière, Kvist est un groupe assez particulier dont la musique oscille entre les deux mouvements.
Les norvégiens, emmenés par le bassiste chanteur Tom Haugen (et un temps par Trondr Nefas qui fondera plus tard Urgehal), font partie de ces quelques groupes ayant sorti un seul album avant de plier les gaules peu de temps après, et à l’écoute de "For Kunsten Maa Vi Evig Vike" (1996), on ne peut que regretter la courte existence du combo. Enregistré au Endless Sound Studio à Oslo, leur unique album est commercialisé par le label italien Avantgarde Music qui porte bien son nom et tient sous sa coupe des formations originales tel Monumentum.
Alors que depuis Emperor et son fantastique "In the Nighside Eclipse", de nombreuses formations se lancent avec une réussite artistique parfois discutable dans ce nouveau style qu’est le Black Metal Symphonique, Kvist reste dans un Black plus personnel et n’utilise pas de clavier grandiloquent afin de booster artificiellement ses compositions, on en distingue simplement quelques nappes lointaines et discrètes. Cependant, les norvégiens ne jouent pas non plus dans la cour du Black haineux à la Darkthrone. Les mélodies et rythmiques de Kvist évoquent plutôt un hymne douloureux et mélancolique à la nature et à l’homme, un état d’esprit de rapprochant du paganisme en somme.

"Ars Manifestia" nous entraîne tout d’abord dans un Black assez rapide où les linéaires accompagnent une double pédale très présente, on perçoit un petit côté Emperor dans la construction mais avec un synthé restant beaucoup plus discret que chez la bande à Samoth.
On trouve quelques similitudes dans la musique de Kvist avec celle de Satyricon, entre autres dans le phrasé du chanteur Tom, ceci étant particulièrement vrai sur "Forbannet Vaere Jorden Jeg Gar Pa". Le combo a aussi tendance, comme ses compatriotes, à faire durer ses riffs afin d’en imprimer la marque dans la tête de l’auditeur et joue également sur le registre folklorique par endroit.
Un petit mot enfin sur la clef de voûte du disque : le morceau "Min Lekam Er Meg Blott En Byrde", d’abord très agressif puis proposant une partie centrale narrée qui fait presque BO de film, bien avant que Dimmu Borgir ne tente des choses de ce genre. Le morceau enchaîne ensuite sur une cavalcade de riffs épiques suivie d’une fin oppressante et furieuse : un pilier de l’album avec ses 10 minutes !

La force de Kvist est ici de créer des atmosphères envoûtantes sans forcément utiliser de clavier à outrance. L’aventure s’arrêta malheureusement rapidement, les musiciens se séparant peu après l’enregistrement de cet unique album. Pour un premier essai, Kvist a accouché d’entrée de jeu d’un chef d’œuvre … dommage que ce soit aussi le dernier.

Black Atmosphérique, Black Ambient … Deux appellatifs synonymes en termes strictement sémantiques qui se voient parfois confondus dès que l'on parle de Metal, sans doute par la ferme disposition commune de ces deux dérivés du Black Metal à user du synthétiseur et autres éléments électroniques en tant que créateurs de climat, ainsi que par l'inclinaison envers une vélocité d'escargot qu'ils partagent souvent. Pourtant, il s'agit bien là de deux nuances caractérisées par suffisamment de traits parfaitement singuliers, voire diamétralement opposés, pour se distinguer l'une de l'autre. Tandis que l’Atmosphérique distille des mélodies, certes souvent simples mais toujours harmonieuses, s'immisçant en le cortex cérébral pour y faire naître des images concrètes, vivantes autant que des environnements spacieux, l'Ambient, quant à lui, a vocation à troubler ledit cortex par son emballage austère, son absence de mélodies, sa propension à la dissonance, à le contraindre au repli sur soi par sa dimension introspective.

Le Black Ambient ou un genre qui se nourrit en partie de l'essence du Dark Ambient, soit une entité qui, par ses émanations abstraites, prend un malin plaisir à se soustraire à l'intellect. Burzum est parmi les formations pouvant en être définies comme les précurseurs, son mastermind Vikernes ayant ponctuellement réalisé une poignée d'instrumentaux de cet acabit à ses débuts, sans toutefois les faire fusionner avec la substance Black Metal. De même que Beherit avec leur profondément occulte "Drawing Down the Moon" dont les atmosphères, bien que n'atteignant pas l'extrême déshumanisation du Dark Ambient le plus rigoriste, ont du moins permis aux finlandais d'apporter leur pierre à l'édifice.

La première incarnation aboutie est à chercher du côté des voisins suédois de Abruptum, proposant une véritable fusion Black Metal / Dark Ambient dans sa forme la plus abrupte et chaotique, animée d'un esprit d'autodestruction. Une haine non pas dirigée vers les éléments extérieurs, mais renfermée, concentrée en un puits de douleurs aux tréfonds de soi-même, bouffant son propre être tel un incurable cancer. Abruptum : une référence controversée à laquelle le développement parallèle, en ce début des années 90, du Black Metal en Scandinavie et du Dark Ambient en Suède (sous l’impulsion du label Cold Meat Industry) a très certainement été essentiel quant à son évolution d'un contour originel Death Metal à une forme Black Ambient.

ABRUPTUM - Obscuritatem Advoco Amplectere Me (1993)

Née en 1989 sous la forme du duo Tony "It" Särkkä et Jim "All" Berger, l'entité Abruptum n'attaque les choses sérieuses qu'après le remplacement du second cité par Morgan "Evil" Håkansson en 1991, qui avait déjà lancé la machine Marduk de son côté.
Exit le pachyder-monolitique Death ritualiste et crasseux des premières démos, place à une musique d'obédience Black Metal se roulant dans la fange d'un Dark Ambient des plus dissonants et angoissants avec l'EP "Evil" (1991). Le groupe s'établit alors en précurseur de ce que l'on nomme communément le genre Black Ambient, aux côtés de Burzum et Beherit, dans une veine cependant plus torturée et noise.

Reprenant ces éléments dans leur premier album "Obscuritatem Advoco Amplectere Me" (1993), les suédois poursuivent leur œuvre d'exploration et d'expérimentation du morbide jusqu'aux confins d'un chaos sonore asphyxiant, avec seulement deux morceaux pour cinquante minutes de démence. Pas de véritables riffs ni même de réels soli ni encore de breaks assassins … autant dire une sacrée insulte au Metal pour les puristes. En effet, Abruptum développe un sens dysharmonique jusqu'au-boutiste, plus propre à attirer en son puits de souffrance les adeptes de Dark Ambiant à la sauce Indus / Noise que les metalheads friands d'une musique carrée et structurée.
Chez Abruptum, tout n'est qu'amas de distorsions, de larsens, de dissonances se mouvant péniblement au rythme d'une batterie tour à tour rampante, saccadée et prise de crises spasmodiques, représentant la seule chose à peu près construite à laquelle il est possible de se raccrocher … à condition de fermement s'y tenir, arrachés que l'on est de notre ultime salut par les épouvantables vocaux de It mêlant incantations occultes et cris atroces, ayant la réputation d'avoir été enregistrés en pleine phase d'automutilation. Légende ou réalité, la question n'a jamais été élucidée … Mais quoi qu'il en soit, ces phonations respirent l'aliénation mentale et la haine viscérale envers tout ce qui a le malheur d'être en vie, le genre d'abjections que l'on peut retrouver chez Vrolok et Nekrokaos par exemple, pour citer des formations Black Ambient récentes.

"In Umbra Malitiae Ambulabo, In Aeternum in Triumpho Tenebrarum", sorti en 1994 et réalisé sensiblement dans la même veine, effectue un pas supplémentaire en territoire Dark Ambiant et se gorge de textures Drone. Moins chargé en couches sonores et ainsi plus digeste que son prédécesseur (malgré sa seule et unique piste d'une heure), ce second album annonce les prémices d'un Ambiant / Drone atteint de sinistrose aigüe, dont des formations telles que Nordvargr se font aujourd'hui une spécialité.

S'ensuivront quelques albums très anecdotiques, donnant dans un pur Dark Ambient à cours d'inspiration et vidé de toute émanation sulfureuse, mais avec ses premières œuvres, Abruptum est parvenu à créer un son original et immédiatement identifiable, apparaissant comme une créature abjecte, emplie de folles velléités avant-gardistes, prenant sans la moindre crainte des risques purement insensés pour tenter de faire évoluer l'art musical vers de nouvelles sphères obscures, quitte à nier les fondements-mêmes de la musique et de l'harmonie. Autant de belles preuves de courage (ou d'inconscience, c'est selon) pour un résultat des plus controversés… Mais n'est-ce point là le propre des êtres à l'idiosyncrasie marquée à l'extrême ?

Deux significations peuvent être réunies sous la bannière Indus, celle usitée par les adeptes de Dark Ambient dont l'expression sonore se dessine au travers de lignes et nappes aux courbes vibrantes et disharmoniques pouvant tirer sur le Noise et le Drone, et celle coutumière au Metal pour qualifier une base rythmique mécanique et d'une froideur clinique, souvent d'origine synthétique. Deux nuances distinctes par la forme, l'une "nappée", l'autre "rythmique", mais apparentées par le fond, partageant en commun un caractère foutûment déshumanisé. La fusion du Black Metal au Dark Ambient (terre de l'indus "nappé" donc) a fait l'objet du précédent coup de projecteur. Le suivant se porte sur l'origine de la combinaison entre Black Metal et Indus "rythmique" qui, par son application d'une infernale boîte à rythmes à un BM abrasif, se verra logiquement qualifiée de Black Indus. Une synergie de froideur signée par les dégénérés de Mysticum, drogués jusqu'à la moelle.

Never stop the madness !

MYSTICUM - In the Streams of Inferno (1996)

Parmi les acteurs les plus actifs de la seconde vague scandinave du Black Metal, l'un d'entre eux se présentait comme une formation totalement atypique en comparaison des icônes tels que Mayhem ou Darkthrone. Il s'agit de Mysticum, groupe norvégien fondé en 1991 qui intéressa grandement Euronymous par ses deux premières démos sorties en 93 au point qu'il fut l'un des tout premiers groupes à signer sur le label du guitariste : Deathlike Silence Productions, chose qui ne durera pas au vu des évènements, mais qui permit au groupe de se forger prématurément une solide réputation. La raison de l'engouement de Øystein à leur égard fut essentiellement musicale, ces chevelus norvégiens ayant créé le Black Indus.
Sur le premier full-length (qui sera aussi leur dernier) "In the Streams of Inferno", le groupe exploitera cette nouvelle ressource avant de faire silence radio.

Dans le but de soustraire encore davantage le côté humain du Black Metal, déjà châtié à la base, ces trois artistes en herbe utilisent une programmation rythmique artificielle qui offre à leur musique une silhouette martiale, très carrée et glaciale, un grain de guitare forcé dans ses hautes fréquences et quelques touches de clavier fantomatique en arrière-plan. La recette, plutôt simple au premier abord, s'avère rendre son venin mécanique et froid à merveille, surtout grâce à cette boîte à rythme. Cette dernière, ciselée à la précision, exploite un bon registre de rythmiques, des bombardements de "The Rest" aux speederies d'un "Where the Raven Flies".
Mysticum est à l'origine du courant Indus du Black Metal qui, bien que réduit, est encore représenté par quelques icônes. Je pense naturellement à Ad Hominem, qui rendra hommage au groupe en reprenant leur plus grand classique "Crypt of Fear" sur l'album "Climax of Hatred".

"Into the Pandemonium" fait résolument partie de ces œuvres cultes qui divisent. D'un atypisme fort à susciter le plus impitoyable rejet de la part des conservateurs d'un Metal de grande tradition, comme d'un avant-gardisme propre à émoustiller la corde extravagante des esprits les plus excentriques, cet incroyable patchwork, imaginé par les visionnaires de Celtic Frost en 1987 et animé d'une irrépressible volonté de pulvériser les standards, demeure aujourd'hui autant une énigme qu'un puits d'inspiration. Un laboratoire d'une inventivité sans bornes qui voit, entre autres croisements a priori improbables, le Metal s'accoquiner aux orchestrations lyriques et baroques chapardées à l'étalage de la grande musique classique. C'est sur la base de la facette symphonique de ce kaléidoscopique et diablement controversé album que les années 90 voient certains des genres majeurs du Metal s'éprendre d'élans de grandiloquence. Il aura fallu quelques années, le temps que le petit monde du Metal s'en remette, mais les germes auront fini par porter leurs fruits. C'est ainsi que de virevoltantes formations Heavy (Angra, Rhapsody), tout comme des groupes à base extrême Death (Septic Flesh, Therion) et Doom / Death (Paradise Lost) se portent vers des sphères plus grandioses, dans l'aspiration de s'approcher toujours plus près de la réalisation de l'œuvre ultime, de pouvoir ne serait-ce qu'effleurer l'œuvre invincible … Le Grand Œuvre.

Dans le domaine du Black Metal qui nous intéresse ici, l'alchimiste se nomme Emperor. Les norvégiens, avec leur arlésienne de l'extrême "In the Nightside Eclipse" qui mit tant de temps à voir le jour du fait d'un "contexte social" fort mouvementé, sont à l'origine du mouvement Black Metal Symphonique, s'inscrivant à la fois dans la voie majestueuse et esthétique tracée par l'ancêtre Celtic Frost, et dans la pluralité d'un Black Metal qui se subdivise en différents courants. Et si, avec cet opus, Emperor n'atteint pas (encore) les hautes dimensions de l'art total wagnérien et de la volonté de puissance nietzschéenne vers lesquelles il tend, les bases solides sont néanmoins posées et la volonté impérieuse clairement affirmée. Certains autres de ses successeurs, par une recherche harmonique plus complexe, se chargeront ensuite de les magnifier…

EMPEROR - In the Nightside Eclipse (1994)

Qui aurait osé miser la moindre krone sur Emperor suite à la sortie en 1992 de leurs démos "Call from the Grave" et "Wrath of the Tyrant", suintant un Black Metal sale et chaotique, mis en boîte sur 4 pistes avec son necro et passages quasi-inaudibles de rigueur ?
Qui aurait-pu parier ne serait-ce qu'une toute petite øre sur le fait que ces norvégiens allaient littéralement changer la face du Black Metal, et même du metal extrême, à l'écoute de leur EP éponyme enregistré la même année, certes nettement mieux réalisé que les démos, mais à la production encore très faiblarde et aux incursions claviéristiques bien maigrichonnes ?
Pas grand monde, c'est une certitude, et la créature animée par le duo Vegard "Ihsahn" Tveitan (chant, guitare, claviers) / Tomas "Samoth" Haugen (guitare) partait de très loin.
C'était toutefois compter sans l'extraordinaire génie créatif du tandem qui, exalté par la passion que nourrit Ihsahn envers la musique classique, s'appuyant son "classic line-up" comptant Terje "Tchort" Schei à la basse et Bård "Faust" Eithun à la batterie, surboosté par le son puissant et compact des mythiques Grieghallen Studios, a réussi l'immense exploit d'insuffler avec "In the Nighside Eclipse" (1994) une dimension symphonique à un genre Black Metal qui se cherchait encore en ces temps des pionniers de la seconde vague, lui donnant une direction évolutive des plus franches.

Un premier album qui fit forte sensation par l'emploi intensif d'orchestrations démesurées, avec des claviers qui n'avaient jamais auparavant joué un rôle aussi central dans un disque de metal extrême.
Enveloppant la voix de gargouille sanctifiée de Ihsahn et l'ébouriffant blizzard glacial soufflé par de rêches riffs de guitare lancés au rythme des impitoyables blasts de Faust, ces claviers impérieux invitent autant à la rêverie mystique ("Into the Infinity of Thoughts") et à la tristesse mélancolique (le break central de "The Majesty of the Nightsky") qu'à la contemplation de l'immensité des terres nordiques ("Towards the Pantheon") et de ses obscures forêts ("Beyond the Great Vast Forest"), sans jamais se départir d'un élan épique et d'une grandiloquence peu commune, culminant avec l'emphatique invocation du morceau de clôture "Inno a Satana" entraînant l'auditeur dans un flot vertigineux d'infini et de toute-puissance.

Encore limitée par des chœurs et arrangements de cordes aux harmonies essentiellement simples et à vertu ambiante, l'expression symphonique n'atteindra son plein potentiel dans la musique de Emperor qu'à partir du complexe et majestueux "Anthems to the Welkin at Dusk" (1997) … précédé dans le genre Black Metal par le wagnérien "Moon in the Scorpio" (1996), œuvre de Limbonic Art, à savoir les petits protégés de … Samoth (signés sur son label Nocturnal Art Productions). Sans oublier les injustement méconnus norvégiens de Obtained Enslavement et leur fabuleux "Witchcraft" (1997), fort d'une prestation claviéristique d'une excellence à enterrer un bon paquet de petits pseudo-Wagner en herbe.

Avec "In the Nightside Eclipse", Emperor a fait bien plus qu'ébaucher un brouillon, il a créé un chef d'œuvre historique. Bien plus que de définir les contours d'un style, Emperor l'a poussé d'entrée de jeu à un niveau qui ne sera plus que très rarement dépassé. Un tour de force et d'inspiration pharaonique !

La recherche identitaire dans le Black scandinave, à bien y regarder, reste l'un de ses moteurs. Si les spectaculaires incendies d'églises restent à ce jour les clichés stéréotypés d'une identification anti-chrétienne s'arc-boutant sur les valeurs païennes viking ancestrales, la recherche identitaire et la fierté de ses racines s'avèrent particulièrement propices à la créativité de certains groupes de Black. Là encore, impossible de ne pas citer – une fois de plus- l'inévitable Bathory, qui dès la fin des années 80 a posé les bases du Viking Metal. Cette culture viking, sa violence, son caractère épique, sa mythologie, mais également une forme de naturalisme et d'amour de ses terres ancestrales, vont devenir l'autre grand thème central du Black Metal scandinave, aux côtés du satanisme.

Au delà de la seule thématique, cette nouvelle voie devient un formidable levier de création artistique, du viking metal de Enslaved à l'intégration d'éléments folkloriques (Ulver), ou naturalistes (Arckanum). Même l'un des rejetons les plus doués de la meute norvégienne puriste, Satyricon, apporte sa pierre à cette nouvelle voie.

SATYRICON - Dark Medieval Times (1993)

Il a secoué les passions en ce début des années 90. La Scandinavie semblait être contaminée par le virus de l'ultra-productivité d'albums cultes qui déchaînèrent passions et débats par des groupes pas spécialement destinés à se tracer une carrière longue et fructueuse (le début du nouveau millénaire fut d’ailleurs marqué par un déclin des grosses pointures, splits ou changements d'orientations en tous genres).
Aujourd'hui largement surestimé, ne devant sa survie qu'à son nom au glorieux passé, Satyricon, duo de Satyr et du légendaire Frost, aujourd'hui encore batteur d'exception, fut parmi les plus talentueuses formations de Black Metal de cette vague. Tout d'abord en se démarquant de ses congénères de plus en plus opaques, Satyricon fut le premier à insuffler à son Black Metal un vent de modernité et une touche folklorique externe.

Les trois premières démos du groupe ne provoquèrent pas réellement de remous, hormis sans doute "The Forest Is My Throne" préfigurant déjà le contenu d'une bombe : "Dark Medieval Times". Ce premier disque vit le jour en 93 sur le label Moonfog Productions et fit l'effet d'un éboulement sur le crâne de l'auditeur. Alors que Darkthrone ou Mayhem s'engonçaient sans retenue dans un univers toujours plus hermétique et diabolique de tradition, Satyricon, nourrissant une claire passion pour les thèmes médiévaux, offrit à son Black Metal diverses sonorités externes : guitare acoustique, flûte artificielle et légères nappes de claviers sous la main inspirée de Torden. Les duos d'instruments s'y retrouvèrent par interludes, tandis que la nappe atmosphérique accentuait une teinte voulue par l'artiste, ce qui fait que, malgré certains avis antagonistes, il semble léger d'étiqueter le disque de Black Sympho, les claviers ne prenant pas une part vraiment active dans la composition, malgré leur position indispensable. Le résultat fut un chef d'œuvre intemporel.
Contrairement à la vague folk qui suivit, "Dark Medieval Times" prouva qu'il était tout à fait possible de dégager un esprit médiéval traditionnel et de rester terriblement malsain. Un grain de guitare très cru, un son sec et glacial, bien plus brumeux que démoniaque, une réverbération naturelle sur la batterie à mi-chemin entre le caverneux et l'étendue spatiale, forment à eux seuls un cercle nocturne et froid. Il est d'autant plus troublant qu'avec cette couche de givre, le titre éponyme nous offre deux petites bagatelles à la flûte synthétique, un rayon de lumière furtif dans cet océan d'obscurité. Troublant mais pas rebutant... car ces passages se montrent cohérents mélodiquement avec l'ensemble. Satyricon a gardé ainsi une perspective d'homogénéité dans sa musique et c'est tout à son honneur. Plus froid que le "Bergtatt" de Ulver et moins brouillon que les débuts de Enslaved, il s'annonce comme une œuvre déjà aboutie et pleine de caractère.
"Dark Medieval Times", c'est aussi un album aux pistes structurées et un répertoire de titres cultes. L'inusable titre introductif "Walk the Path of Sorrow", progression enivrante qui termine sur un couplet lancinant, l'intermède "Min Myllest Til Vinterland", un obscur et reposant duo guitare – synthé, l'hymne "Into the Mighty Forest", le terrifiant "The Dark Castle in the Deep Forest" et cette légendaire conclusion "Taakeslottet" sont les ingrédients magiques qui fourniront à ce monument un statut d'album culte point galvaudé et permettront à Satyricon de passer les portes de la légende.

A la suite de leur carrière, beaucoup d'adeptes au genre musical lui auraient montré davantage d'allégeance si "Dark Medieval Times" était resté unique, faisant de lui une œuvre à part d'un mystérieux groupe passé en coup de vent, souvent synonyme de juteux pour le fan lambda.
Pourtant, le groupe tint le coup jusqu'en 2002, en se construisant une discographie très solide.
Un an après ce premier monument, "The Shadowthrone" s'imposa comme leur œuvre de référence pour pas mal de puristes, la patte médiévale moins prononcée et se rapprochant des autres standard bien plus "evil", il n'en reste pas moins un disque de Black très prenant, flottant largement au-dessus de la masse très productive de cette seconde vague.
"Nemesis Divina" (1996) fut leur ticket d'entrée vers la reconnaissance internationale. Un retour vers des sonorités épiques, plus propre au vu des moyens plus conséquents, une inspiration encore flamboyante, aidée par des musiciens au niveau toujours grandissant et un véritable "hit" pour le style : "Mother North".
Beaucoup de fans placent le déclin du groupe à partir de cet album, à cause notamment d'un "Rebel Extravaganza" sorti en 1999 sur le label Nuclear Blast, affichant un penchant de plus en plus Indus et une imagerie artificielle. D'autres lui accorderont une nouvelle chance, préférant louer un changement de cap plutôt qu'un éternel recommencement. "Volcano" (2002) leur rendra justice en exploitant un Black moderne à tendance punkisante et un groupe encore bien capable d'impressionner. Le chant du cygne de Satyricon qui sombrera avec l'insipide "Now, Diabolical" (2006).
L'héritage qu'il laissa avec "Dark Medieval Times" fut cependant énorme. Déjà atypique lors de sa sortie, il est resté l'un des plus grands chefs d'œuvres de l'école norvégienne des 90'. Une pièce incontournable pour tout metalhead qui se respecte.

ENSLAVED - Vikingligr Veldi (1994)

Pour la plupart des jeunes loups du renouveau Black qui émergent du foyer de Bergen, en Norvège, il est délicat de faire la part des choses entre le volet musical et les frasques extra-artistiques, entre le talent intrinsèque et la médiatisation à outrance pour des raisons pas forcément très valables. Si un exemple vient contredire ce constat, c’est certainement celui de Enslaved. Il faut dire qu’en 1991, les jeunes Ivar Bjornson et Grutle Kjellson ne sont que des adolescents (Ivar n’a que 13 ans…) lorsqu’ils fondent Enslaved. Bien que pouponnés par leurs aînés du cercle fermé de Bergen (Mayhem, Immortal, Emperor), Enslaved ne suit pas forcément les traces peu recommandables de certains de leurs parrains, leur passion reste avant tout liée à la musique.
Là aussi, cas intéressant : la jeunesse des membres de Enslaved fait que ceux-ci ne passent pas, contrairement à la plupart de leurs homologues, par la case Death Metal. Dès leur première véritable démo, "Yggdrasill" (1992), ils affirment leur identité Black Metal, directement influencée par Bathory. Enslaved écrit en langue norvégienne, et suit l’évolution récente de Quorthon, à savoir un goût prononcé pour les thèmes naturalistes et la culture viking. Enslaved est mis en orbite en 1993, grâce à un split devenu célèbre, le fameux "Hordanes Land" partagé avec le non-moins prometteur Emperor. Rarement un split aura autant contribué à l’ascension fulgurante de ses deux protagonistes. Les années 92-93 ayant été prolifiques en termes de composition, le duo, complété par le jeune Trym Torson à la batterie, a désormais la matière pour sortir son premier album.

Prouvant une fois de plus à quel point Enslaved est adoubé par ses pairs, c’est par l’intermédiaire du fameux label Deathlike Silence Productions de feu Euronymous que sort "Vikingligr Veldi" au printemps 1994. Apportant une facette novatrice au Black Metal norvégien, Enslaved parvient à créer le lien définitif entre le travail de Bathory (y compris dans sa phase post-"Blood, Fire, Death") et la scène norvégienne : composé de seulement cinq morceaux mais pour une durée excédant les 50 minutes, Enslaved parvient remarquablement à construire un univers fait de glaces, de fjords et de montagnes, illustrant combats épiques et mythologie nordique. Son Black enlevé, racé et direct, est adroitement greffé de touches progressives, mêlant claviers et passages acoustiques, lui conférant une structure très particulière faite de temps forts incisifs et de temps faibles d’une beauté atmosphérique absolument bienvenue. Le rendu évoque ainsi de grandes épopées épiques où la grandeur norvégienne, de par sa nature, son histoire et sa culture, est mise en valeur avant tout.

Un tel talent n’étant pas passé inaperçu, Enslaved devient quasiment en suivant l’un des leaders de sa nouvelle écurie, les français de Osmose, qui lui permet de sortir son second full-length, le remarquable "Frost", à la fin 1994.
Mieux exposé et toujours aussi inspiré, "Frost" est l’album de la consécration. Confirmant définitivement le parti pris "viking" de Enslaved qui le démarque de ses confrères, le succès de "Frost" coïncide avec une prise de conscience norvégienne, qui conduit un certain nombre de groupes à rompre avec les sempiternelles thématiques morbido-sataniques. "Frost", quinze ans après, reste toujours l’un des symboles les plus marquants du metal extrême norvégien, compromis entre un Black pur et glacé et les envolées poétiques et folkloriques de la culture Viking Metal.
Après une période ponctuée de plusieurs tournées marquantes, il faut attendre 1997 pour voir Enslaved confirmer son statut. Tandis que le visage du Black norvégien est en train de se transformer, Grutle et Ivar enfoncent le clou et s’éloignent définitivement du métal noir pour se faire le nouveau chantre du Viking Metal. Encore plus varié et plus progressif, "Eld" joue la carte de l’authenticité avant tout, la tendance se confirmant avec "Blodhemn" l’année suivante. Préfigurant la nouvelle vague de Viking Metal qui va fleurir dans les années qui suivent, Enslaved reste toutefois à l’abri des élans un peu trop folkloriques et caricaturaux qui gangrènent parfois le genre. Avec cette série d’albums, le Viking Metal de Enslaved garde ce dépouillement et cette finesse émotionnelle qui se marient subtilement à l’ossature puissante et agressive du groupe. Un dernier relent de Black Metal colérique viendra conclure une décennie richissime, avec l’étonnant "Madraum" (2000).

Les années 2000 seront celles d’un nouvel Enslaved, toujours aussi inspiré, mais désormais trouvant sa voie dans la recherche d’un metal plus épuré, plus homogène, plus moderne aussi, signe d’une maturité musicale que plus personne ne lui conteste. En regardant dans le rétroviseur, on peut se dire que presque vingt ans après, Enslaved n’a pas grand chose à envier à ses grands frères de Bergen, à bien y regarder…

ULVER - Bergtatt (1995)

Plutôt étrange de le voir affiché sur la liste des grands acteurs de la seconde vague BM quand on connait Ulver. Les adeptes de la scène peuvent en témoigner, ils n'auront entendu parler de lui qu'un court laps de temps, non pas à cause d'un split mais plutôt grâce à l'inépuisable talent multifacettes du combo.
Enfin du combo, préférons plutôt d'un seul homme. Car Ulver, c'est avant tout l'œuvre de l'invincible norvégien Kristoffer Rygg, alias Garm. Un homme aujourd'hui réputé pour son talent pluridisciplinaire, s'étant construit une certaine renommée grâce à sa présence dans d'autres groupes comme Borknagar ou Arcturus. C'est au sein de ce dernier qu'il conçu probablement son œuvre la plus célèbre : l'incroyable "La Masquerade Infernale", géant symphonique comme expérimental.
Ulver reste cependant son projet le plus prolifique. Pourtant, avec à ce jour 17 objets officiels singuliers, seulement trois d'entre eux sont à retenir pour cette sélection. De 1993 à 1997, Ulver s'inscrit comme pionnier de cette seconde vague alors déjà en plein mouvement.

C'est en 1993 que sortira "Vargnatt", démo contenant les premiers pas du génie de notre homme en dépit de ce son franchement insupportable. Et si la base se forme déjà petit à petit, il faudra attendre 1995 et le premier disque "longue durée" du groupe pour y voir clair. Ulver sortit "Bergtatt" peu après avoir promu son identité par le biais d'un split avec Mysticum, objet aussi rare que culte.
Ce premier disque, révélation pour beaucoup de metalheads attachés à l'art noir, est un Black Metal très calme, mêlé de très près au folklore local ce qui lui valu un rapprochement avec le "Dark Medieval Times" de Satyricon à l'époque. Mais certains points importants le dissocient de son homologue. "Bergtatt" est tout d'abord moins froid, moins extrême dans sa forme brute et plus accessible. "Bergtatt" est aussi plus hétéroclite : davantage d'apparitions d'instruments traditionnels, chant et chorale made in Scandinavia, et aura certainement apporté de l'idée dans la bande des barbus casqués en drakkar.
Enfin le point certainement le plus important : "Bergtatt" est un album conceptuel aux prémices expérimentaux tant chéris par Garm aujourd'hui. La tragique histoire d'une jeune fille perdue dans une montagne ensorcelée (un brin de fantaisie ne fait pas de mal, voyons... ), présentée comme un tableau impressionniste par la musique, ainsi que certains passages étranges (ce sample immersif d'une marche paniquée dans la forêt épicée du son d'un piano lointain) font de "Bergtatt" un disque racontant une aventure, s'écoutant d'une traite et aussi profondément mélancolique, malgré les moments de colères intenses, explosant sans retenue de manière inattendue.
Ulver venait de tailler sa signature, et la sortie de "Kveldssanger" en 1996 resta intègre au sein du folklore norvégien, bien qu'il ne s'agisse plus de Black Metal. Un disque un peu cheap mais qui récolta quelques ovations grâce à sa maîtrise et sa totale absence de linéarité.

C'est en 1997 que le groupe décide à la fois de clôturer sa carrière en Black et de frapper très fort. On passera au-dessus de la petite anecdote selon laquelle Garm dépensa l'argent de Century Media prévu pour produire son prochain album en fringues de luxes et une Cadillac tout en chromes, bien que celle-ci ait son importance afin d'expliquer la raison de la production ultra-crue de "Nattens Madrigal".
Mais le virage sec ne se limite pas à ça. Car après avoir proposé une musique aussi épique que sur "Bergtatt", Ulver décide de s'attaquer à la scène Black Metal norvégienne la plus pure, celle que Darkthrone faisait exploser 6 ans auparavant. Le terrifiant "Nattens Madrigal", une production déchirante, pratiquement insoutenable, et un talent arrivé à maturité, subjuguant toute concurrence. Effectivement, une telle maîtrise de l'harmonie, une telle capacité à utiliser un accord, une mélodie comme un noble coup de pinceau font de ce disque exutoire une œuvre d'une richesse insoupçonnée.
Richesse ? Tu plaisantes j'espère... ricaneront les mauvaises langues. Mais il suffit de l'écouter pour s'en rendre compte : des dialogues d'une complexité harmonique (oui oui ! ) effarante tout en crachant un venin mortel que le genre se devait d'injecter à sa proie pour survivre. La production en devint nécessaire au final. La sombre histoire lycanthrope renfermée au sein du disque, les éructations possédées de Garm, la propre empreinte de chaque titre et ses passages insolites (le solo diabolique sur le second, l'intro à la romance assez caricaturale sur le sixième mais en osmose avec le thème, le final apocalyptique du dernier, ... ), un véritable ouragan et une nouvelle frontière traversée au sein de la scène extrême.

Il faut croire qu'en cette bestiole, Ulver aura craché tout ce qu'il pouvait. Car le groupe changea brusquement de visage. Dès lors, il devint protagoniste d'une tout autre scène, celle de la musique électronique, tout en changeant de style comme de chemise, mais s'assumant jusqu'au bout. Et aujourd'hui toujours aussi vivace, cet ogre musical n'aura pas fini de nous étonner.
Je laisserais le dernier paragraphe en l'honneur de "Perdition City", sorti en 2001 comme un album d'électro-jazz fortement psychédélique, il représente le sommet de la carrière de Garm. L'héritage de Ulver, bien que fort passé sous silence vu le peu de constance au sein de la scène metal, fut colossal.

ARCKANUM - Fran Marder (1995)

Comme la plupart des groupes ayant eu une part active dans la "deuxième vague" du Black Metal au début des années 90, Arckanum ne déroge pas à la règle. Du moins si, un peu, car l’origine est toujours la Scandinavie, mais ici, point de Norvège ou autre Bergen, c’est en Suède que nous allons poser nos galoches. Immersion à Mora, bourgade située en plein milieu de la Suède, des paysages forestiers à perte de vue, propices à la méditation, ou suivant la saison à la dépression… Bref, de quoi alimenter les pensées de notre hôte du jour : Shamaatae.
Johan S. Lahger alias Shamaatae, concepteur de Arckanum, n’est pas un débutant : batteur de Grotesque (combo Black Death suédois), leader de Disenterment (groupe orienté plutôt Death Metal). Néanmoins notre bonhomme, alors que son dernier groupe Disenterment est en train de sombrer corps et âme dans l’oubli, ne supporte plus sa musique, elle n’est pas à l’image de son idéal, il décide donc de créer son one-man project en 1992.
Arckanum voit le jour grâce à la seule volonté de son géniteur. Création vitale pour cet homme empreint de satanisme, de magie, mais aussi adorateur de la nature. De ce mélange étonnant, Shamaatae va inventer sa panacée. Le "Chaos Gnostique" ….
Le Chaos quoi ?
Hum, hum, le Chaos Gnostique…heu c'est-à-dire que… Non, sérieusement notre bon Shamaatae est intimement persuadé d’être une divinité enfermée dans son propre corps et vivant dans un monde matériel créé par un mauvais Dieu….
Si à cette conviction, nous rajoutons son idéologie sataniste, son implication dans la magie noire, l’utilisation de substances hautement hallucinogènes, on obtient une philosophie de vie plutôt tourmentée, voire carrément barrée, mais toujours coté obscur.

Sa première réalisation voit le jour en 1993 chez Fulghin Productions. Shamaatae s’adjoint les services de Sataros (présent déjà à ses cotés dans Disenterment) au chant et Love Svartteld à la guitare. Cette association musicale est, dans l’esprit de Shamaatae, une sorte de caution. Une caution car notre homme, malgré une dextérité incroyable avec tous les instruments, ne se sent pas capable de mettre sa maîtrise en application. Ce n’est que partie remise.
Cette production baptisée "Démo 93" comporte 5 titres, les textes sont en vieux suédois, afin d’asseoir définitivement ce coté mystique. Musicalement c’est vers un Black Metal barbare, primitif, mêlé à des samples de sons émanants de la nature, que cet opus lorgne.
La seconde démo "Trulen" sortie en 1994 est inscrite musicalement dans la même lignée : 15 titres de BM crasseux, entrecoupés d’interludes "forestiers". C’est dans le line-up que le changement est radical. Shamaatae est seul aux commandes de son bébé, et il assurera en totalité la conception de cette démo. C’est aussi à partir de ce moment que notre gazier va s’accoutrer comme un Troll (mystique que je vous dis !).

En 1995, Arckanum nous livre enfin son premier LP, "Fran Marder" sorti chez feu Necropolis Records. Coup de maître réussi tant cet album est devenu culte. Culte de par sa puissance dévastatrice, alliée à une espèce de mysticisme naturel. Pour en être complètement convaincu, je vous propose de vous immerger dans une forêt bien glauque avec cet album dans les oreilles…sensations garanties. La voix de Shamaatae, véritable identité musicale, est extraordinaire. Cette alliance de textes originaux, de Black Metal bestial, de samples…rend le tout furieusement avant-gardiste pour l’époque. De plus, le fait d’enregistrer cet opus avec le minimum de répétitions, presque en direct live, rend cet album complètement unique, incontournable et magnifique.

Certains vont me dire que cette perle est introuvable de nos jours, ou alors à un prix conséquent... Non, réjouissez-vous car cet album, comme la quasi-totalité de la discographie de Arckanum, a été rééditée chez Full Moon Productions en 2008. Ça c’est une bonne nouvelle, n’est ce pas ? Surtout au vu de ce que le sieur Shamaatae va nous pondre quelques années plus tard.
Revenons à notre mouton, non content de nous avoir assommés avec "Fran Marder", Arckanum remet le couvert deux ans après. "Kostogher" voit le jour en 97, toujours chez Necropolis Records et, je vous le donne en mille : énorme ! Malgré tout, la première écoute risque de vous laissez un goût amer…Mais alors pourquoi le superlatif énorme, me direz vous ? Cette amertume n’est en aucun cas assimilable au contenu musical, non, mais à la qualité de l’enregistrement. Le son est très faible, le mixage de la guitare est effroyable…Sauf que…ce "Kostogher" est une bombe à retardement. Au fil des écoutes, ce sentiment désagréable va se transformer en une puissante tornade cérébrale, les ambiances magnifiques vont prendre possession de votre conscience. Ce voyage initiatique enfanté par Shamaatae, dans ses rêves les plus fous, est une ode au dieu Pan, et croyez-moi, de la folie, il y en a à foison… Ces atmosphères "Nature et Découvertes" renforcées par des chants clairs (avec parcimonie) et l’introduction d’instruments folk, notamment le violon, rend le tout furieusement gargantuesque. C’est à un festin de roi que nous sommes conviés : du BM Pagan malsain et crade à souhait, mais hyper ingénieux, majestueux. Une pièce majeure dans l’histoire du Black Metal ni plus ni moins.

Pourquoi changer une équipe qui gagne ? Enfin vous aurez compris que sous le terme équipe j’englobe Shamaatae et son univers...
L'an 1998 marque la naissance de "Kampen". Musicalement, pas de changement, toujours aussi envoûtant, mystique mais barbare... La durée qui avoisine 1 heure 15 est l’un des changements majeurs par rapport aux précédentes productions. L’autre "bizarrerie" est le format du skeud. Necropolis Records, dans son infini bonté (sic!), a cru bon de le sortir en double album... Personnellement, j’aurais préféré l’avoir dans la continuité, cette coupure massacre cette "violente plénitude" propre à la magie de Arckanum. Cependant, cet album ne déroge pas à la règle, lui aussi mérite de figurer au panthéon du BM.
Arckanum va continuer son bonhomme de chemin au gré de la nature et surtout grâce aux illuminations déjantées de Shamaatae. Un calme relatif, entre 1998 et 2008 où plusieurs splits ainsi qu’un best-of vont nous rappeler à l’existence de ce shaman. Je ne vous parlerai point des deux dernières sorties, il faut d’abord que je les assimile et que le temps fasse son œuvre....

Étonnamment, jusqu'en 1993, le propre Bathory n'a pas de successeur avéré dans son propre pays, alors que les cousins norvégiens et finlandais s'en donnent à coeur joie dans leur guerre fratricide. A vrai dire, l'underground suédois est tout absorbé par l'incroyable vivacité de sa scène Death Metal. L'école de Stockholm est devenue l'une des références mondiales, et à Göteborg on fourbit les armes d'une seconde vague dite mélodique. Et n'en déplaise aux intégristes qui voient le Death Metal comme l'ennemi ultime du vrai Black Metal, en Suède le metal de la mort est bien le grand frère de la vague Black nationale. Enfantés du Death Metal primitif pour certains (comme Marduk qui va creuser le sillon du Black brutal à la suédoise dans lequel s'engouffre Dark Funeral), ou progénitures issues du creuset commun du bouillon de culture "mélodique" des années 92/93 (Dissection, Unanimated, Sacramentum, Dawn), parrainés pour beaucoup d'entre eux par les inévitables Dan Swanö ou Peter Tägtgren, le Black suédois (pourtant multiple et varié) a cela de commun d'assumer ses liens plus ou moins marqués avec le Death Metal.

Les deux principales écoles Black suédoises vont rapidement tracer leur chemin, définissant de nouvelles alternatives au Black Metal scandinave, même en faisant fi des dogmes du TNBM, et devenant même de vrais poids lourds du genre à partir des années 94/95. Quitte à se voir rejeter par une certaine frange orthodoxe de fans.

UNANIMATED - In the Forest of the Dreaming Dead (1993)

Parmi les précurseurs, certains sont parfois injustement oubliés de l’histoire. Dans la vague Black / Death suédois qui secoua le style entre 93 et 96, tout le monde se souvient de Sacramentum et Dissection, mais pas grand monde de Unanimated. Vous allez me dire : « Et alors ? Le combo de Johan Bohlin est tout simplement passé en pertes et profits en compagnie des Decameron, Sacrilege, The Moaning, Gates Of Ishtar et A Canorous Quintet ». Certes, mais comme nous allons le voir, l’importance historique de Unanimated pèse beaucoup plus lourd que les pourtant respectables combos cités plus haut…
Le destin est donc parfois injuste, et la limite qui sépare la gloire de l’anonymat est parfois ténue... Formé dès 1988, Unanimated est mis sur pieds par notamment Richard Cabeza (futur Dismember) dans le but de jouer un Metal direct et violent mais baigné d’occultisme. Après deux démos, le groupe de Stockholm se voit ouvrir les portes de No Fashion Records qui deviendra le plus grand pourvoyeur de combos Black / Death entre 93 et 96. Cabeza retenu par ses obligations au sein des illustres Dismember, c’est Micke Jansson qui le remplace au micro sur la session du premier album "In the Forest of the Dreaming Dead" (1993).

A la croisée de chemins métalliques extrêmes, ce premier opus évolue dans des sphères à la limite du Black et du Death, proposant des compositions agressives sans jamais oublier les ambiances. Les amateurs éclairés y verront certainement un parallèle avec les légendaires Dissection et ils auront raison. "Whispering Shadows", ses guitares lancinantes, mélancoliques et tranchantes, ainsi que le chant écorché de Micke, pourrait aisément passer pour un morceau composé par feu Jon Nödtveidt et ses sbires. Mais attention, ce disque a été enregistré quasiment un an avant le mythique "The Somberlain" ! Alors je n’étais pas sur place en Suède pour vérifier que Johan Bohlin et ses acolytes ne se sont pas inspirés un peu des démos de Dissection, mais pour ce qui est de l’écriture pour un full-length, Unanimated peut se targuer d’être le précurseur de ce style mélodique mi-Black mi-Death, si prisé par la suite dans ces contrées.
Parfois, les groupes qui essuient les plâtres dans un style se voient vite dépassés par d’autres plus ambitieux (je pense à Master pour le Death Metal par exemple), mais dans le cas de Unanimated, la qualité atteinte dès le premier disque est remarquable. La paire de guitaristes Mellberg / Bolin délivre des plans efficaces tout en laissant une large place aux ambiances, apportées notamment par le clavier intermittent de Jocke Westman. Loin des expérimentations qui se trament en Grèce, de la violence extrême canadienne ou de la course à "l’evilerie" norvégienne, Unanimated combine son Black subtil et inspiré avec le savoir faire et l’impact Death Metal. L’alternance ambiance / agression est maîtrisée à merveille, l’atmosphérique "Storms from the Skies of Grief" représente au mieux la première et "Firestorm" et ses riffs thrashy symbolise au mieux la seconde. Ce Black Metal joué de façon Death ou vice-versa atteint des sommets sur un titre éponyme peu avare en riffs mémorables, en soli torturés, en atmosphères occultes (grâce notamment à des passages de clavier épisodiques mais très prenants) et en offensives du batteur Peter Stjärnvind.

Hélas, une promo déficiente et la focalisation des hordes Black Metal sur les charismatiques Dissection cantonneront le rôle des suédois à un obscur combo de seconde zone, écrasé par l’ombre imposante de la bande à Jon Nödtveidt. Dommage, vu la qualité de "In the Forest of the Dreaming Dead", mais à noter qu’un invité de marque l’avait bien compris, je parle de Johan Hedlund (Tiamat) qui vient poser son chant clair sur le mélancolique "Cold Northern Breeze".
Les inconditionnels du Black / Death mélodique si typiquement suédois qui vénèrent Dawn, Dissection ou Sacramentum doivent impérativement se pencher sur ce merveilleux premier disque de Unanimated, pionnier du genre injustement oublié de l’histoire.

La deuxième offrande de 1995, "Ancient God of Evil", est tout aussi intéressante. Tout juste comporte-t-elle quelques riffs prémices de l’école de Göteborg qui va bientôt exploser et finalement rapidement se fourvoyer dans du Death mélodique de supermarché, calibré pour plaire aux chastes oreilles des MTV kids…
Unanimated a ensuite disparu de la circulation, envolé au même titre que cet âge d’or du Black Metal, mais après près de 15 ans d’absence, le quatuor réapparaîtra en 2009 pour proposer un troisième album "In the Light of Darkness" remarquable, n’ayant rien à envier à leurs productions initiales.
Les grands groupes ne meurent jamais, à défaut de toujours obtenir le succès qu’ils méritent…

DISSECTION - The Somberlain (1993)

Jon Nödtveidt n’est encore qu’un gamin quand il fonde son premier groupe vers la fin des années 80. Immédiatement attiré par le Death Metal alors naissant, la noirceur de son univers et sa puissance ultime, il met en pratique ses inspirations au sein de son nouveau groupe, Dissection, qu’il forme en 1989. Après une première démo, les promesses s’annoncent déjà avec l’EP "Into Infinite Obscurity" : glissant d’ores et déjà vers des sphères occultes et un héritage marqué du Black Metal des années 80, Dissection se détache par son approche atypique à l’heure de gloire du Death Metal suédois.

Jusque là précédé par sa réputation dans l’underground, c’est toute la scène extrême qui se retrouve éclaboussée par le talent de Dissection, lors de la sortie de "The Somberlain" en 1993. Irrémédiablement rattaché à la jeune vague norvégienne, idéologiquement et sentimentalement, Dissection n’en demeure pas moins suédois jusqu’au bout des ongles dans son approche artistique. "The Somberlain" défriche, innove, impressionne. Délaissant l’approche minimaliste, crue et dépouillée d’un Darkthrone, Dissection privilégie une approche plus Heavy, plus fouillée, faisant la part belle à la finesse mélodique et aux riffs harmoniques pour créer des ambiances aussi esthétiques que glaciales. Foncièrement occulte et mortuaire, le metal de Dissection donne le frisson, sans avoir recours à la brutalité. La notion de Black mélodique, que l’on attribuera plus tard au groupe, prend ici tout son sens.
Mis en orbite par son chef d’œuvre, Dissection garde une place à part dans cette vague surpuissante qui semble surgir de Scandinavie dans ces années 94-95 : à la fois proche artistiquement d’un certaine frange de l’école norvégienne et assez éloigné de la tournure brutale que prend le Black suédois version Marduk ou Dark Funeral, Dissection incarne le répondant Black à la tournure mélodique qui transforme le Death suédois. A ce titre, il entraîne dans son sillage quelques compatriotes qui vont s’engouffrer dans la brèche et nous pondre à leur tour quelques merveilles du genre (Sacramentum, Dawn).

Toutefois, le maître reste Nödtveidt et son combo : le second album, "Storm of the Light’s Bane", vient consacrer tout à fait le génie de Dissection en 1995 : même recette que "The Somberlain", même inspiration funèbre, même finesse mélodique, même équilibre technique. Beaucoup le préfèrent à "The Somberlain", peut-être pour le soupçon d’audace et de variété supplémentaire. Pour ma part, je reste toujours plus enclin à me plonger dans le lyrisme un poil plus brut du premier, mais au-delà de ses broutilles toutes personnelles, le seul constat qui fait l’unanimité, c’est qu’en deux albums, Dissection a écrit l’une des plus belles pages du Black Metal scandinave, certes avec une approche toute personnelle, mais qui prouve éternellement que la mort et l’occulte peuvent être d’une froide beauté.

Le grand Dissection s’arrête quasiment ici : Jon Nödtveidt est arrêté en 1997 pour complicité de meurtre sur un immigré homosexuel. Le groupe est donc mis entre parenthèses jusqu’à la sortie de son leader en 2004. Les errances psychologiques de celui-ci semblent avoir gagné du terrain en prison, et désormais ses inspirations ésotériques aux penchants morbides semblent l’obnubiler. Le dernier album de Dissection, "Reinkaos", reste indissociable du suicide de son leader, quelques mois plus tard, en Août 2006 : déroutant, incompris, dérangeant.
Le caractère intemporel de ses premières œuvres n’est pas affecté par cette drôle de conclusion, bien au contraire. La légende de Dissection reste bien vivante.

DAWN - Naer Solen Gar Niber for Evogher (1994)

Tandis qu’en Norvège, sous la houlette de Mayhem et Euronymous, les nouveaux soldats du Black norvégien veulent faire du Death Metal leur ennemi juré, au pays de Quorthon celui-ci règne en maître absolu, faisait vivre un underground vivace de jeunes musiciens entièrement dédiés au sacro-saint style. Dawn, qui prend forme dans les années 90-91, est de ceux-là. Leur leader, Fredrik Söderberg, ami de Patrick Jensen (fondateur de Seance), s’entoure d’un premier line-up qui se stabilise en 1992, l’année des premières démos du groupe, dont la seconde est enregistrée chez Dan Swanö, l’incontournable.
A cette époque, le groupe joue du Death Metal pur et dur, mais la sauce suédoise qui prend forme en 92-93 chez de nombreux groupes (riffing plus linéaire et moins gras, abandon du growl pour un chant plus vociférant) impacte également le jeu de Dawn. Dans ce maelström passionnant qui engendre à la fois une veine Death mélodique et une autre plus orientée vers le Black Metal, Dawn bascule dans la seconde voie, à l’instar d’un Dissection ou d’un Sacramentum.

"Naer Solen Gar Nider For Evogher" (à mes souhaits), premier album du groupe, est enregistré chez Swanö (évidemment) et sort courant 1994 après avoir séduit le label Necropolis. Assez différent de ses confrères Marduk ou Dark Funeral, Dawn joue dans un registre mélodique assez envoûtant, avec un jeu à deux guitares permettant de balancer de grands riffs épiques et glacés à couper le souffle, dans une veine proche du Black melo de Dissection. L’atmosphère de "Naer Solen…" se rapproche ainsi, malgré une approche technique assez différente, des ambiances mêlées d’agressivité et de beauté naturaliste que l’on retrouve chez beaucoup de norvégiens (Enslaved par exemple). Toutefois, l’école suédoise laisse son empreinte : constructions rythmiques carrées maîtrisant l’alternance entre temps faibles et envolées de blasts, structures travaillées alternant judicieusement les envolées linéaires des guitares, son sec mais propre et mixage opportun. Bref, l’emballage est de très haute volée pour un premier disque, et comme Söderberg démontre un talent de composition hors du commun avec un sens inné de la mélodie immersive : "As the Tears Fall", "In the Depths of my Soul" (qui était l’un des premiers morceaux de Dawn), "Diabolical Beauty", autant de thèmes superbes qui s’incrustent profondément dans les têtes. On notera également la présence de deux titres écrits en vieux suédois (un peu à la façon de certains cousins norvégiens), dont l’élégant "Ginom Rinande Lughier", construit sur un mid-tempo magistral qui s’emballe délicieusement.
Bref, "Naer Solen…" est un petit bijou d’homogénéité et d’équilibre, compromis entre un Death / Black mélodique soigné purement suédois et une ambiance immersive glacée que l’on retrouve chez les meilleurs norvégiens.

On pourrait croire qu’avec ce disque magnifique, Dawn a tout pour devenir un très grand du Black suédois. Seulement, le destin en décide autrement. Fredrik Söderberg est victime d’un accident du travail (il est boucher dans le civil, ça ne s’invente pas…) au niveau de la main. Son leader étant incapable de jouer pendant plus d’un an, le groupe ne redevient productif qu’à l’hiver 95, avec un maxi nommé "Sorgh på Svarte Vingar Fløgh", produit par…Peter Tägtgren (toujours les deux mêmes…). Un MCD là encore magnifique, avec deux morceaux ("Sorrow Flew of Black Wings" et "Soil of the Dead") de sublime Black / Death mélodique et épique, avec ses pointes de touches progressives venant parachever le grand souffle linéaire et intense de Dawn. L’effet Tägtgren est lui aussi notable, avec une production très puissante qui donne une épaisseur remarquable au contenu. Tout cela n’est que l’apéritif de ce que va donner le formidable second album, "Slaughtersun (Crown of the Triarchy)".
Enregistré aux studios Abyss en 1997, avec un nouveau batteur derrière les fûts (Jocke Petterson), "Slaughtersun" est l’un des plus beaux disques que la Suède a offert au Metal extrême, Black et Death metal confondus. Plus puissant, plus ravageur, plus enlevé, mais toujours aussi équilibré et harmonieux, "Slaughtersun" est une force tellurique où la beauté harmonique n’a d’égal que la violence apocalyptique qui se dégage des compos : on citera notamment les deux premiers morceaux, qui dévastent tout sur leur passage au niveau émotionnel (ah, "Falcula"…), ou l’incroyable avalanche de brutalité de "The Aphelion Deserts", digne de revendiquer une belle place dans l’anthologie du brutal Black. Dawn sait aussi calmer le tempo tout en gardant toute sa force épique (comme sur le lancinant "Ride the Wings of Pestilence"). Le côté immersif de "Slaughtersun" est renforcé par la longueur moyenne des compositions, tournant entre 8 et 9 minutes.

Aussi incroyable que cela puisse paraître, un tel chef d’œuvre est toujours, douze ans après, le dernier album en date des Suédois… Entre 1998 et 2000, le groupe se cherche un batteur après le départ du formidable Petterson, puis se met à travailler sur un nouvel album. Un nouveau problème survient, qui reste encore aujourd’hui assez incompréhensible : le groupe peine à signer avec un label, alors que des géants comme Nuclear Blast ou Earache semblent enclins à les recruter…le groupe finit par signer avec un label suédois…qui coule en 2003. Depuis, c’est le silence, bien que le groupe n’ait officiellement pas splitté. Une bonne nouvelle tout de même : pour ceux qui ne connaissent pas Dawn, une compilation reprenant l’intégrale du groupe à partir de "Naer Solen…" est sortie en 2004. De quoi se rattraper et redécouvrir ce groupe qui, à défaut d’être le plus connu, est assurément l’un des plus doués et les plus marquants de sa génération.

SACRAMENTUM - Far Away from the Sun (1996)

La Norvège est en ébullition, des musiciens brûlent des églises et vont en tôle (laissant en plan Emperor), d’autres se suicident, imaginez : ils se tuent même entre eux (Count Grishnackh vs Euronymous pour les dissipés du fond de la classe qui n’ont pas suivi)... En Suède, c’est plus calme au niveau de l’actualité "qui fait peur aux petites mémés au journal de 13 heures", et en matière de Black Metal, le pays tente de tenir la dragée haute à son omnipotent voisin, grâce principalement à Marduk, Dissection ou des petits nouveaux pointant le bout de leur nez tels Setherial et Dark Funeral.

L’œil avisé (quand il ne signe pas des conneries comme Daemonium ou Neolithic) de Christian Bivel a également repéré un jeune combo suédois fort prometteur nommé Sacramentum. Il réédite le mini "Finis Malorum" avant de leur offrir un deal pour leur premier album.
Niklas "Terror" (batterie), Anders Brolycke (guitare) et Nisse Karlen (basse/chant) bénéficient en été 1995 du travail d’orfèvre du célèbre Dan Swanö, musicien émérite au sein de Edge Of Sanity et également ingénieur du son de renom dans son antre du Unisound Studio.
Visuellement, le trio frappe fort également, faisant appel au talentueux Kristian Whalin, plus connu sous le nom de Necrolord et auteur de la fantastique pochette de "In the Nightside Eclipse" (Emperor). La similitude entre les deux travaux est édifiante, on y retrouve les mêmes teintes bleutées et cette atmosphère sombre et embuée. Ainsi débarque "Far Away from the Sun" au printemps 1996, accompagné par une promo conséquente de Adipocere qui n’hésite pas à afficher des encarts un peu partout et mettre des titres sur les samplers de l’époque, aidé aussi par le buzz qui veut que Sacramentum soit le digne héritier des défunts Dissection.
Et c’est vrai que "Far Away from the Sun" rappelle beaucoup la musique du combo de Jon Nödtveidt, c’est à dire un Black Metal avec quelques riffs appuyés proches du Death Metal et toujours un côté mélodique sous-jacent. Le chant arraché et inquisiteur de Nisse Karlen n’est pas non plus sans rappeler celui du défunt Jon. Cela dit, même si la comparaison est inévitable, réduire Sacramentum au rang de simple clone de Dissection serait dévalorisant pour leurs travaux tant une personnalité propre émane de "Far Away from the Sun". Cependant, un autre point commun de taille (et qui a contribué à l’amalgame) est l’enregistrement de FAFTS au Unisound Studio de Dan Swanö. Pourtant, le son titanesque de l’album de Sacramentum est bien différent de celui clair et précis de "Storm of the Light’s Bane". Musicalement aussi, des différences notables apparaissent : là où la musique de Dissection est fréquemment aérée par de la guitare acoustique, Sacramentum relâche plus rarement la pression et avance au gré du matraquage intensif de Niklas Rudolfsson. "Fog’s Kiss" ouvre d’ailleurs l’album sur une partie furieuse sans la moindre intro.
Le trio suédois emporte l’auditeur dans son monde "très loin du soleil", dans son Black / Death mélodique tourbillonnant et imparable, chaque riff s’imprime à l’encre indélébile dans le cerveau du metalhead, le premier du morceau éponyme est un modèle du genre.

FAFTS c’est l’équilibre parfait entre agressivité et mélodie, à l’image de "Blood Shall Be Spilled" débutant par un linéaire Black à la tierce remarquablement mélancolique pour enchaîner dans une frénésie Black / Death cataclysmique, tout en gardant ce côté mélodique sous-jacent. De plus, à l’écoute notamment de "When Night Surrounds Me", Anders Brolycke et les siens ont gardé indéniablement quelques racines du Black Metal plus ancien, on y retrouve notamment ce côté épique du Bathory période viking. Chaque chanson est un pur régal, ce qui fait que le chroniqueur que je suis est bien embêté pour en mettre une en avant plus qu’une autre. D’ailleurs, pas le moindre titre bouche-trou à signaler, juste un ensemble homogène dans sa perfection… Cependant, j’extrairai tout de même l’hypnotique "Obsolete Tears" et la percutante "The Vision and the Voice" qui tirent un peu plus ce magnifique opus vers le haut.
Voilà comment, sans révolutionner le style ni verser dans l’expérimental ou l’original à tout prix, Sacramentum aura réussi à nous sortir un intemporel qui fait l’unanimité, reconnu aussi bien chez les blackeux que les deathsters, et même en dehors du cercle Metal Extrême : la marque des très grands.

Démarrer une carrière sur un monument pareil aurait pu (du ? ) augurer une longue période de gloire et de prospérité à Sacramentum. Hélas, "Far Away from the Sun" restera l’apogée pour Nisse Karlen et ses sbires et leur activité phonographique s’arrêtera avant le troisième millénaire. L’ascension paraissait pourtant manifeste, surtout que le trio obtint un contrat chez Century Media pour son deuxième album. "The Coming of Chaos" (1997) enregistré sous la houlette de Andy Larocque proposera un Black / Death de grande qualité, avec cette fois des influences Thrash Metal. En revanche, ce disque peine à reproduire l’aura quasi-mystique de FAFTS, faisant cruellement redescendre le groupe sur terre et le ramenant au simple stade de très bon groupe, ce qui n’est déjà pas si mal.
Oui mais voilà, la signature sur un gros label eut l’effet paradoxal de diminuer l’exposition de Sacramentum, alors que le trio de Göteborg était la figure de proue de Adipocere, les voilà comme un simple combo de plus au milieu du riche catalogue Century Media. Du coup, "The Coming of Chaos" passe honteusement inaperçu, et en regardant le contenu du disque, c’est vraiment regrettable. Les froides atmosphères de FAFTS laissent ici leur place à des rythmiques plus enflammées, à l’image de la pochette rougeoyante. Cela dit, des morceaux comme "Awaken Chaos" ou "As Obsidian" restituent encore très bien l’esprit à la fois mélodique et agressif du combo si bien agencé sur le premier opus.
Sur l’album testament "Thy Black Destiny", la qualité sera toujours au rendez-vous, les influences Thrash et Death Metal seront encore plus marquées et le disque plus brutal, laissant hélas en route une partie de l’atmosphère si particulière de FAFTS. L’aventure s’arrêtera hélas ici, Sacramentum splittera au début du millénaire et Niklas "Terror" Rudolfsson partira se consacrer à ses multiples projets (Runemagick, Deathwitch,…).

Dommage, on reste sur un goût d’inachevé, la sensation d’un potentiel énorme qui n’aura jamais pu être exploité entièrement. Restent trois témoignages : les bons "Thy Black Destiny" et "The Coming of Chaos", ainsi que "Far Away from the Sun", entré dans la légende du Black suédois, et pièce maîtresse du Metal tout court.

MARDUK - Opus Nocturne (1995)

Formé en 1990 à l’initiative de Morgan Håkansson, Marduk est un pur rejeton de la première vague de Death Metal suédois. Le guitariste leader (qui l’est toujours dans la formation actuelle) s’entoure de Richard Kalm à la basse, Andreas Axelsson au chant et Joakim Av Gravf à la batterie. L’année suivante, le groupe commence à écrire et à enregistrer de quoi sortir une paire de démos. Une seule paraîtra, la fameuse "Fuck Me Jesus", formidable coup marketing…4 ans plus tard, lorsque celle-ci sera rééditée avec la célèbre pochette figurant une jeune demoiselle s’occupant d’une manière fort peu catholique un crucifix à la main. Mais pour l’heure, Marduk a fort à faire pour se démarquer au milieu d’une concurrence féroce. Le groupe commence à y parvenir grâce à une identité somme toute assez sombre et un vrai héritage des pionniers du Black Metal des années 80. Renforcé par Devo Anderson en tant que second gratteux et signé par No Fashion Records, Marduk a l’opportunité de montrer son potentiel sur son premier album, "Dark Endless".

Enregistré courant 1992, mixé par Dan Swanö, l’album sort à la fin de cette même année et montre un Marduk au visage encore incertain, bien que plein de promesses. Techniquement toujours ancré dans les standards du Death suédois, avec ce son tranchant et gras, sa rythmique jonglant entre breaks lourds et accélérations échevelées, Marduk confirme toutefois son côté très sombre : l’atmosphère d’outre-tombe prend souvent une tournure vicieuse et maléfique, le chant de Axelsson se démarque un peu de celui de ses confrères pour reprendre le caractère démoniaque de quelques confrères norvégiens (Darkthrone en tête), et les premiers riffs très typés Black Metal font leur apparition ça et là ("The Funeral Seemed to Be Endless",…). Pas forcément marquant parmi toutes les sorties Death Metal qui gravitent autour de la capitale suédoise, il n’en va pas de même pour la petite communauté qui suit le frémissement d’un renouveau Black Metal dans la péninsule scandinave. Le tout jeune label français Osmose, avide de signer les forts potentiels de cette nouvelle scène, ne rate pas Marduk. La machine suédoise est désormais lancée. Revenu à un quatuor après le départ de Axelsson (c’est Joakim qui officie au chant), le groupe assume désormais complètement son dévouement au Black Metal et signe avec "Those of the Unlight", son premier véritable album de Black Metal.
Le style Marduk est né, reconnaissable entre mille, et devient en quelque sorte le standard du Black brutal à la suédoise : direct, agressif, assez martial, le Black de Marduk délaisse les linéarités envoûtantes ou la recherche harmonique de ses confrères norvégiens. On peut y détecter sans aucun doute l’héritage inévitable de l’école Death suédoise, ne serait-ce que dans la construction des morceaux et notamment dans la gestion du tempo, ou tout simplement par la recherche d’un son assez puissant et clair. Toujours est-il que "Those of the Unlight" s’avère un disque de premier ordre, que Marduk part défendre en compagnie du déjà légendaire Immortal, lors d’une tournée européenne qui contribue à la propagation de l’épidémie en cette année 94. Désormais considéré comme le meilleur représentant de la Suède chez Osmose, complétant son triumvirat nordique avec Immortal et Impaled Nazarene, Marduk stabilise son line-up avec le redoutable Fredrik Andersson placé à la batterie.
Il est l’heure de frapper un grand coup : enregistré à l’automne 94, produit et mixé par Dan Swanö, "Opus Nocturne" bénéficie en outre d’une sublime pochette esquissée par Kris Verwinp, incarnant l’identité profonde du disque, l’Esprit de la Nuit. Violent, incantatoire, épique, l’Ode à la nuit et à l’obscurité est portée par une atmosphère glacée renforcée par un son sec et incisif qui donne un cachet particulier au Black Metal enlevé de Marduk. Quelque part entre la noirceur d’un Darkthrone et surtout du souffle épique d’un Immortal, les suédois explorent leur propre voie qui devient définitivement la référence suédoise, dont les structures et certaines constructions trahissent discrètement un héritage Death Metal. Cependant, malgré ces traces légères, "Opus Nocturne" est définitivement un grand moment de Black Metal, avec quelques bijoux du genre ("Autumnal Reaper", "Untrodden Paths",…), et d’une manière générale, même sur quelques temps faibles, une atmosphère cérémonielle prenante et sublime que l’on perdra au fur et à mesure de l’évolution future de Marduk. Cette évolution est toutefois palpable, dans une recherche quasi-systématique de vitesse et de brutalité, même contrebalancée par des passages lancinants mais ô combien prenants ("Deme Quaden Thyrane"). "Opus Nocturne" marque les esprits, donne ses premières lettres de noblesse au Black suédois pur et dur, impose Marduk comme un leader du genre.

Un peu plus d’un an plus tard, "Heaven Shall Burn" (1996) assoit complètement le statut de Marduk, dans un registre qu’il ne quittera plus, le Black brutal. A la fois héritier direct de "Opus Nocturne", dans la poigne de ses riffs épiques et glacés (cette fois mis en relief par la patte de Peter Tägtgren), dans son ambiance noire et blasphématoire, et incontestable bond en avant dans l’agression systématique et la brutalisation de son Black, "Heaven Shall Burn" revêt un caractère plus direct, plus ultime, oubliant quasiment les concessions rythmiques et le contraste de son aîné. Le chant de Legion, lui aussi plus brutal, contribue à faire évoluer Marduk dans un registre mortuaire et guerrier au côté presque systématique. Une fois de plus, Marduk a impressionné. Ne serait-ce le redoutable "Battles in the North" de ses cousins norvégiens, le groupe suédois devient la référence du Black metal ultime, qui fait de la brutalité sa composante première.
Grisé par ce statut et obnubilé par cette recherche de violence, Marduk refuse désormais toute concession et va aller au bout de sa quête. Il le fait partiellement sur "Nightwing" (1998), l’album suivant, qui témoigne de cette volonté de radicalisation notamment dans sa première partie, ne gardant que subrepticement le visage mystique et envoûtant de l’ancien Marduk, sur la fin d’un disque qui sonne comme une conclusion (la réutilisation de "Deme Quaden Thyrane" n’y étant pas pour rien).
Un an plus tard, Marduk a définitivement laissé derrière lui la nuit, les forêts, les montagnes et les ambiances incantatoires. "Panzer Division Marduk", son canon pointé droit devant, la référence à l’uniforme vert-de-gris et les relents qui l’accompagnent…Marduk provoque, et ça réussit. Il faut peut-être croire que la jeune foule des nouveaux adeptes du BM est lassée du grand Satan, toujours est-il que cette nouvelle source de scandale fonctionne à merveille. Musicalement, Marduk n’est pas en reste. Après avoir copieusement cherché à accélérer la cadence, le voilà désormais prêt à traiter à fond un nouveau thème : la guerre. Et musicalement donc, le résultat est mitigé. L’ambiance de fin du monde est bien là, le paysage décharné et lunaire, mais la trop grande linéarité du disque le rend tout de même moins intéressant et envoûtant que ses prédécesseurs. Cherchant à tirer le maximum de vitesse et de puissance, Marduk s’éloigne également dangereusement des standards sonores du Black Metal, ce qui ne manque pas de faire grincer les gencives orthodoxes. La césure se situe donc à tous les étages, y compris au niveau du label. Mais peu importe pour les suédois. A l’heure où la grande génération scandinave s’essouffle quelque peu, que le Black Symphonique prend ses aises, et que le Death Metal repointe le bout de son nez, Marduk attaque le nouveau millénaire par la grande porte, et la qualité plus ou moins fluctuante de la suite de la discographie ne va plus rien y changer.

Le groupe est désormais l’icône du Black suédois, et certainement le vrai leader de la frange brutale du Black scandinave. Mais ceci est une autre histoire, un autre siècle. L’Ode à la nuit, elle, résonne toujours.

DARK FUNERAL - The Secrets of the Black Arts (1996)

Né trop tard (1993) pour profiter de l’âge d’or du Death de Stockholm, Dark Funeral se lance dès ses débuts dans le bain du Black Metal. La Suède, entourée de ses deux voisins impétueux, commence à se frayer une petite place grâce aux prometteurs Dissection ou Marduk. Plutôt enclin à suivre la voie radicale du second nommé, le quatuor fraîchement formé est lui aussi accueilli par Dan Swanö pour se voir offrir une première opportunité de démontrer son potentiel sur un EP éponyme, avant d’avoir été signé.
Il n’y aura pas besoin d’une deuxième chance : en un gros quart d’heure de vociférations blasphématoires, de riffs puissants et incisifs, de grands séquences de double et de blasts, Dark Funeral pose la seconde pierre à l’édifice du Black brutal suédois (dont on ne parlera en tant que tel que vers 1995-96), assez crû et direct, mais avec une assise puissante et une construction rythmique influencées par le Death Metal. Le choix de s’être limité à 4 morceaux s’avère également payant : choisissant la qualité plutôt que la quantité, Dark Funeral offre un condensé de son talent avec quatre bijoux. Le très enlevé "Open the Gates", sa petite intro immersive et ses enchaînements de passages assez rapides délivrant une sensation de puissance obscure incontestable, le double riff sublime et épique du superbe "Shadows Over Transylviana" (qui paradoxalement n’est pas si éloigné de l’univers de Dissection), le sulfureux "My Dark Desires" qui ravage tout sur son passage par sa puissance dévastatrice et le déversement d’un flot de paroles haineuses et habitées, enfin "In the Sign of the Horns", plus posé, imposant, avec son superbe break à l’effet saisissant… Le tout est servi par une production aux petits oignons : le son reste crû mais le rendu reste assez puissant et adapté à l’univers de Dark Fufu. Là aussi, la patte suédoise prend forme.

Signé dans la foulée par No Fashion, Dark Funeral vit une année 95 particulière. Enregistrant tout d’abord son premier album, "The Secrets of the Black Arts", une nouvelle fois chez Dan Swanö, les membres de Dark Funeral (se composant désormais de Lord Ahriman, Blackmoon -les gratteux fondateurs-, de Themgoroth -chanteur & basse- et d’Equimanthorn -batterie- qui a remplacé Draugen) ne se satisfont pas (plus) de la production assez sèche du leader de Edge Of Sanity. Décision significative d’un trait fort de Dark Funeral, la recherche d’un son puissant en totale antinomie avec la veine minimaliste du Black au son "raw", tel que défendu par un Darkthrone. Les suédois filent donc chez l’autre grand chantre de la scène extrême locale, Peter Tägtgren, leader de Hypocrisy, au studio Abyss. La sortie de l’album est ainsi repoussée en Janvier 1996, mais cela n’atténue pas l’effet bœuf qu’il produit. Un cran plus rapide, dense et implacable que l’EP initial (dont il reprend deux morceaux qui viennent par ailleurs apporter un poil de nuance), l’album possède un impact incontestable. Ses missiles utilisent globalement la même recette : deux ou trois riffs directs plutôt intenses et incisifs, des changements de rythme redoutables au milieu d’un bombardement de blasts, un chant toujours aussi martial, et un son franchement tranchant. Direct et linéaire sans être rébarbatif, efficace sans faire dans le minimalisme, la recette de Dark Funeral est d’un effet redoutable, grâce à un savant mélange entre des riffs plutôt inspirés et immersifs, et un rendu sonore donnant un aspect monumental qui tranche avec les productions plus minimalistes qui ont alors cours. De "The Secrets of the Black Arts" (l’éponyme), à "When Angels for Ever Die" (seul morceau qui ne figure pas dans la tracklist d’origine enregistrée aux Unisound) jusqu’à "Satan’s Mayhem", le disque ne recèle pas vraiment de points faibles, les superbes "Shadows Over Transylviana" et "My Dark Desires" venant compléter à merveille ce brûlot de Black brutal, toujours considéré comme l’une des références les plus marquantes du genre.

Ce style suédois prend forme pour de bon en cette année 96, avec le "Heaven Shall Burn" de Marduk ou le "Nord" de Setherial. Dark Funeral y prend une place de choix, son obstination satanique comme sa virulence musicale lui conférant une étiquette qu’il va entretenir jusqu’à l’obsession. Pour autant, l’avenir immédiat de Dark Funeral n’est pas sans difficulté : un changement quasi-complet de line-up vient perturber la marche en avant du groupe. Autour de son leader Lord Ahriman, le nouveau Dark Funeral garde tout de même une sacrée gueule, notamment pour ce qui est du frontman, le fameux Masse Bromberg (ex-Hypocrisy), qui se fait désormais appeler Emperor Magus Caligula. Dark Funeral continue de construire son image sulfureuse, quitte à franchir parfois le caricatural. Sa première tournée américaine en 97 fait ainsi grand bruit, le groupe reprenant quelques grands principes initiés sur scène par Mayhem des années auparavant (têtes de porc empalées sur des croix et autres joyeusetés).
Et le nouveau tandem pensant Ahriman / Caligula cherche à enfoncer le clou avec le second album, "Vobiscum Satanas", enregistré en 97 au Studio Abyss. Mur de guitares et de blasts sans franchement de temps mort ni de subtilité, la prestation de Caligula est saisissante, c’est vrai, mais la recherche toujours plus obsessionnelle de puissance et de densité, couplée à une écriture un poil moins inspiré que "The Secrets…" rend le disque moins enthousiasmant. Déjà boudé (pas forcément à juste titre) par ceux qui lui reprochent un son trop "clean" et un discours trop caricatural pour être vrai, Dark Funeral divise désormais les amateurs de Black pour de bon, le caractère ultime, la puissance "accessible" de "Vobiscum…" séduisant également un nouveau public pas forcément sensible au paysage décharné et crû d’un Darkthrone. Le Black n’acceptant pas les compromis, Dark Funeral voit comme son grand frère Marduk sa popularité croissante coïncider avec un rejet de la frange dure des blackeux. Peu importe pour les suédois qui ont depuis longtemps choisi leur destinée, ils assument leur statut de poids lourd du Metal extrême européen, jouent au Wacken ou en tournée avec des grands du Death Metal.

Après quelques amuse-bouches d’attente, le groupe prend son temps pour peaufiner un troisième album qu’ils savent attendu. "Diabolis Interium" (2001) reprend la même recette (Abyss Studio / Tägtgren), histoire de s’assurer d’une production impeccable, mais les compositions sont retravaillées pour retrouver une profondeur digne de "The Secrets…", sans perdre son redoutable impact. Désormais, Dark Funeral tient sa vitesse de croisière, un fil conducteur que l’on retrouve sur les 3 albums qui jalonnent la période 2000-2010 : un artwork stylisé et reconnaissable, des titres d’albums en latin, un son puissant et travaillé (même un peu trop lors de la seule infidélité à Peter Tägtgren sur "Attera Tottus Sanctus"), et un style de brutal Black maîtrisé sur le bout des doigts, reconnaissable entre mille, qui régale sa horde de fans aussi bien qu’il exaspère ses détracteurs, toujours pour les mêmes raisons. Mais Lord Ahriman s’en contrefout bien, 15 ans après ses magnifiques débuts, Dark Fufu est toujours en haut.

SETHERIAL - Nord (1996)

En cette année 1996, alors que Samoth et Faust sont à l’ombre tous les deux, Emperor est décapité. Mais leur chef d’œuvre "In the Nighside Eclipse" a fait des émules, et les disciples du style commencent à émerger un peu partout : Enthroned en Belgique, Behemoth en Pologne notamment. Evidemment, la Scandinavie n’est pas en reste avec en particulier Setherial, jeune combo suédois aux dents longues fraîchement signé sur le label autrichien Napalm Records aux côtés de Summoning et Abigor.
L’influence Emperor est donc indéniable chez Setherial et transparaît jusque dans l’artwork, où les quatre membres du groupe et leurs corpsepaints apparaissent un à un en médaillon à l’arrière du CD (ça ne vous rappelle pas quelque chose ?). Pour ce premier full-lengh, Napalm a carrément déroulé le tapis rouge et c’est au Abyss Studio de Peter Tägtgren que Setherial enregistre "Nord" (1996). Remarquez, avec un nom d’album pareil, il aurait été paradoxal de faire ça en Floride…

Le résultat sonore est de toute façon à la hauteur et c’est avec le plus grand plaisir que "In The Still of the 21 Northern Fulmoon" déboule sans fioritures dans nos esgourdes. La similitude avec Emperor est clairement identifiable, cependant Setherial n’est pas un clone (qui vont bientôt se compter par dizaines) : la structure des morceaux est ressemblante, l’approche, elle, est différente : les compositions sont plus agressives et le clavier moins omniprésent, plus discret.
Dans tous les cas, Lord Mysteriis, l’homme qui fait la pluie et le beau temps au sein de Setherial est un excellent compositeur et on peut s’en rendre compte tout au long des 6 hymnes et des 45 minutes de "Nord"... Par exemple, le riff central de "Over Det Blodtäckta Nord", pierre angulaire de l’album avec ses 13:50, vous restera dans le crâne un bon moment.
"Murkrets Tid" ou "For Den Mitt Blod" sont également de magnifiques odes à la froideur du Nord justement, aux pensées païennes, démoniaques et misanthropes de leur créateur, comparables aux premiers Satyricon.
Concernant les paroles, à part la première chanson, Kraath écrit ses textes dans sa langue maternelle, d’où l’impossibilité pour votre serviteur de vous décrire précisément ce qu’il s’y raconte, mais on peut faire le pari que ce n’est pas des Télétubbies ni de Plus Belle La Vie.

Il faut signaler que "Nord" a fait grand bruit à sa sortie, nombre de blackeux voyant en Setherial le successeur de Emperor, fait aussitôt démenti par "Lords of the Nightrealm" (1998). En effet, à partir de ce deuxième album, finito les claviers, le son s’épaissit et Setherial bascule définitivement dans le fameux brutal Black Metal à la suédoise si cher à Marduk.
Mais en dépit de tous leurs efforts et de la violence déployés par les suédois jusqu’ici, aucune des sorties de Setherial ne parviendra à égaler leur mythique premier album. On signalera quand même dans un court panorama de leur discographie, un "Endtime Divine" (2003) tout à fait honorable et surtout un "Hell Eternal" (1999), véritable déflagration satanique, disque le plus extrême du quatuor. En revanche, les blackeux ont semblé perdre la foi sur un "Death Triumphant" (2006) moins convaincant, plus mélodique et commun, avec une certaine perte d’identité et de repères.
La question est : vont-ils redresser la barre avec leur toute nouvelle galette "Ekpyrosis", attendue d’un jour à l’autre chez Regain Records ? Dans tous les cas, "Hell Eternal" et surtout "Nord" resteront comme les deux pièces marquantes des suédois, à acquérir en priorité pour ceux qui souhaitent découvrir Setherial, groupe moins connu que Marduk ou Dark Funeral, mais ayant contribué presque autant à façonner et à vulgariser le Black Metal suédois, si typiquement rentre-dedans.

Black… The Swedish Way.

Issu de la seconde vague du BM, le Black Symphonique est rapidement devenu un genre majeur du Metal, connaissant un grand boom créatif et médiatique lors de la fin des années 90, restant encore aujourd'hui l'assurance d'un estampillage très vendeur. Un genre parvenu à se tailler un chemin doré jusque dans les enseignes les plus généralistes, grâce notamment au (ou à cause notamment du … c'est selon) rayonnement de deux de ses principaux représentants que sont les norvégiens de Old Man's Child et Dimmu Borgir, chacun ayant acquis le statut de figure de proue dans leurs maisons de disques respectives : Century Media pour l'un, Nuclear Blast pour l'autre, soit deux grosses cylindrées, c'est-à-dire l'assurance de se voir mis en avant dans les encarts publicitaires, de bénéficier de la primeur des articles dans la presse spécialisée et, par la même occasion, de gagner son petit pactole même si on réalise des albums un peu (voire très) en deçà.

Old Man's Child / Dimmu Borgir : deux groupes qui ont connu l'obscur underground lorsqu'ils évoluaient sous des cieux atmosphériques, deux groupes qui ont ensuite parfaitement su exploser au moment où il le fallait (fin 90' / début 2000') dans le style qu'il fallait (le BM Symphonique), le succès allant grandissant au fur et à mesure de (super)productions donnant toujours plus dans le spectaculaire et le bombastique. Deux icônes dont le parcours vous est intégralement retracé dans cet ultime chapitre et qui, à l'image de l'ensemble de la scène BM Sympho, divisent irrémédiablement les adeptes de BM. Pour schématiser, nous avons, d'un côté du ring, les "gardiens du temple" : adorateurs d'un BM de grande tradition criant à la trahison, débectés par l'incursion d'éléments esthétiques et mélodiques allant à l'encontre de la nihiliste flamme originelle dont le BM se doit d'être l'éternel garant. De l'autre côté, nous trouvons les "progressistes" clamant qu'un style musical, comme toute culture, se doit d'évoluer pour ne point se scléroser, avançant la notion d'ouverture d'esprit avec force l'adage selon lequel la tradition serait synonyme de régression. Et en plein milieu, la horde du public guidé par les media, n'ayant pas nécessairement conscience de l'existence de ces deux pôles ni des motivations les animant, pas forcément armé non plus pour subir l'assaut brutal émanant de productions plus crues et blasphématoires, trop abruptes au premier abord. Aucune des deux parties extrêmes n'a foncièrement tort ou raison, chacune ayant pour elle ses arguments valides. Après, c'est à tout un chacun de trouver la situation qui lui sied le mieux sur le curseur navigant entre ces deux groupuscules scissionés. Mais une chose est certaine, c'est que le BM Symphonique constitue, par son habillage le rendant autant charmeur qu'accessible, une porte d'entrée idéale au microcosme du BM pour pléthore de novices.

Old Man's Child / Dimmu Borgir ou comment la voie BM Symphonique s'illustre en objet d'une scission qui, même plus de dix après sa survenance, demeure encore bien marquée.

OLD MAN'S CHILD

La genèse / un potentiel incontestable

Tout commence à Oslo en 1989 lorsque Thomas Rune Andersen et Kenneth Akesson (futur batteur de Dimmu Borgir connu sous le pseudonyme de Tjodalv) montent un groupe sans prétention afin de reprendre des morceaux de Slayer et Metallica. Une fois les enfantillages terminés, la bande opte pour le nom Old Man’s Child et se détache de ses influences Thrash et Death premières pour enregistrer sa première démo "In the Shades of Life" en 1994. Cette démo sera rééditée plus tard sous la forme d’un split avec Dimmu Borgir.
Ayant parvenu à gagner l’intérêt de Hot Records, les norvégiens décrochent le droit de mettre en boîte leur premier full-length, le line-up est alors composé de Grusom (Thomas Rune Andersen, connu désormais sous le nom de Galder) au chant et à la guitare, Jardar également à la guitare, Gonde à la basse et Tjodalv à la batterie.
Ce premier disque "Born of the Flickering" (1995) va dépasser en qualité toutes les attentes. Leur approche mélodique du Black Metal, notamment sur un titre comme "The Last Chapter" est en opposition assez flagrante avec le fer de lance du pays (et de tout le style) qu'est Darkthrone. Old Man’s Child combine habilement l’agressivité inhérente au Black avec des sonorités peu habituelles à l’époque telles que le chant féminin et n’oublie pas ses influences Thrash et Heavy, largement perceptibles dans les riffs de "Demon of the Thorncastle". Le clavier apporte aussi une touche magnétisante à l’ensemble, mais on ne peut pas encore véritablement parler de Black Symphonique comme le pratique Emperor sur "In the Nightside Eclipse" car les claviers restent intermittents et la direction musicale vient principalement des guitares.
Malgré quelques petits défauts sur la longueur, ce premier album met en lumière un potentiel exceptionnel qui, pourtant, mettra quelques années avant d’exploser complètement.
Cependant, le buzz autour de ce disque sera tel que Century Media récupérera les droits de cet album pour le ressortir, permettant ainsi à "Born of the Flickering" de bénéficier d’une distribution digne de ce nom.

Imminent prosperity

C’est donc chez Century Media que l’aventure va se poursuivre, sans Tjodalv parti se consacrer entièrement à Dimmu Borgir et remplacé par Tony Kirkemo. Après avoir surpris son monde avec sa première galette, le combo se devait de confirmer. Avec le soutien de Century Media et un séjour au Studio Mega, cela s’annonçait comme une formalité, et pourtant…
Au niveau musical, Old Man’s Child a simplifié sa musique sur "The Pagan Prosperity". Le Black Metal sombre, atmosphérique et innovant n’est plus vraiment de mise ici, l’accent est mis sur la simplicité dès les premières notes de "The Millenium King" : c’est plus direct, rythmé, les riffs sont plus appuyés. Autant le dire tout de suite, le son est gigantesque : une batterie sonnant claire comme de l’eau de roche, la guitare acérée, la basse suffisamment audible dans le mix, le chant bien percutant, la production est assez impressionnante.
On se laisse donc séduire par ses attaques de riffs plus tranchantes que sur "Born of the Flickering" avec des titres comme "Behind the Mask" dans une mouvance très Heavy / Thrash (hormis la voix) ou le bon "My Demonic Figures".
Seulement ce disque n’est pas franchement homogène, délivrant notamment une seconde moitié pas très inspirée, le summum de l’ennui est atteint sur le très pouet-pouet "Return of the Night Creatures" où l’on croirait entendre Galder chanter sur du Nightwish…
Bref, on a l’impression que les gars ne se sont pas foulés plus que ça concernant la composition du disque. De plus, des problèmes internes commencent à émerger : Gonde est viré du groupe à cause de ses problèmes avec la drogue, Jardar est trop occupé par son travail et l’ancien batteur se révèle incapable de jouer les plans de batterie que le déjà omnipotent Galder a composé. Du coup il se retrouve seul, mais heureusement, va recevoir l’aide d’un musicien de session de luxe : Gene Hoglan (ex-Dark Angel) évoluant dans la même maison de disque avec Strapping Young Lad.

Le troisième album "III-Natured Spiritual Invasion" (1998) est donc entièrement composé et joué par Thomas Rune Andersen, excepté la batterie bien entendu.
Après "The Pagan Prosperity" montrant un aspect beaucoup moins Black Metal et tout simplement moins inspiré malgré quelques bons titres, Old Man’s Child semble revenir à quelque chose de plus solide. "Towards Eternity" et "Fall of Man" notamment sonnent bien plus dark et on retrouve une partie de l’aura étrange de "Born of the Flickering". "Fall of Man" allie d’ailleurs parfaitement les passages atmosphériques avec son clavier inspiré, et d’autres plus incisives. Les guitares ont d’ailleurs ici la part belle avec des rythmiques bétons soutenues par un Gene Hoglan facile à la double pédale.
L’ensemble dégage une homogénéité supérieure au trop irrégulier "The Pagan Prosperity". "God of Impiety", notamment, est idéalement placé pour relancer la machine avec ses mélodies marquantes, l’énergie des guitares, et son solo central.
Pourtant, il manque encore quelque chose pour installer Old Man’s Child au sommet de la hiérarchie. Malgré un talent manifeste, Galder ne parvient pas à hisser son groupe au niveau d’un Dimmu Borgir qui vient de mettre le petit monde du Black Sympho à genoux avec son "Enthrone Darkness Triumphant".

Revelation, Defiance, Domination

Après ce cavalier seul, Galder va enfin parvenir à reformer le line-up de "Born of The Flickering" avec le retour au bercail du batteur Tjodalv (qui se partage le travail avec Grimar) et du guitariste Jardar. Un minutieux travail de composition allié au celui du stakhanoviste Peter Tägtgren et son Abyss Studio vont enfin permettre à Old Man’s Child de toucher du doigt la quintessence de leur style sur le quatrième album "Revelation 666 (The Curse of Damnation)" (2000). Un visuel sophistiqué et provocateur, une musique recherchée et subtile, une production alliant puissance, équilibre et clarté, on tient là le premier chef d’œuvre de OMC (non ce n’est pas l’Organisation Mondiale du Commerce).
Un étrange (et excellent) premier titre est un peu trompeur quant à la suite de l’album, qui donne dans un Black dynamique et empreint de mélodie, du Black Symphonique quoi. Seulement, là où Dimmu Borgir semble avoir tout donné et atteint ses limites sur "Spiritual Black Dimensions", Old Man’s Child nous pond des plans transcendants et des riffs diaboliques d’efficacité comme s’il en pleuvait avec une facilité déconcertante. Le travail des guitares de Galder est palpable au travers de riffs parfois alambiqués et presque Thrash dont s’inspireront sans aucun doute "Keep Of Kalessin" dans "Agnen" et "Armada".
Le Black Sympho était jusque là outrageusement dominé par Dimmu Borgir, mais avec "Revelation 666", OMC a supplanté ses compatriotes sur leur propre terrain. Galder se plait ainsi à manier atmosphères et efficacité avec une inspiration sans bornes, comme sur le magnifique "World Expiration" à la fois agressif et aux ambiances immersives.
Old Man’s Child sort ici une œuvre majeure du Black Metal dit symphonique, et des titres à la fois ravageurs et prenants ont laissé des traces, au point d’ailleurs que Galder rejoindra Dimmu Borgir pour enregistrer "Puritanical Euphoric Misanthropia" et relancera brillamment ce groupe qui semblait à bout de souffle, grâce à son talent de compositeur.

On se disait alors que les norvégiens étaient à l’apogée de leur art, que la qualité des sorties suivantes ne pourraient jamais égaler "Revelation 666". Il est vrai que, se consacrant désormais à Dimmu Borgir, on aurait pensé que Old Man’s Child ne serait plus qu’un joujou secondaire pour Galder, un side-project sans grand intérêt en somme… quelle erreur !
Par contre, comme d’habitude, un sacré ménage a été fait dans le line-up pour ne se retrouver au final qu’avec le duo Jardar / Galder qui vont voir débarquer un renfort de poids en la personne de Nicholas Barker. En effet, le british échaudé par le mixage pourri de la batterie sur le "Cruelty and the Beast" de Cradle Of Filth a décidé de délaisser les Blackers de sa majesté pour monter dans les froides contrées nordiques.
Fredrik Nordström et son Fredman Studio vont d’ailleurs profiter de l’aubaine d’avoir un batteur de cette trempe sous la main en mettant en avant le kit de batterie dans le mix, sans pour autant dénaturer l’ensemble, le rendu au niveau du son de "In Defiance of Existence" (2003) étant tout simplement idéal. Sur "Agony of Fallen Grace", Nick Barker fait d’ailleurs étalage de son impressionnante force de frappe sur des passages saccadés dévastateurs. Ce titre démontre tout ce qui fait la force de Old Man’s Child sur "In Defiance of Existence" : puissance Black Metal sur un fond mélancolique avec une basse s’élevant par moments pour donner un aspect cosmique.
Le style Old Man’s Child est immédiatement reconnaissable, on sent bien parfois qu’il y a quelque chose de Dimmu Borgir mais sans en être une simple copie, en effet DB et OMC s’influencent mutuellement sous l’impulsion d’un même compositeur dans les deux groupes. Une grosse différence cependant : là ou Mustis tisse des thèmes grandiloquents à la Star Wars, les claviers de Galder, eux, sont plus discrets, moins ostentatoires et se fondent au milieu des autres instruments sans les dominer à l’image de l’excellent "The Soul Receiver".
Le visuel étant lui aussi magnifique, ce fantastique disque devance d’une courte tête le déjà très bon "Revelation 666" grâce, entre autres, à un jeu de batterie destructeur qui fait la différence.

En vitesse de croisière

Après ce doublé extraordinaire ayant permis à OMC de s’imposer en leader du Black Symphonique, Galder va enchaîner avec un "Vermin" (2005) de bonne facture qui, s’il contient quelques titres au dessus du lot comme "Flames of Deceit", ne possède pas l’aura de "In Defiance of Existence". Old Man’s Child est d'ores et déjà passé en vitesse de croisière. Même le redoutable Reno Killerich embauché derrière les fûts ne parvient pas à apporter le petit grain de folie qui manque.
L’instabilité semble être le principal défaut de OMC : de nouveau Monsieur Andersen (non, il ne s’appelle pas Néo) s’est retrouvé seul à composer sur "Vermin", laissant uniquement les baguettes à l’ex-cogneur de Panzerchrist.
Avec "Slaves of the World", la dernière offrande de 2009, Galder continue imperturbablement de proposer son Black mélodique plutôt unique. A défaut de détrôner "Revelation 666" et "In Defiance of Existence" (on ne demande pas la lune non plus…), on peut compter sur Old Man's Child pour continuer dans cette voie, même si désormais la magie de l'époque bénite laisse place à une routine moins fabuleuse.

DIMMU BORGIR

Les débuts atmosphériques

Tirant son nom d’une ancienne région volcanique de la contrée islandaise et se traduisant littéralement par "Forteresse Sombre", Dimmu Borgir est aujourd'hui la plus célèbre formation de black metal dit "symphonique", grâce notamment à la sortie d'une succession d'albums de plus en plus surproduits et calibrés pour plaire au grand public.
Mais ce serait (presque) oublier qu'il fût une époque où la musique des norvégiens respirait l'underground et l'authentique…

…Cette époque est celle de l'aube de la seconde vague du Black Metal. Dimmu Borgir se forme en 1993 à Oslo sur la base du trio Sven "Silenoz" Kopperud (chant & guitare), Stian "Shagrath" Thoresen (batterie) / Ivar "Brynjard Tristan" Lundsten (basse), rapidement rejoint par Kenneth "Tjodalv" Åkesson à la guitare (simultanément en place chez le cousin Old Man's Child en tant que batteur) et Stian Aarstad (le fameux claviériste au chapeau haut de forme éternellement vissé sur le crâne), avec l'objectif avéré de se démarquer en amenant le genre en des territoires atmosphériques de manière bien plus poussée que l'approche esquissée par Burzum sur son éponyme de l'année précédente.
En résulte, lors d'une année 1994 très productive, deux démos "rehearsal", un EP intitulé "Inn I Evighetens Mørke" et surtout un premier album "For All Tid" regroupant l'intégralité des morceaux des deux démos et sorti sous la bannière de No Colours Records.
Après une longue intro chargée en effluves nostalgiques des temps anciens et faisant la part belle au piano, l'album dispense une poignée de titres plutôt enlevés, honnêtes sans être transcendants, laissant parfois échapper quelques maladresses comme le chant clair puissamment massacré de "Over Bleknede Blåner Til Dommedag". Mais c'est dans sa seconde partie qu'il prend toute sa dimension, celle du calme mortuaire d'un champ de bataille balayé par un vent glacial et peuplé par les âmes des guerriers morts au combat, condamnées à errer pour l'éternité, … des sensations particulièrement intenses lorsque le morceau-titre déploie ses nappes ténébreuses ou encore lorsque "Den Gjemte Sannhets Hersker" égrène ses arpèges lancinants. Le son altéré et grésillant, auquel le timbre très rocailleux de Silenoz s'accorde à merveille, ainsi que l'usage exclusif de la langue norvégienne, font de "For All Tid" une œuvre sans concession, et ce malgré son approche très mélodique et ambiancée.

Repéré et recruté par la maison Cacophonous Records, découvreur de talents hors-pair au flair très aiguisé dès qu'il s'agit de déceler des formations à caractère original (Cradle Of Filth, Bal Sagoth, …), Dimmu Borgir joue le jeu de chaises musicales (Shagrath et Tjodalv échangent leurs postes de batteur et guitariste) et poursuit sur la lancée de "For All Tid" avec un somptueux "Stormblåst" (1996) qui en reprend les bases résolument atmosphériques tout en offrant des morceaux plus complexes et une plus grande diversité de tempo ("Alt Lys Er Svunnet Hen" et "Når Sjelen Hentes Til Helvete" sont des modèles de compositions à tiroirs alternant habilement passages lents, rapides, intimistes ou plus orchestraux), sublimant la saveur mélancolique grâce à de nombreuses et inspirées lignes de piano, dont celles du remarquable "Sorgens Kammer" (bien qu'elles soient inspirées pour ce titre du thème d'un jeu vidéo, le shoot'em up Agony en l'occurrence).
Pour une certaine frange des adeptes de Dimmu Borgir, ce second full-length reste aujourd'hui, malgré sa qualité de production faiblarde, la meilleure et la plus envoûtante production du combo norvégien (et d'ailleurs, votre biographe du jour en fait résolument partie).

La Forteresse établit ses fondations, mais rien ne laissait penser qu'elle allait soudainement adopter une stratégie aussi agressive que séduisante pour rapidement lâcher une ogive dévastatrice …

Enthrone Darkness Triumphant : la transition

Les fluctuations de line-up se poursuivent (Stian "Nagash" Arnesen remplace Brynjard Tristan à la basse) et malgré un appréciable succès d'estime avec deux albums salués par la critique, Dimmu Borgir reste encore un groupe underground. Sa signature avec le géant Nuclear Blast (qu'il ne quittera plus dès lors) se fait sans ambition particulière, si ce n'est celle de donner le meilleur de soi-même dans une orientation plus véloce du côté du groupe, et assurer des ventes correctes du côté de la maison-mère.
Compos aux structures et harmonies plus simples et directes ("Mourning Palace" et "In Death's Embrace" sont particulièrement accrocheurs), claviers monumentaux (impressionnants sur "Spellbound (By The Devil)" et "Tormentor of Christian Souls"), riffs aiguisés et blasts sanguinolents qui font irrémédiablement mouche (les sans pitié "Relinquishment of Spirit and Flesh" et "Master of Disharmony"), prod' solide et millimétrée signée Peter Tägtgren des Abyss Studios, abandon des textes norvégiens pour un anglais infiniment plus abordable pour les non-initiés, simplification du logo autrefois difficilement lisible, … d'aucun pourra arguer que la bête avait bien préparé son coup pour mieux happer sa proie, mais elle fût bien, de son propre aveu, la première surprise de l'incroyable explosion médiatique et commerciale qu'allait provoquer la sortie de "Enthrone Darkness Triumphant" (EDT) en 1997.
Un troisième album qui s'inscrit dans le déferlement d'une forme de Black Metal très esthétique, avec les succès combinés de Emperor, Cradle Of Filth et Limbonic Art.
Dimmu Borgir est alors souvent comparé avec Cradle, les deux formations mises dans le même sac du succès commercial … et ce complètement à tort car les ambiances vampiriques et gothiques des britanniques sont totalement absentes chez les norvégiens, d'autant plus que les chanteurs Dani et Shagrath officient dans des registres diamétralement opposés.

Mais l'explosion EDT ne vint pas de nulle part, déclenchée qu'elle fût par l'étincelle "Devil's Path", un EP publié confidentiellement l'année précédente via Hot Records, le propre label de Shagrath, qui a permis au groupe de se faire repérer par Nuclear Blast. Outre d'annoncer la couleur, cet EP présente également l'intérêt de contenir la version intégrale de "Master of Disharmony", coupé de sa longue ouverture rituelle sur EDT, et de signaler la prise de pouvoir de Shagrath au poste de chanteur principal, possédant un timbre plus grave et moins éraillé que celui de son compère Silenoz.

La période 1997-1999 voit le groupe inonder le marché de multiples rééditions et autres goodies.
C'est tout d'abord le tour d'un "For All Tid" désormais propriété de Nuclear Blast, remasterisé et agrémenté des morceaux de l'EP "Inn I Evighetens Mørke". Les norvégiens en profitent pour faire définitivement table rase du passé No Colours en le publiant avec une pochette colorisée (mais aux tonalités bien pisseuses, soit dit en passant). Vient ensuite le tour de la video-live du Gods of Darkness-tour et d'un nouvel et sympathique EP, intitulé "Godless Savage Garden", combinant inédits issus des sessions EDT, compos de "For All Tid" remises au goût du jour, reprise de classiques ("Metal Heart" de Accept) et lives. Une période faste qui se termine par la réédition de l'EP "Devil's Path" sous forme de split avec la démo "In the Shades of Life" de Old Man's Child. L'union est baptisée "Sons of Satan Gather for Attack".

La Forteresse se veut désormais prête à conquérir le monde et abreuver les adeptes tout disposés à boire en son calice. Malheureusement, à trop vouloir donner dans la prod' proprette et le spectaculairement grandiloquent, ce sont les intrinsèques inspirations artistiques des musiciens et les qualités d'authenticité des œuvres qui vont finir par trinquer.

Hollywood Borgir

De quintet, Dimmu Borgir devient sextet, enrôlant le guitariste australien Jamie "Astennu" Stinson et virant au passage son enchapeauté claviériste Stian Aarstad pour le remplacer par une recrue de marque en la personne d'un Øyvind "Mustis" Mustaparta fort d'une solide formation classique (il officie en tant que pianiste soliste dans l'orchestre philarmonique de Bergen).
Le p'tit jeune (19 ans à peine à l'époque) s'active comme un damné sur les compos, reléguant souvent le travail guitaristique au second plan (excepté les lumineux soli de Astennu) et la musique de Dimmu Borgir se fait plus grandiose sur un quatrième album "Spiritual Black Dimensions" (SBD en 1999), toujours enregistré sous la houlette de Peter Tägtgren (à une époque où les Abyss Studios deviennent archi à la mode) et qui va asseoir leur réputation de cador du Black Metal symphonique acquise avec EDT. Cet album révèle également la voix claire si particulière et controversée de l'invité Simen "Vortex" Hestnæs (alors en fonction dans Borknagar et invité sur la "Masquerade Infernale" de Arcturus).
Pourtant, si l'on possède un sens critique un tant soit peu aiguisé, l'on peut remarquer que ce sont toujours plus ou moins les mêmes sonorités de chœurs, de piano et d'harmonies d'obédience classique qui reviennent. Du coup, à l'exception du cinglant et concis "Behind the Curtains of Night - Phantasmagoria" et de l'atmosphérique et mystique "Arcane Lifeforce Mysteria", les morceaux de SBD ont une fâcheuse tendance à se ressembler. Mustis apparaît donc comme un bon arrangeur, mais a encore du mal à élargir sa palette de sons ainsi que ses schémas de composition.

Un split "True Kings of Norway" (partagé avec Emperor, Immortal, Ancient et Arctarus) et un grand ménage printanier plus tard, voyant Vortex intronisé au poste de bassiste à la place de Nagash parti se concentrer sur son projet Covenant / The Kovenant, Astennu se faire virer au profit de l'increvable Thomas "Galder" Andersen (qui continue à mener Old Man's Child de front), et Tjodalv partir s'occuper de sa petite famille, laissant la place à une recrue de poids en la personne du revanchard Nick Barker, parti de Cradle en claquant la porte (et à juste titre) suite au mixage saccagé de ses parties de batterie sur "Cruelty and the Beast". Pas étonnant donc que le père Barker écrase tout jusqu'à l'excès sur le cinquième album "Puritanical Euphoric Misanthropia" (PEM en 2001).
Propulsé par cette formidable rampe de lancement, ainsi que par les riffs thrashy autant hargneux que rafraîchissants estampillés Galder ("Blessings Upon the Throne of Tyranny", "The Maelstrom Mephisto") et par l'énorme travail de Mustis effectué sur ses claviers et pour le (vrai) orchestre insinuant des résonances parfois horrifiques ("Kings of the Carnival Creation", " Architecture of a Genocidal Nature", "Indoctrination") ou plus oniriques (l'intro "Fear and Wonder" que l'on croirait œuvre de Danny Elfman), PEM en ressort très spectaculaire, diversifié (réservant même un titre très axé Indus avec "Puritania") et va en scotcher plus d'un, malgré un mixage bouclé à l'arrache, donc épisodiquement défaillant, et un Vortex qui ne plait pas à tout le monde (mais le peut-il seulement ?).
La prod' Fredman Studios en met plein la vue, certes, mais elle marque aussi l'entrée de Dimmu Borgir dans son ère "synthétique", comprenez par là trigger à outrance et textures sonores plastico-cliniques, sans compter un Shagrath subitement pris d'une passion immodérée pour les gadgets déformateurs de voix.

Passé quelques intermèdes live ("Alive in Torment", "World Misanthropy") avec pour la première fois de leur carrière un line-up intact, et voilà que déboule le blockbuster "Death Cult Armageddon" (DCA en 2003), reprenant globalement la formule de PEM en amplifiant ce qui a fait son succès, à savoir sa grande diversité (on navigue de compos complexes et grandiloquentes telles "Vredesbyrd" à d'autres plus foncièrement metal et directes, comme "For the World to Dictate our Death" ou "Heavenly Perverse"), ses poussées Thrash Galderiennes ("Lepers Among Us", "Cataclysm Children") et son orchestre (le philarmonique de Prague au grand complet) à l'élan cinématographique. Mustis n'a jamais caché sa grande consommation de BO de films, et ses créations portent cette fois-ci la marque de John Williams, particulièrement vivace sur "Progenies of the Great Apocalypse" et "Eradication Instincts Defined".
DCA envoie la sauce, mais pousse aussi le bouchon (trop) loin avec les accessoires et artifices en tout genres (chant clair de Vortex pas forcément à sa place, les micros à filtres de Shagrath utilisés jusqu'à en devenir fatiguant) et la production méticuleusement passée au Cif décapant.

Un peu comme une superproduction hollywoodienne prévisible autant que surfaite, noyant son manque d'inspiration scénaristique sous une dose massive d'effets spéciaux et de séquences pyrotechniques ébouriffantes, Dimmu Borgir laisse systématiquement cette mauvaise impression de dissimuler un certain manque d'idées et de réelle créativité derrière une production chargée et des tonnes de riffs pétaradants et d'orchestrations efficaces mais ô combien faciles. C'est distrayant, ça s'écoute sans faim, mais ça commence à foutrement sentir le pâté … ou plutôt le navet …

In Sorte Diaboli : le navet

… Et pourtant, le réenregistrement complet de "Stormblåst" en 2005 était plutôt engageant. Le fait que Shagrath et Silenoz se soient reconcentrés pour l'occasion sur leur microcosmique duo (n'ayant que Mustis aux claviers et Hellhammer à la batterie en tant que guests), les retrouvailles avec Peter Tägtgren, comme au bon vieux temps, … tous ces éléments ont certainement concouru à un retour à une expression plus pure et moins artificielle, bien que cette relecture, au demeurant fort intéressante, ne parvienne pas à recréer l'aura éminemment mélancolique et mortuaire de l'original.

Un intermède qui n'aura fait que retarder l'inéluctable plantage qui finit par arriver sous la forme du poussif "In Sorte Diaboli" (ISD en 2007). Certes, l'album s'est plus que bien écoulé (la franchise DB a toujours bonne côte), mais pour nombre d'auditeurs avisés, ISD est un ratage.
Mu par une subite envie de s'atteler à créer du matériel plus sale et brutal, Dimmu Borgir s'est planté. Il l'a voulu, mais le pouvait-il vraiment, à s'être forgé un revêtement si aseptisé depuis de nombreuses années, à grands renforts de PEM et DCA ? L'objectif était difficile, sinon impossible. Le grand retour du son polymérique des Fredman Studios coupe net tout semblant d'effluves démoniaques. Hellhammer, usé par les années et remplaçant au pied couché un Nick Barker parti (ou viré ?) pour on ne sait quelle raison, donne l'impression de jouer avec ses béquilles, tandis que Mustis, quelque peu remisé au placard, manque cruellement.
Dimmu Borgir y perd en bombastique autant qu'en liant, laissant sur le devant de la scène des guitaristes moulinant à vide, agençant quantité de riffs plats et peu inspirés par-dessus la jambe. Bref, un groupe en totale perte de vitesse et qui, sans l'abattage de Mustis et avec un Galder un poil fainéant, sans la force de frappe de Nick Barker et avec un Hellhammer cramé jusqu'à la moelle, ne propose plus grand-chose d'attrayant.

Aujourd'hui, Dimmu Borgir s'est recentré autour du trio Shagrath / Silenoz / Galder, après les évictions simultanées de Mustis et Vortex avec pertes et fracas (Hellhammer n'était apparemment qu'intermittent de spectacle).
Comment vont-ils réagir ? Quelle orientation vont-ils adopter pour leur éventuelle contre-attaque ? Difficile à prévoir pour le moment, mais une chose est certaine : la Forteresse n'est plus pour l'heure qu'un amas de Lego, et redorer son blason ne sera pas une mince affaire pour nos trois gaillards …

Article réalisé par ArchEvil, BeerGrinder, CirithUngol, Eulmatt et Vinterdrøm

BOLT THROWER - ROTTING CHRIST - DEW-SCENTED - OBNOXIOUS (CCO Villeurbanne, 8 Mai 2010)

2010-05-10T18:20:00.000+02:00

Il y a des soirs comme ça où tu ne regrettes pas les 5 heures de route qui te séparent d’une salle de concert. Samedi 8 Mai au CCO, c’était l’affluence des grands soirs pour accueillir dans l’ordre les infatigables Thrashers allemands Dew-Scented, les précurseurs du Black Metal hellénique Rotting Christ et les légendaires Deathsters anglais Bolt Thrower. Une bonne pizza arrosée de quelques bières, faire un petit bonjour général (putain je connais désormais plus de monde sur Lyon que sur Clermont…), gestion des affaires courantes pour mon trade avec le pote à Dimholt, récupération de ma commande auprès d'un fournisseur, achat de la place aussi quand même, et c’est parti !

Bon j’avoue que le groupe local Obnoxious, j’ai écouté deux morceaux et je me suis barré dehors, c’était chiant et ça manquait d’âme. Comme dit Fabien, c’était éprouvant alors j’ai pas cherché plus loin. C’est une spécialité sur Lyon les groupes locaux moisis non ? Parce que pour Origin on était servi aussi…

Dew-Scented c’est un autre calibre par contre. Au début, la salle était assez amorphe mais le sympathique et blagueur chanteur du combo a vite su se mettre le public dans la poche. Set percutant à l’image de leur musique inspirée du vieux Thrash teuton avec une pointe de modernité qui apporte le petit plus par rapport à tous ces jeunes groupes revival vintage parfois ridicules. A noter que les morceaux du futur nouvel album qui sort à la fin du mois passent carrément bien, c’était agité dans le pit…

Le temps de m’enfiler une nouvelle bière avec Roland (NDLR : le boss de Hass Weg Prods) et de refaire les 3 dernières finales du top 14 avec Eulmatt, et voilà que Rotting Christ attaque. Dès les premières notes et les samples tout moisis, je sens direct que ça va être éprouvant là aussi, je ne sais pas où ils ont voulu en venir sur "Aealo" mais les nouveaux morceaux sont à gerber. Je vais quand même jeter un œil lorsque la bande à Sakis joue le très bon premier morceau de "Theogonia", mais dès le suivant ça retombe dans des trucs mous du genou et je retourne boire des bières. Déçu, mais au moins je me tâtais pour acheter le dernier, je sais maintenant ce que j’ai à faire…

Enfin le clou de la soirée, enfin les tant attendus Bolt Thrower ! Après avoir ingurgité avec bonheur du Death brutal pendant tout le trajet, il est désormais temps de prendre une heure de old-school en travers de la tronche. Et la guerre débute par le génial "The IVth Crusade". Comme dans toutes les guerres, il y a des victimes et le premier crétin à se lancer dans le stage-diving (la tête la première : you win the prize) va s’exploser l’arcade par terre… La suite c’est que du bonheur, le temps de retrouver un collègue dans le pit pendant deux morceaux et de vite en ressortir en nage pour confier mon perfecto à un pote clermontois en retrait qui les voyait pour la huitième fois. Un enchaînement de tueries basé surtout sur "Warmaster" et "The IVth Crusade" : "Where Next to Conquer", "What Dwells Within", "Crush the Cenotaph", "Embers", ça pioche allègrement dans les classiques en y rajoutant quelques-unes du plus récent "Those Once Loyal". Le public, conquis d’avance, réagit à la moindre exhortation de Karl Willets ou la moindre réaction de Jo Bench. D’ailleurs, l’ami Karl, malgré les années (je viens de regarder le livret de "The IVth Crusade" et la comparaison avec hier soir fait mal) semble toujours s’amuser comme un enfant sur scène, la flamme est toujours là ! La côte d’amour de Bolt Thrower est vraiment impressionnante et ne faiblit pas avec le temps. Personnellement, j’étais tellement imbibé (habité on va plutôt dire sinon ça va prêter à confusion) par la musique des anglais que j’ai même trouvé quelque chose de sexy à Jo Bench ha ha… Allez, un seul petit reproche : l’absence de "Dying Creed" de la set-list, sinon la claque ! Bolt Thrower a ce petit truc difficile à définir qui sépare les bons groupes des grands groupes. La bataille est remportée, les war masters triomphent une fois de plus.

Live-report réalisé par BeerGrinder

L'HISTOIRE DU GOTHIC METAL - PART 1 : PARADISE LOST ET LES DEBUTS DU GOTHIC METAL

2010-03-08T17:50:00.000+01:00

Bienvenue dans le West-Yorkshire

Pour ceux qui ne connaissent pas Halifax, je vous conseille d’aller faire un tour dans cette charmante bourgade du Yorkshire. Idéalement, prévoyez une journée de Novembre, ce qui vous permettra à coup sûr de connaître un magnifique brouillard matinal, qui se lèvera bien vite pour laisser place à une longue journée de pluie venteuse. C’est comme cela que l’on appréhende le mieux ces petites bourgades du Yorkshire, dont les innombrables cheminées de brique et les vieilles bâtisses désaffectées rappellent combien ce petit coin gris d’Angleterre fût jadis un fleuron industriel. C’était il y a un siècle, et ce couloir dévasté, qui part de Leeds en passant par Manchester jusqu’à Liverpool, serait invivable pour quiconque répugnerait à se réfugier dans le fanatisme footballistique et l’alcoolisme houblonné. C’est qu’à Liverpool, ils ont la mer, les Beatles et Carcass ! Mais Halifax, pensez donc, comment vivre une adolescence joyeuse au milieu de ces rues noires et humides où rien ne se passe ? Allez-y, vous comprendrez ainsi pourquoi le doom/death anglais est né ici, enfantant ces deux enfants les plus doués, Paradise Lost et My Dying Bride.
Bon, arrêtons là les frais, cet article n’ayant pas pour vocation première de faire office de guide touristique. Et comme il est probable que l’essentiel des lecteurs ne sera guère convaincu d’aller passer ses vacances à Halifax, cette petite approche sociogéographique va vite trouver ses limites pour expliquer comment ces quatre gamins du nom de Nick Holmes, Gregor Mackintosh, Aaron Aedy, Steve Edmondson, vont en quelques années explorer quasiment à eux seuls un nouveau territoire musical qui a aujourd’hui véritablement explosé : le metal gothique.
La tête pensante musicale de Paradise Lost est avant tout Gregor. Ce grand gaucher dégingandé d’origine écossaise, aussi jovial qu’une porte de prison, est un vrai metalhead. Pour autant, l’effervescence du thrash metal le laisse indifférent. Lui se passionne pour ce vieux heavy brumeux des seventies, Black Sabbath en tête, et ne rechigne pas non plus à écouter toute cette vague de rock goth à tendance new-wave en verve dans ces premières années 80. Et quand la frange la plus extrême du metal se durcit, il prête une oreille attentive à Celtic Frost et aux prémices du death metal, qui devient son style de prédilection.
Paradise Lost se forme ainsi officiellement début 1988, et le groupe se met à jouer du death metal assez atypique, dénué de toute influence thrash, s’orientant plutôt vers la lourdeur des atmosphères empruntées aux diverses influences de Gregor Mackintosh. C’est en fait à ce niveau que se situe la genèse du fameux doom/death britannique, qui va devenir pour quelques années un mouvement essentiel de la scène européenne. Cette genèse est particulièrement intéressante, puisqu’à l’instar du doom metal pur, elle puise son inspiration dans le heavy metal primitif des premières heures. Mais pour la première fois, cette inspiration se mêle au metal le plus extrême, le death metal, court-circuitant quasiment toute l’évolution intermédiaire qu’a connue le heavy metal via le speed/thrash.
Paradise Lost enchaîne dès lors les démos, construisant en moins de deux ans une base solide s’appuyant sur des compositions comme "Paradise Lost", "Internal Torment" ou encore "Our Savior". Son death metal lugubre et monolithique se révèle particulièrement imposant en concert, ce qui commence à assurer aux jeunes anglais une reconnaissance locale remarquée.

PEACEVILLE et le doom/death british

On repart pour un petit topo géographique (le dernier, c’est promis) : à 10 km à l’Est d’Halifax, toujours dans la banlieue de Bradford se situe Clackheaton. Ce nom ne vous dit peut-être rien, mais si je vous signale que c’est dans cette bourgade qu’est né le label Peaceville, fondé en 1987 par un certain Halmshaw, tout va s’éclaircir. Dans ces années 88/89, Peaceville reste avant tout un distributeur de cassettes, focalisé sur l’underground le plus profond, des résidus de punk jusqu’à ses orientations modernes : le crust et le grind. Le jeune label a forcément vent du phénomène Paradise Lost, la proximité immédiate facilitant les choses. Et c’est ainsi qu’une aventure commune prend forme, Peaceville signant le groupe et lui propose de mettre en boîte un premier LP. Les deux protagonistes issus de nulle part vont mutuellement se tirer vers le haut et accoucher d’une des plus réussites du heavy metal de cette période. Peaceville devient LE label doom/death avec ses poulains Paradise Lost, My Dying Bride (signé en 90) bientôt rejoint par le troisième larron, Anathema, qui vient de Liverpool.
Paradise Lost, lui, se voit offrir une voie royale pour affirmer sa personnalité atypique en toute liberté.

LOST PARADISE - Le mal-aimé (1990)

Paradise Lost entame ainsi cette nouvelle décennie par la sortie de son premier album, "Lost Paradise", qui s’appuie essentiellement sur le répertoire issu des trois démos précédentes. Sous-produit, d’une accessibilité limitée et d’une austérité marquée, le disque mérite toutefois le titre de premier véritable album doom/death. Nick Holmes fait dans le growl caverneux, le death très lourd et très lent délivré par les guitares de Mackintosh et Aedy se révèle très sombre et très rugueux, pas toujours très bien épaulé par la rythmique basse/guitare timide dans le placement. D’approche ardue, "Lost Paradise" fait figure à la fois de révélateur des limites techniques du moment des jeunes anglais, mais également de démonstration que la fusion de styles à priori très éloignés n’est pas impossible. On y retrouve l’ambiance plombée du doom metal, tout droit héritée des heures les plus lourdes de Black Sabbath et de ses disciples, associée à la puissance et la virulence de ce jeune death metal, même si à ce niveau, Paradise Lost ne parvient pas vraiment à l’exploiter. En jetant une oreille très attentive, on note tout de même quelques indices quant à l’évolution future du groupe. Quelques passages dénotent d’une certaine influence de Celtic Frost au travers de certains riffs assez monumentaux, jusqu’à l’emploi très discret de voix féminines.
L’époque post-"Lost Paradise" voit se confirmer l’amplification de la reconnaissance dans le milieu, et au travers de nombreuses dates, le groupe se forge à la fois une belle réputation et gagne en maturité technique. L’album reste cependant avant tout un brouillon, une épure qui témoigne des premières années pendant laquelle Paradise Lost a esquissé ses bases artistiques. Il demeure d’ailleurs à ce jour le seul album que les anglais éludent volontiers, certainement parce qu’ils sont conscients qu’il est le seul à témoigner d’une époque où la réalisation n’était pas encore à la hauteur de leurs ambitions.

Voir la chronique de "Lost Paradise"

GOTHIC - Le mythe fondateur (1991)

L’accueil favorable du public, et la solide réputation que génère ses prestations scéniques confortent indubitablement les certitudes artistiques de Paradise Lost, qui avance désormais avec assurance dans la voie qu’il s’est lui même ouvert.
Greg Mackintosh va réaliser un coup de maître en composant enfin un titre où il parvient à mêler ses inspirations, où le résultat est à la hauteur de ses ambitions. Ce morceau abouti se nomme "Gothic", et c’est ici que tout commence. L’amalgame de son doom/death lourd et monumental, associé à l’émotion d’un chant féminin d’une grande pureté, et l’adjonction de claviers venant achever l’esthétique finale conduisent à une composition cultissime, qui va immédiatement faire figure de référentiel, et inspirer une pléthore de clones.
A ce titre, Gothic incarne la pierre angulaire de la contribution de Paradise Lost à cette scène encore mal définie qu’est le gothic metal. Avec toutes les légendes et les amalgames que l’on peut y associer. Si musicalement, le style est encore à vraiment définir, cette orientation quasiment irrémédiable vers des effluves mélodiques très purs marque un premier tournant. L’autre aspect qui prête encore plus à confusion est dû tout simplement à l’utilisation du terme "gothic".
L’ambigüité de ce choix rajoute un peu plus à la confusion autour de ce lien peu évident entre scène gothique et le doom/death britannique d’alors. Pourtant, Gregor Mackintosh n’est pas au dessus de tout soupçon en termes de préméditation. Le grand brun est un fan avoué de toute la mouvance rock goth des années 80, des Sisters Of Mercy, Bauhaus et autres Joy Division. Et si l’héritage musical direct n’est pas identifiable, une forme d’esthétisme commun n’est pas à exclure.
Ceci dit, l’album, enregistré au tout début de l’année 91, reste avant tout un monument de doom/death britannique, le premier de ce niveau. Le chant reste bien guttural, les rythmiques de plomb, l’atmosphère sinistre, même si on note des progrès indéniables qui confèrent au disque des touches plus aérées que son lugubre prédécesseur. Le Paradise Lost gothique n’est cependant pas encore né.

Voir la chronique de "Gothic"

SHADES OF GOD - La transition (1992)

Un peu plus d’un an s’écoule entre l’enregistrement de "Gothic" et celui de "Shades of God". Là encore, les anglais réussissent d’abord un coup de maître grâce à un morceau légendaire, "As I Die". Et cette fois, le gothic metal moderne est bel et bien de la partie. Direct et accessible, superbement accrocheur via ses riffs mélodiques et son refrain dantesque, Paradise Lost crée là son hymne éternel qui fait vraiment basculer le groupe dans une autre ère.
Un peu à l’instar de "Gothic", le reste de l’album est moins brillant. Il est surtout décontenant pour les fans de la première heure, car les évolutions de fond sont bien présentes. Oubliant quasiment définitivement toute influence death metal, le groupe s’oriente vers un metal plus heavy, presque rock n’roll, conservant toutefois une solide ossature doom. Titres à rallonge, constructions plus sophistiquées, atmosphère feutrée bien que toujours sombre, "Shades Of God" est à la fois le témoin de l’évolution en profondeur de Paradise Lost, mais aussi de son besoin de maturation artistique, tandis que techniquement, le groupe a déjà affiché ses progrès. Cela ne porte pas à conséquence, tant le groupe voit sa cote de popularité grimper et son degré de reconnaissance s’amplifier. Une page se tourne néanmoins, et la progression vers des sphères plus lumineuses semble inexorable.

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ICON - La lumière gothique (1993)

Avec "Icon", Paradise Lost gravit les dernières pentes qui le mènent à son aboutissement artistique. Tout le potentiel entrevu auparavant prend corps dans cet album sublime, qui se démarque assez nettement d’une concurrence ravivée en cette année 93 (Katatonia, My Dying Bride, Anathema). Paradise Lost a un coup d’avance avec sa musique désormais personnelle et très équilibrée. Le chant est devenu clair, les structures plutôt heavy et simplifiées. Tout pour mettre magnifiquement en avant le génie créatif de composition de Mackintosh, qui est à son apogée. Jouant en permanence sur le registre émotionnel avec une élégance remarquable, les morceaux s’enchaînent magnifiquement sans la moindre faute de goût. Aussi bien dans les riffs mélodiques ciselés que dans l’utilisation ponctuelle de claviers et de chants féminins, "Icon" incarne une forme de perfection dans l’équilibre et la richesse musicale. L’album a également ceci de remarquable qu’il bénéficie toujours d’une assise puissante directement héritée des fondamentaux du groupe, et si il se démarque d’un "Serenades" par exemple (Anathema), les réminiscences de doom, voire de death dans la robustesse de certains riffs, témoignent toujours des origines musicales du groupe. Cela n’est pas anodin dans la force monolithique assez unique que dégage cet album, qui ne peut plus être taxé de transition, tant il est homogène et abouti.
Le metal gothique y trouve là son premier monument, de nouveaux hymnes éternels ("True Belief") et par conséquent son public. Paradise Lost a désormais pris conscience de son potentiel, et ne se privera plus pour exploiter son talent de composition.

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DRACONIAN TIMES - L'état de grâce (1995)

Profitant un peu plus longuement que d’habitude de son nouveau statut, Paradise Lost profite de ces deux années 93 et 94 pour des tournées qui enfoncent un peu plus le coup. Le groupe, qui n’a eu de cesse d’évoluer d’album en album, semble vouloir désormais se concentrer vers cette nouvelle veine artistique, qui s’écarte définitivement de la scène extrême. Paradise Lost peaufine avec soin son nouvel album, "Draconian Times", à l’artwork sophistiqué, aux textes travaillés et au metal gothique finement ciselé. Encore un peu plus accessible, "Draconian Times" reçoit un accueil enthousiaste, et l’album devient rapidement un succès commercial sans précédent pour le groupe et son label.
Considéré par beaucoup comme le meilleur album de sa discographie (même si me concernant, j’estime qu’il serait injuste d’oublier le grandiose "Icon"), l’album incarne une forme très pure de heavy gothique mélodique d’une grande élégance. La profusion de ses mélodies accrocheuses en diable, de ses refrains imparables et d’une mélancolie touchante, fait mouche irrésistiblement.
Son nouveau public n’est d’ailleurs clairement plus composé majoritairement de fans de metal extrême. La scène metal gothique prend dès lors une importance notoire, venant clairement se faire une place au sein du heavy metal. Paradise Lost, là encore, a un temps d’avance. Ses collègues historiques ne tardent pas à lui emboîter le pas, ce qui fait que cette année 1995 voit quelque part la mort médiatique du doom/death, qui retombe dans l’ombre de l’underground. La nouvelle orientation musicale de ses leaders ouvre quant à elle les portes d’un avenir radieux pour le metal gothique.

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ONE SECOND - Le contrepied (1997)

Sans le savoir, les anglais sont en train de vivre l’apogée de leur carrière. Ces années 95-96 sont celles de la gloire. A l’échelle européenne, Paradise Lost est un nom qui compte dans la sphère du heavy metal, générant même parfois des commentaires enflammés et excessifs de certains observateurs, qui voient dans le groupe le nouveau Metallica…
Toujours est-il qu’en à peine cinq ans et autant d’albums, le groupe est arrivé au sommet, en partant de très loin. Le moteur de leur croissance artistique couronnée de succès étant l’évolution permanente, Paradise Lost n’envisage pas de faire du surplace. Marquant une pause de plus d’une année, le groupe se remet à l’écriture, avec de nouvelles ambitions. Pour la troisième fois de sa carrière (après "Gothic" et "Draconian Times"), Paradise Lost défriche encore un peu plus le metal gothique, et accomplit enfin le rêve de Mackintosh : faire le lien entre le gothic metal et son lointain cousin le goth rock (aussi appelé darkwave), mouvement artistique de fond qui a marqué les années 80.
La prouesse est accomplie avec "One Second" : gardant une ossature metal, mais désormais délestée de tout penchant musclé, le disque fait la part belle aux mélodies plus pop. Son titre éponyme, véritablement taillé pour les charts, avec ses touches de pianos savamment distillées et un chant toujours plus clair et délicat, accroche immédiatement l’oreille. Tranchant déjà nettement avec le passé du groupe, il n’augure qu’imparfaitement la suite, encore plus audacieuse. Mettant délibérément la puissance des guitares au second plan, les compositions prennent une tournure électro-pop-rock, à l’ambiance feutrée mais profondément mélancolique.
Commercialement, l’album n’est pas un échec : bénéficiant toujours d’un statut majeur, Paradise Lost parvient également à séduire un nouveau public, tout en convaincant ses fans les plus ouverts. Car le fait est que malgré l’abandon de toute référence à la sphère metal (musicalement, iconographiquement, jusqu’au look vestimentaire et la coupe de cheveux), "One Second" est un superbe album, mettant paradoxalement encore plus en valeur la capacité mélodique du groupe. Pourtant, tout n’est pas rose, loin de là. La scène metal comprend mal cette orientation, qui ressemble à une trahison…

HOST - La chute (1999)

Dès lors, tout va s’enchaîner très vite. Les anglais n’ayant jusqu’à présent eu aucun scrupule à évoluer à leur guise, ils poussent les curseurs à fond : l’orientation electro-pop est désormais assumée et poussée jusqu’au bout. Evènement non négligeable, surtout aux yeux des metalheads : dans le même temps, Paradise Lost quitte Music For Nations pour l’ultra major EMI. Les raccourcis seront désormais inévitables.
Parler musicalement de "Host" est chose compliquée. Si froidement, on se doit d’admettre que Paradise Lost déploie à nouveau un talent indéniable, sans doute supérieur à beaucoup d’autres groupes du genre qui s’octroient les faveurs du grand public, "Host" est boudé massivement par ses anciens fans, qui n’y trouvent plus du tout leur compte : l’album n’a plus rien à voir avec le heavy metal, se rapprochant plus d’un Depeche Mode qu’autre chose.... Et d’autre part, c’est un bide commercial au niveau de son nouveau "marché" : pour le coup, dans la sphère du mainstream pop-rock, Paradise Lost fait figure d’obscur groupe underground, comme quoi tout est relatif.
Le mythe Paradise Lost est disloqué.

De BELIEVE IN NOTHING à PARADISE LOST - La convalescence (2001-2005)

Pour la première fois, le groupe prend conscience qu’il n’est pas intouchable. Autant son ascension fût fulgurante, autant sa chute abyssale fût encore plus rapide. La souffrance est d’autant plus grande que les procès d’intention (orientation commerciale et compagnie) ne correspondent pas à la vision du combo, qui estime à juste titre avoir fait preuve de courage et d’intégrité en assumant ce virage.
Et pour la première fois, le groupe doit douloureusement revoir son évolution musicale en fonction de l’extérieur. C’est en effet une question de survie. Perdant ainsi la sacro-sainte indépendance artistique, celle que tous les groupes revendiquent haut et fort mais que seule une poignée peut revendiquer légitimement, Paradise Lost compose "Believe in Nothing" en cherchant à récupérer le coup. La qualité de l’album s’en ressent, victime d’errements stylistiques (le retour timide des guitares) et de longueurs qui témoignent de la perte d’inspiration. Commercialement, le groupe reste au plus bas et ne pèse plus grand-chose. Toutefois, le groupe se sert de cet album pour faire le deuil de "Host", qui restait une blessure ouverte et profonde.
Logiquement poussé dehors par EMI, Paradise Lost renaît véritablement avec "Symbol of Life". Autant "Believe in Nothing" semblait orphelin d’une orientation ferme, autant le nouvel album est magistralement composé par Greg Mackintosh, qui trouve la bonne carburation. La colère noire est de retour avec le son massif des guitares, une rythmique carrée et des compositions plus enlevées. Evitant judicieusement le come-back trop voyant vers le passé, le groupe conserve un héritage non négligeable de son passé récent. Typique du gothic metal moderne, ses touches électro et ses riffs fleurant l’industriel, "Symbol of Life" émerge comme l’un des meilleurs albums du genre en ce début de millénaire. C’est toutefois encore insuffisant pour complètement refermer les cicatrices récentes, d’autant plus qu’il faut attendre trois années pour avoir la confirmation du retour de Paradise Lost. L’album éponyme, dix ans après "Draconian Times", est bien cette confirmation attendue, à la hauteur de son prédécesseur. Le gothic metal du groupe prend une tournure encore plus moderne, misant pour la première fois sur la puissance du son pour affirmer son retour aux sources. Résolument moderne, allant presque flirter avec des groupes comme Rammstein, Paradise Lost se reconstruit un nouveau public et parvient désormais à rameuter quelques vieux fans. La convalescence n’est toutefois pas terminée : Paradise Lost est encore loin d’avoir renoué avec son statut d’antan. La preuve en est son incapacité à tourner en tant que tête d’affiche, même dans son propre pays.

IN REQUIEM - La résurrection (2007)

C’est un véritable tour de force que réalise Paradise Lost en 2007. Réussissant enfin à réaliser la synthèse de la période "Icon" / "Draconian Times" avec l’approche plus moderne de ses deux derniers albums en date, le groupe signe un des plus grands disques de gothic metal des années 2000. Retrouvant la majesté imposante des riffs, la finesse émotionnelle de son passé, avec une production impressionnante et l’emploi maîtrisé des claviers, cet album en forme de synthèse parvient même à bluffer bon nombre d’anciens fans qui n’y croyaient plus, même si on peut se poser des questions sur les raisons profondes de ce retour aux sources.
Beau à pleurer, inspiré et implacable, "In Requiem" fait figure de résurrection pour un groupe qui redevient brusquement ce qu’il aurait dû toujours rester : plus que le créateur du gothic metal, son maître absolu.

Article réalisé par Eulmatt (initialement publié le 5 Septembre 2009)